Blog de Cartelera

Nominaciones a las mejores películas del año por la Sociedad de Críticos de Internet

2011-12-26T15:02:00.004-03:00

El árbol de la vida (The Tree of Life), la película ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2011, recibió siete nominaciones a los 15º premios anuales de la Sociedad de Críticos de Cine de Internet (Online Film Critics Society). La obra del director Terrence Malick ha sido nominada como mejor film, mejor director, actor de reparto (Brad Pitt), actriz de reparto (Jessica Chastain), guión original, montaje y fotografía.

Junto a El árbol de la vida (cuyo estreno en Uruguay está previsto para febrero de 2012) también compiten por los premios principales la producción francesa El artista, de Michel Hazanavicius; el drama The Descendants, de Alexander Payne; el thriller Drive, de Nicolas Winding Refn; y la aventura Hugo, primera película en 3D dirigida por Martin Scorsese. Malick, Hazanavicius, Refn y Scorsese han sido nominados a la mejor dirección junto al danés Lars von Trier (Melancholia).

La Sociedad de Críticos de Cine de Internet nuclea a críticos y periodistas cinematográficos que escriben en publicaciones online (como Cartelera.com.uy). Fundada en 1997, reúne a profesionales de todo el mundo. Los ganadores serán anunciados el lunes 2 de enero de 2012.

A continuación, la lista completa de candidatos:

Mejor película:

The Artist (El artista)
The Descendants (Los descendientes)
Drive
Hugo
The Tree of Life (El árbol de la vida)

Mejor Película Animada:

The Adventures of Tintin (Las aventuras de Tintin)
Arthur Christmas (Operación regalo)
Kung Fu Panda 2
Rango
Winnie the Pooh

Mejor Director:

Michel Hazanavicius (The Artist)
Terrence Malick (The Tree of Life)
Nicolas Winding Refn (Drive)
Martin Scorsese (Hugo)
Lars von Trier (Melancholia)

Mejor Actor:

George Clooney (The Descendants)
Jean Dujardin (The Artist)
Michael Fassbender (Shame)
Gary Oldman (Tinker Tailor Solider Spy)
Michael Shannon (Take Shelter)

Mejor Actriz:

Kirsten Dunst (Melancholia)
Elizabeth Olsen (Martha Marcy May Marlene)
Meryl Streep (The Iron Lady)
Tilda Swinton (We Need to Talk About Kevin)
Michelle Williams (My Week with Marilyn)

Mejor Actor de Reparto:

Albert Brooks (Drive)
John Hawkes (Martha Marcy May Marlene)
Nick Nolte (Warrior)
Brad Pitt (The Tree of Life)
Christopher Plummer (Beginners)

Mejor Actriz de Reparto:

Jessica Chastain (The Tree of Life)
Melissa McCarthy (Bridesmaids)
Janet McTeer (Albert Nobbs)
Carey Mulligan (Shame)
Shailene Woodley (The Descendants)

Mejor Guión Original:

Martha Marcy May Marlene (Sean Durkin)
Midnight in Paris (Woody Allen)
A Separation (Asghar Farhadi)
The Tree of Life (Terrence Malick)
Win Win (Tom McCarthy)

Mejor Guión Adaptado:

The Descendants (Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash)
Drive (Hossein Amini)
Moneyball (Steven Zaillian y Aaron Sorkin)
Tinker Tailor Solider Spy (Bridget O'Connor y Peter Straughan)
We Need to Talk About Kevin (Lynne Ramsay y Rory Kinnear)

Mejor Montaje:

Drive
Martha Marcy May Marlene
Tinker Tailor Soldier Spy
The Tree of Life
We Need to Talk About Kevin

Mejor Fotografía:

The Artist
Drive
Hugo
Melancholia
The Tree of Life

Mejor Film en Idioma no Inglés:

13 Assassins
Certified Copy (Copia certificada)
A Separation
La piel que habito
El hombre que podía recordar sus vidas pasadas

Mejor Documental:

Cave of Forgotten Dreams
The Interrupters
Into the Abyss
Project Nim
Tabloid

Premios Especiales:

- Jessica Chastain, revelación actoral del año
- Martin Scorsese, en honor a su trabajo y dedicación a la preservación del cine

Los críticos de cine de Uruguay eligen las mejores películas del año

2011-12-17T16:49:00.003-03:00

La Asociación de Críticos de Cine del Uruguay – Fipresci realizó el viernes 16 de diciembre la entrega de premios a las Mejores Películas de 2011. La premiación se realizó en la Sala de Conferencias del Teatro Solís. En dicha oportunidad fueron reveladas las ganadoras en las diferentes categorías de cine nacional e internacional.

Como Mejor Película Internacional fue elegida Medianoche en París de Woody Allen, mientras que en el rubro Documental Internacional resultó vencedora Pina de Wim Wenders. Dentro del apartado de cine nacional, por primera vez en la historia de estos premios se registró un empate en el rubro Mejor Película, que fue compartido entre Artigas: la Redota de César Charlone y La casa muda de Gustavo Hernández. La paridad advertida en el principal rubro se vio reflejada en el resto de los premios, ya que Artigas: la Redota accedió a seis galardones en total (mejor película de ficción, dirección, actor, guión, fotografía y dirección de arte), mientras que La casa muda conquistó cinco (película de ficción, actriz, revelación femenina, sonido y montaje). Además ambos films se hicieron acreedores al Premio ICAU a la Mejor Película Nacional, entregado por el director del Instituto, Martín Papich.

La película 3 millones de Jaime Roos y Yamandú Roos, obtuvo tres premios: mejor documental uruguayo, revelación masculina (Yamandú) y música (Jaime). Un cuento chino, de Sebastián Borensztein (Argentina), fue distinguida como Mejor Película Latinoamericana; la producción francesa El ilusionista de Sylvain Chomet fue votada como Mejor Animación; el film francés El encanto del erizo de Mona Achache fue elegida como Mejor Ópera Prima, y la película polaca Katyn del maestro Andrzej Wajda fue el Mejor Estreno en DVD.

Se homenajeó al crítico e historiador del cine Álvaro Sanjurjo Toucon, reconocido con el Premio Salón Rouge por su investigación acerca del emplazamiento exacto de la primera sala uruguaya donde se exhibió cine, dentro del predio del actual Museo Romántico. El galardón fue entregado por el presidente de la Asociación de Críticos de Cine, Jaime E. Costa.

Listado de premios

Mejor Ficción Internacional: Medianoche en París de Woody Allen (EEUU)

Mejor Documental Internacional: Pina de Wim Wenders (Alemania)

Mejor Animación: El ilusionista de Sylvain Chomet (Francia)

Mejor Ópera Prima: El encanto del erizo de Mona Achache (Francia)

Mejor Película Latinoamericana: Un cuento chino de Sebastián Borensztein (Argentina)

Mejor Estreno en DVD: Katyn de Andrzej Wajda (Polonia)

Mejor Ficción Uruguaya: compartido entre Artigas, la Redota de César Charlone y La casa muda de Gustavo Hernández

Mejor Documental Uruguayo: 3 millones de Jaime Roos y Yamandú Roos

Mejor Director Uruguayo: César Charlone por Artigas, la Redota

Mejor Actriz de Película Uruguaya: Florencia Colucci por La casa muda

Mejor Actor de Película Uruguaya: Jorge Esmoris por Artigas, la Redota

Revelación Femenina en Película Uruguaya: Florencia Colucci, protagonista de La casa muda

Revelación Masculina en Película Uruguaya: Yamandú Roos, co-realizador y fotógrafo de 3 millones

Mejor Guión de Película Uruguaya: Pablo Vierci y César Charlone por Artigas, la Redota

Mejor Fotografía de Película Uruguaya: Fabio Burtin y César Charlone por Artigas, la Redota

Mejor Dirección Artística de Película Uruguaya: Daniel Fernández y Mariana Pereyra por Artigas, la Redota

Mejor Música de Película Uruguaya: Jaime Roos por 3 millones

Mejor Sonido de Película Uruguaya: Hernán González y Nandy Cabrera por La casa muda

Mejor montaje de Película Uruguaya: Gustavo Hernández por La casa muda

Premio Salón Rouge: Álvaro Sanjurjo Toucon

Premio ICAU a la Mejor Película Uruguaya: compartido entre Artigas, la Redota de César Charlone y La casa muda de Gustavo Hernández

Participaron de la votación los siguientes críticos:

Leonardo Abete (Diamante FM), Agustín Acevedo (La Diaria), Hugo Acevedo (La República), Ernesto Aguirre (Arte7.com.uy), Guilherme de Alencar Pinto (La Diaria), Eduardo Alvariza (Semanario Búsqueda), Enrique Buchichio (Cartelera.com.uy), Andrés Caro Berta (Diario Cambio, Salto), Fernán Cisnero (Televisión Nacional), Jaime Costa (Semanario Búsqueda), Pablo Delucis (Cartelera.com.uy), Diego Faraone (Semanario Brecha), Analía Filosi (El País Sábado Show), Christian Font (Canal 12), Gustavo Iribarne (La República), Jorge Jellinek (Radio Uruguay), Álvaro Loureiro (Semanario Brecha), Yamandú Marichal (Radio Carve), Paula Montes (Propuesta.com.uy), Sergio Moreira (Océano FM), Marita Navarro (AM Libre), Amílcar Nochetti (Semanario Voces), Carlos Oroño (La Onda Digital), Rosalba Oxandabarat (Semanario Brecha), Fernando Palumbo (Radio Centenario), Ana Pañella (Radio Universal), Alberto Postiglioni (Radio Imparcial), Alberto Restuccia (Océano FM), Martín Reyes (Radio El Espectador), Rossana San Martín (Visión Ciudadana, San José), Álvaro Sanjurjo (Radio Universal), Gonzalo Sobral (Radio El Espectador), Wilmar Umpiérrez (Radio Uruguay).

Las 11 mejores de 2011 (II)

2011-12-06T21:25:00.003-03:00

La mejor película exhibida en Uruguay en el año que termina, según Enrique Buchichio (editor y crítico de Cartelera.com.uy), no es una ficción. Tampoco es exactamente un documental; en todo caso, una experiencia audiovisual que trasciende géneros y clasificaciones para recordarnos que lo mejor que nos puede pasar cuando vamos al cine es salir cautivados, sorprendidos, movilizados. Y para este opinante, la película de Wenders en 3D fue la que mejor logró todo eso, aunque no fue la única.

1) Pina (Alemania - Francia - Reino Unido 2011). Dir. Wim Wenders.
No es una película sobre sino para Pina Bausch, una suerte de hermoso tributo o regalo que le hacen (y que nos hacen) sus bailarines de la mano de un director que filma como los dioses. Por una vez, además, el 3D lució plenamente justificado.

2) De dioses y hombres (Francia 2010). Dir. Xavier Beauvois.
Una película dura, hermosa y conmovedora sobre un episodio trágico que fue, ante todo, un acto de sacrificio y resistencia ante la violencia y el miedo.

3) Blue Valentine (Estados Unidos 2010). Dir. Derek Cianfrance.
A pesar de su por momentos dolorosa disección de una pareja, Blue Valentine es una hermosa historia de amor condenada al fracaso (así de paradójico). Y está animada por dos intérpretes excepcionales como Michelle Williams y Ryan Gosling.

4) Un año más (Reino Unido 2010). Dir. Mike Leigh.
La mejor película de Leigh desde Secretos y mentiras (1996) es un cálido y sensible retrato de personajes que exhibe lo más luminoso y lo más miserable del ser humano. Cuenta, como no podía ser de otra manera, con algunas de las actuaciones más notables del año (Lesley Manville, Ruth Sheen, David Bradley, los cinco minutos de Imelda Staunton…).

5) Lazos de sangre (Estados Unidos 2010). Dir. Debra Granik.
Un retrato realista, crudo y duro de ambientes y personajes que viven al margen de la sociedad, de la ley y la moral, y que crece con la intensidad de un thriller de suspenso. Estupendas actuaciones de Jennifer Lawrence y John Hawkes.

6) El encanto del erizo (Francia-Italia 2009). Dir. Mona Achache.
Una agridulce comedia dramática sobre la desesperanza, la soledad, la vida y la muerte, y también sobre el encuentro entre almas gemelas y las nuevas oportunidades. Entre un puñado de estupendos personajes muy bien interpretados sobresale la increíble Renée de Josiane Balasko.

7) Temple de acero (Estados Unidos 2010). Dir. Joel y Ethan Coen.
Más que una remake del film de 1970, se trata de una readaptación de la novela original de Charles Portis, hecha con mayor fidelidad. En sus mejores momentos (y Temple de Acero tiene varios buenos momentos) los hermanos Coen siguen demostrando por qué son dos de los más brillantes cineastas de la actualidad. Los nuevos clásicos.

8) Ajami (Israel-Alemania 2009). Dir. Scandar Copti y Yaron Shani.
Una contundente ópera prima, narrada en forma fragmentaria a la manera de Amores Perros o Crash, que retrata con brutal honestidad la vida en un conflictivo vecindario de Jaffa. Estupendo elenco de actores no profesionales.

9) Aniceto (Argentina 2008). Dir. Leonardo Favio.
Favio vuelve a sus orígenes (los de su obra, su vida, los del cine mismo) con una representación que incluye danza, música, poesía, color, luz y sombra. Aniceto es el reencuentro con un creador mayor del cine argentino.

10) El ilusionista (Reino Unido–Francia 2010). Dir. Sylvain Chomet.
Como en un acto de magia e ilusionismo, el director Sylvain Chomet (Las trillizas de Belleville) revive el espíritu del gran Jacques Tati desempolvando un guión suyo que permanecía inédito. El resultado es una película animada de una belleza infrecuente.

11) Luz silenciosa (México-Francia-Holanda-Alemania 2007). Dir. Carlos Reygadas.
En el seno de una comunidad menonita, en una apartada región rural de México, un hombre adúltero y atormentado entra en conflicto con su fe religiosa. La película reitera el estilo contemplativo y casi antropológico que el director Reygadas ya empleara en su anterior Japón (2002), pero esta vez de manera más contundente y poética.

Por más que no haya sido un año plagado de grandes películas (como viene sucediendo en los últimos años), suele pasar que una lista de diez y hasta 11 títulos no abarca realmente todo lo bueno que se vio. Por eso me gustaría agregar algunas menciones honoríficas, empezando por la sensibilidad y madurez narrativa de El laberinto (John Cameron Mitchell) y En un mundo mejor (Susanne Bier), dos estupendos dramas sobre conflictos familiares de diversa índole; el descubrimiento de nuevos talentos como los de Andrea Arnold (Fish tank), Natalia Smirnoff (Rompecabezas) y Xavier Dolan (Yo maté a mi madre); y algunas excelentes películas que llegaron directamente en DVD: Las flores del cerezo (Doris Dörrie), Reino animal (David Michôd), El mensajero (Oren Moverman), Sangre, simplemente sangre (Zhang Yimou). Y hasta el divertidísimo homenaje al western que hay en Rango, la película animada de Gore Verbinski. Debe haber más para destacar, pero o bien me estoy olvidando o todavía no lo vi.

Enrique Buchichio

Las 11 mejores de 2011 (I)

2011-12-06T19:55:00.002-03:00

Con el último mes del año llega el período de balances. ¿Y qué hay más caprichoso y placentero que repasar aquellas películas que más llamaron nuestra atención, que más nos conmovieron, que más nos gustaron, en definitiva? En Cartelera.com.uy iniciamos el repaso de las mejores películas estrenadas a lo largo de 2011. Según nuestro criterio, claro, con el que siempre es posible debatir. En este caso, las preferidas de nuestro crítico y colaborador Pablo Delucis:

1) Le quattro volte (Italia-Alemania-Suiza 2010). Dir. Michelangelo Frammartino.
El ciclo vital retratado de manera poética y entrañable. Una película tan distinta como hermosa en el sentido más literal de la palabra.

2) Incendies (Canadá-Francia 2010). Dir. Denis Villeneuve.
Un drama duro, basado en un hecho real, que oficia como una clara denuncia en relación a lo que puede llegar el hombre en su fanatismo. Además, está notablemente contado y actuado.

3) El ilusionista (Reino Unido–Francia 2010). Dir. Sylvain Chomet.
Esta animación, homenaje al gran humorista francés Jacques Tati y a su alter ego - el Sr. Hulot - es un canto a la dulzura y al buen gusto.

4) En un mundo mejor (Dinamarca – Suecia 2010). Dir. Susanne Bier.
Otro drama duro y vigente notablemente narrado, aunque en este caso con una visión un poco más optimista en su dilucidación.

5) Medianoche en París (Estados Unidos - España - Francia 2011). Dir. Woody Allen.
En el París de los años 20, nos encontramos con personajes como Cole Porter, Pablo Picasso, Salvador Dalí, entre otros; si a eso le sumamos que el genial Woody está detrás de toda la historia, ¿qué más se puede pedir?

6) De dioses y hombres (Francia 2010). Dir. Xavier Beauvois.
Una historia real sobre el sacrificio de un grupo de monjes católicos en Argelia, tocante, intensa y emotiva.

7) La piel que habito (España 2011). Dir. Pedro Almodóvar.
Entretenimiento, ingenio, originalidad y un poco de reflexiva locura. Almodóvar puro y del bueno.

8) Rompecabezas (Argentina-Francia 2009). Dir. Natalia Smirnoff.
La ópera prima de quien ha sido la principal colaboradora de Lucrecia Martel en varias de sus valiosas películas, es una inteligente y entretenida mirada a la vida de una ama de casa (notable labor de María Onetto) que encuentra su vía de escape en los rompecabezas.

9) Temple de acero (Estados Unidos 2010). Dir. Joel y Ethan Coen.
En esta remake del famoso western, los hermanitos Coen dan una verdadera lección de cómo entretener y emocionar.

10) La mentira (Francia 2009). Dir. Xavier Giannoli / Un año más (Reino Unido 2010). Dir. Mike Leigh.
Hice la trampita de marcar un empate en este último puesto, ya que más allá del mérito de películas de por sí valiosas, quiero destacar las dos actuaciones del año. Por un lado el cinismo y la desesperación que trasunta François Cluzet en la película de Giannoli, como el estafador al que redime su obra. Y en el film de Leigh, la composición de Lesley Manville como la desconsolada Mary fue conmovedora y majestuosa.

Por Pablo Delucis para Cartelera.com.uy

5 preguntas a: Nicolás Arnicho

2011-10-19T08:20:00.004-03:00

Desde la segunda mitad del año pasado, el percusionista y multi instrumentista Nicolás Arnicho (Montevideo, 1968) se ha instalado prácticamente en la Sala de Conferencias y Eventos del Teatro Solís, donde todos los sábados hasta el 17 de diciembre – y en tres funciones cada vez - ofrece su espectáculo Súper Plugged.

La propuesta consiste en recorrer el camino opuesto al “unplugged” (desenchufado o acústico), es decir, enchufar todos sus instrumentos y aparatos sonoros (algunos de los cuales son elementos naturalmente acústicos, como el agua) y acercarle al espectador todas esas sonoridades a través de un par de auriculares que se proporciona en la misma sala. La sensación es placentera e inusual: escuchamos en directo, como salido de un equipo electrónico, un relato sonoro que se está produciendo en vivo ahí mismo, delante de nuestros ojos. Cada función es para 30 espectadores ubicados en forma semicircular a menos de cuatro metros de distancia del artista, convirtiéndola en una experiencia casi íntima.

Nicolás Arnicho se formó en la Escuela Universitaria de Música, donde actualmente es docente grado tres de la cátedra de percusión. Ha estudiado y vivido en países como Cuba, Brasil, Senegal, Perú, Portugal, Francia y España. En todos estos años de búsqueda y creación ha tenido la posibilidad de tocar y grabar con artistas como Rubén Rada, Diego Torres, Luis Salinas, Alejandro Lerner, Hugo y Osvaldo Fattoruso, Jorge Drexler, Luciano Supervielle, Juan Campodónico, Andrés Arnicho y Pájaro Canzani, entre otros.

A propósito de Súper Plugged, le hicimos a Nico Arnicho las siguientes 5 preguntas:

1) ¿Cuál fue la idea que motivó un espectáculo como “Súper plugged”?

La idea es fruto de la microfonía en la percusión menor. A partir de los brasileños Naná Vasconcelos y Marcos Suzano, que son pioneros en esto, hace ya diez años que vengo pensando en armar un show todo súper enchufado, o sea mucho micro, efectos y pedales para solamente utilizarlos con instrumentos de percusión menor.

2) ¿Ha cambiado en algo el espectáculo desde que se presentó por primera vez el año pasado hasta ahora?

Sí cambió. En marzo me operaron de la muñeca izquierda, dos meses de yeso y clavos; ahí aproveché para meterme un poquito en el mundo de los cuencos de cuarzo metal. Fruto de eso sumé un tema, y otro se modificó, el primero con un poco más de letra. Y también quité y pasé letras al español porque había mucha letra en portugués...

3) ¿Respetás el repertorio y su orden, o es algo que puede ir variando de función en función?

El repertorio es siempre igual, eso es lo difícil: que salga el show igual siempre, ya que se va montando en el momento y es el desafío, que salga siempre igual.

4) ¿Qué tal las reacciones del público? Al ser un show tan íntimo, pareciera que algunas personas sienten la necesidad de acercarse a comentarte sus impresiones. ¿Qué tipo de cosas te han comentado?

El público de verdad, o sea la gente, es lo mejor que le pasa al espectáculo. Es para ellos y de ellos, la gente.

5) De todas tus experiencias y viajes por el mundo, ¿cuál crees que más ha influido en tu maduración como músico hasta ahora?

Todos los viajes te dejan algo, y el vivir en Uruguay también te deja muchas cosas. Depende de uno el estar permeable a que cada lugar te conmueva desde lo que tiene...

5 preguntas a: Gonzalo Deniz (Franny Glass)

2011-09-26T23:08:00.004-03:00

“Ahora tengo en mis hombros este peso que cargar, ahora tengo estos modales y esta forma de cantar. Podría haber sigo alguien totalmente distinto a lo que hoy en día soy…” *

A mediados de setiembre estaba tocando en París junto a Luciano Supervielle, cosa que volverá a hacer en noviembre en el Teatro Solís. Este martes 27 de setiembre se presenta en el Centro Cultural España de Buenos Aires, junto a la escritora uruguaya Inés Bortagaray, y el viernes 30 vuelve a tocar en vivo con Mersey, en Living, adelantando temas del segundo disco de la banda de próxima edición. Todo este movimiento – que ha sido casi una constante desde la afirmación de su proyecto solista, Franny Glass – lo encuentra en pleno lanzamiento de su tercer disco, El podador primaveral, cuya presentación oficial será hacia fin de año.

Gonzalo Deniz (1986) inició su carrera solista en 2007, con la edición (casera pero muy bien recibida, nominaciones a los Premios Graffiti incluidas) de Con la mente perdida en intereses secretos. Le siguió, en un formato más cuidado y aún mejor recibido, Hay un cuerpo tirado en la calle (2009), en el que profundizaba en su estilo intimista, melancólico y agridulce, a veces desgarradoramente emotivo. Y si bien El podador... es innegablemente un disco de Franny Glass, en el que se repiten la primera persona y la rima en las letras, al mismo tiempo exhibe una lógica maduración sonora en la que probablemente tenga mucho que ver la producción artística del español Xoel López, con quien Gonzalo ha compartido escenarios acá y en varios países, junto al argentino Pablo Dacal.

Gabriel Peveroni ha escrito que El podador primaveral es “un disco casi perfecto, luminoso, que funciona como vaso comunicante entre varias generaciones”, y que “permite recomponer una línea clave de la canción urbana montevideana”, citando a Eduardo Mateo y Fernando Cabrera como referentes más directos. Más allá de la relación que pueda tener la música de Franny Glass con esos valiosos predecesores, esta docena de canciones parece sintetizar un inevitable momento de maduración, casi una transición, a medio camino entre las despedidas nostálgicas de aquel niño y aquel adolescente forjado de recuerdos, anhelos y sensaciones vividas, y la plena asunción de un camino propio, decidido a ser recorrido con expectativa, con todo lo impredecible que eso resulta. Y a dejar huellas.

El podador primaveral puede conseguirse en La Lupa Libros, Living, Pocitos Libros y en disquerías. ¿Dijimos ya que es uno de los mejores discos del año?

E.B.

1) ¿Cómo sentís que ha evolucionado Franny Glass (y por lo tanto Gonzalo Deniz) desde que grabó su primer disco de manera artesanal, distribuyéndolo personalmente y a pedido, hasta este 2011 en que acaba de editar su tercer disco a través del sello Contrapedal?

Desde mi primer disco solista hasta ahora, aunque no ha sido mucho tiempo, he tenido muy buenas experiencias. Conociendo gente, viajando, e intercambiando ideas musicales con personas que admiro. Entonces, creo que esa es una de las cosas que quizá me tenga mejor parado a la hora de componer/grabar/interpretar: el hecho de haber acumulado algo de experiencia. Además, ahora y desde hace un tiempo ya, me encuentro buscando nuevas maneras de tocar la guitarra, de cantar. Investigando músicas que antes no escuchaba tanto, adentrándome también en la historia de la música uruguaya. En fin, satisfaciendo la necesidad de no quedarme quieto y estar en cambio constante.

2) A pesar de tener un sonido más elaborado que el de tus dos discos anteriores, El podador primaveral sigue siendo un trabajo muy intimista grabado básicamente por dos personas. ¿De qué manera influyó Xoel López como productor del disco?

De una manera muy importante. En muchos aspectos, trabajamos el disco como si fuéramos un dúo. Él aportó muy buenas ideas que le dan personalidad al disco, y supo plasmar en la grabación ideas que yo no tenía muy claras, o no podía explicar del todo.

3) En los últimos tiempos has tenido una expansión y exposición interesantes, desde tus apariciones como invitado en recitales de Jorge Drexler, Fernando Cabrera o Supervielle, hasta tus viajes a Argentina, Brasil, Europa. ¿Cómo se ha dado todo esto y cómo crees que pueda incidir en el futuro de Franny Glass?

Se ha dado por suerte de una manera muy natural y poco forzada. El hecho de que personas tan talentosas e importantes para la música me hayan invitado a participar en sus conciertos o discos me ha dado visibilidad a un público al que de otra manera no llegaría, o sí lo haría pero no tan inmediatamente. Tanto eso, como los viajes para tocar, o la difusión por las redes sociales, inciden mucho. Y no sólo en el posible futuro, sino en el presente del proyecto. Las canciones se escuchan (en un pequeño grado) en varios países. Y tengo mucho que agradecer a un montón de personas que han difundido y apoyado, y hecho posible esa realidad.

4) Mersey volvió a reunirse para grabar un nuevo disco, de próxima aparición. ¿Cómo conviven ambos proyectos en Gonzalo Deniz?

Más allá de alguna duda cuando empiezo con la idea de una canción (si puede ser para un proyecto, o para otro), son dos cosas bien diferentes y que conviven en armonía. Franny Glass en mi espacio en solitario, donde puedo hacer lo que quiera y experimentar para el lado que se me antoje. En Mersey, eso es solamente una parte del todo. Porque se tiene que mezclar con otras cuatro voluntades para lograr lo que es una creación colectiva.

5) ¿Quién es el “podador primaveral” que está a punto de tijeretearte el jopo en la portada del disco?

Es Santiago Guidotti. El diseñador del disco.

* La cita es un fragmento de la canción “Si siguiera mi instinto”, de Franny Glass, incluida en El podador primaveral.

Não moro mais em mim: 5 preguntas a Rodrigo Maceira

2011-09-18T18:05:00.004-03:00

“Hi Chris, hi Nina. This is Adriana… I’m in London, completely frozen but safe…” Con estas palabras de la propia Adriana Calcanhotto comienza Não moro mais em mim, un disco-homenaje de canciones de la artista brasileña versionadas por músicos latinoamericanos jóvenes de corte indie-pop-electrónico. Entre ellos están, por ejemplo, el uruguayo Franny Glass (Gonzalo Deniz), los venezolanos Jóvenes y Sexys, el dúo Zeep (compuesto por la brasileña Nina Miranda y el inglés Chris Franck), la portorriqueña Mima, los argentinos Coiffeur y Entre Ríos y Los Mil Jinetes, de Chile.

El disco es una iniciativa del paulista Rodrigo Maceira, y se enmarca en el proyecto “Si no puedo bailar, no es mi revolución”, un colectivo con base en San Pablo que busca difundir la cultura latinoamericana contemporánea a través de la música, la literatura y las artes visuales. El disco - que se descarga gratuitamente pero a la vez tiene una edición limitada en vinilo - fue enteramente masterizado por el productor uruguayo Guillermo Berta (Sinatras).

A diferencia de la mayoría de los álbumes recopilatorios que andan por la vuelta, Não moro mais em mim tiene una inusual unidad sonora, seguramente alimentada por el espíritu artístico de Adriana, que lo inspira. Pero además funciona como interesantísima relectura de parte del repertorio de una artista querida y respetada. Una buena oportunidad para descubrirla – o redescubrirla – a ella, a través de la mirada de colegas algo más jóvenes, y también a un conjunto de artistas latinoamericanos que vale la pena seguir conociendo.

A propósito del disco, que se puede escuchar y/o descargar desde la página www.naomoromais.com, le hicimos a Rodrigo las siguientes 5 preguntas:

1) En primer lugar, ¿cómo nace el colectivo “Si no puedo bailar, no es mi revolución” y qué tipo de proyectos lleva adelante?

No lo teníamos claro cuando empezamos, pero SNPB nace, en el 2007, de la necesidad de probar nuevos modelos de amistades. Había estado viajando más de año, conociendo gente impresionante. De vuelta en São Paulo, la idea era seguir, de alguna manera, con estas conexiones. Y todos los encuentros que tuvimos en SNPB nos han puesto en contacto con amigos e ideas encantadoras. Respecto a los proyectos, casi imposible resistirme a contestar "amigos y gente que viene a mi casa", verso de una canción de Los Animales Superforros que robamos para el nombre del blog que mantenemos. Técnicamente, nuestros proyectos quieren acercar ideas y opiniones contemporáneas en América Latina. Les dedicamos atención especial a la música y a la ilustración, siempre con un ojo en la literatura.

2) ¿Cómo surge la idea de realizar un disco con versiones de Adriana Calcanhotto?

Surge en un concierto de Adriana, con Arnaldo Antunes y Moreno Veloso, en 2009. Siempre la escuché, siempre me gustaron sus discos, y el proyecto significaba la posibilidad de un encuentro efectivo entre Brasil y otros países de América Latina. Estamos casi en los 60 mil downloads, felices por todo lo que el disco nos trajo.

3) ¿Cómo fue el proceso de selección de los artistas y de las versiones a cargo de cada uno? ¿Quién decidió quién hacía qué canción y por qué?

Teníamos ya una lista inicial de artistas que queríamos incluir en el proyecto. De esta lista para el tracklist final, sólo cambiamos dos nombres. Ya en el primer contacto, le sugeríamos una o dos canciones al artista invitado. Conocíamos bastante bien el trabajo de los artistas colaboradores, y también el de Adriana; los cruzamos a partir del concepto musical que identificamos en cada uno.

4) Muchos de los artistas que participan del disco son latinoamericanos pero residen en el mundo “desarrollado” (Estados Unidos, Europa). ¿Esto es casualidad o de alguna manera crees que le aporta a las versiones cierta mirada extra regional, digamos no enteramente latinoamericanista?

Lo que nos gustaba en el hecho de que no vivieran en sus países de nacimiento era su relación con el título del disco, algo como "ya no vivo en mí". No vemos otra alternativa para quienes producen o quieren producir arte: dejarse llevar por cosas sobre las cuales uno no tiene control, ser continuamente extranjero en tu país, inquilino en tu propia casa, asimilar lo que te es ajeno. En general, las versiones están muy en línea con lo que los artistas hacían antes y fuera del proyecto. El elemento geográfico es bastante importante, pero divide espacio con otras experiencias que también estimulan el proceso creativo.

5) Es de suponer que Adriana escuchó el disco. ¿Cuál fue su reacción?

Palabras afectuosas y de agradecimiento. Una ídola nuestra :)

La chica de la capa roja: el guión alternativo

2011-05-07T16:36:00.007-03:00

FADE IN:

EXT. PUEBLO MEDIEVAL

AMANDA SEYFRIED y SHILOH FERNANDEZ están en los bosques, pero no están teniendo sexo todavía.

AMANDA SEYFRIED
¿Qué voy a hacer, Shiloh? Estoy enamorada de ti, pero mis padres quieren casarme con Max Irons! Dios, es tan difícil ser hermosa y amada por todos! Ojalá fuera tan común y corriente como todas las demás chicas de mi edad que fueron puestas en la película para que yo parezca aún más hermosa en comparación!

SHILOH FERNANDEZ
¿Y vos te quejás? Yo aparentemente soy el maldito inventor del gel para el pelo y sin embargo me tengo que ganar la vida cortando leña.

De repente, suena la ALARMA DE LOBOS del pueblo. AMANDA y SHILOH se dirigen hacia la PLAZA DEL PUEBLO.

AMANDA SEYFRIED
Maldición, ¿de verdad este es el decorado que vamos a usar? Si la cámara panea demasiado lejos podría verse la puerta del estudio.

VIRGINIA MADSEN
¡Amanda! Tu hermana ha sido asesinada por el lobo, violando nuestro acuerdo de palabra de que sólo se alimentaría de ganado! Fue muy difícil conseguir un animal generado por computadora que pudiera firmar con sus garras un documento legal, así que esto es especialmente devastador!

BILLY BURKE
Lo siento tanto, cariño, pero si te hace sentir mejor, tú siempre fuiste la más linda. Con eso quiero decir, la que tiene la cabeza más perfectamente esférica.

AMANDA SEYFRIED
Gracias, papá. Un momento, ¿vos sos Billy Burke? Mierda, ¿acaso tu representante te odia o algo así?

BILLY BURKE
Catherine Hardwicke me dijo que estaba haciendo otra película de Crepúsculo. Para cuando me di cuenta que Kristin Stewart no estaba en el set, yo ya había firmado el contrato, así que aquí estoy.

Llega GARY OLDMAN con unos SOLDADOS y un ELEFANTE GIGANTE DE METAL.

LUKAS HAAS
¡El famoso cazador de hombres lobos y casi-siempre-villano Gary Oldman!

GARY OLDMAN
¡Así es! Déjenme que les cuente un cuento. Había una vez… ¡un hombre lobo! ¡Entonces lo maté! Fin. Voy a estar en mi camarín.

AMANDA es confrontada por MAX IRONS.

MAX IRONS
Amanda, ¿vamos a casarnos o no? Parece el momento ideal para discutirlo, ¡ahora que tu hermana acaba de ser asesinada!

AMANDA SEYFRIED
Pobre de mí, disputada por los dos únicos muchachos del pueblo que no están haciendo una imitación de “Simple Jack”. ¿Cómo decidir?

SHILOH FERNANDEZ
¡Yo me visto de negro!

MAX IRONS
¡Yo me visto de marrón!

SHILOH FERNANDEZ
¡Mi pelo está más parado!

MAX IRONS
¡Si, pero el mío está más despeinado!

SHILOH FERNANDEZ
¡Hasta ahí llegan nuestras características!

MAX IRONS
¡Asi es! ¡Ahora elige, Amanda!

AMANDA SEYFRIED
Ustedes dos hacen parecer a Robert Pattinson y Taylor Lautner como dos actores dignos de un Oscar.

GARY OLDMAN llama a una reunión del pueblo.

GARY OLDMAN
Su hombre lobo vive en el pueblo, y todos son sospechosos. Esto va a ser como ese juego que hay que jugar en reuniones cuyos anfitriones no llenaron sus heladeras con suficiente cerveza. Como sea, nuestra primera pista es que el hombre lobo tiene ojos marrones!

AMANDA SEYFRIED
Prácticamente cada persona en esta película tiene ojos marrones, excepto yo. Incluyendo a mi abuela Julie Christie, famosa por sus ojos azules. Hablando de ella, debería ir a visitarla así mantenemos la ilusión de que esta película tiene algo que ver con el cuento de Caperucita Roja.

VIRGINIA MADSEN
Mientras tanto, yo creo que el pueblo debería tener una sexy escena rave! ¡Funcionó tan bien en Matrix Recargado!

El PUEBLO baila al son de la música más natural con la que se puede ambientar una escena en un pueblo del siglo XVIII: TECHNO.

INT. CABAÑA DE JULIE CHRISTIE

AMANDA visita a su ABUELA, JULIE CHRISTIE.

AMANDA SEYFRIED
¡Abuela, qué ojos tan grandes tienes!

JULIE CHRISTIE
Y lo dice Amanda Seyfried... Quiero decir, ¡son para leer mejor los diálogos de esta película, querida mía!

AMANDA SEYFRIED
¡Abuela, qué orejas tan grandes tienes!

JULIE CHRISTIE
Son para escuchar mejor lo que sea que estén dando en el cine de al lado, querida.

AMANDA SEYFRIED
¡Abuela, qué dientes tan grandes tienes!

JULIE CHRISTIE
¡Son para poder cortarme mejor las venas en caso de que esta película dure más de 90 minutos, querida mía! A propósito, te hice una capa roja. Mide como 20 metros así que en realidad no es muy práctica que digamos, pero tenés que usarla todo el tiempo.

AMANDA toma la CAPA y vuelve al PUEBLO, posando en el camino con la NIEVE de fondo hasta que el TRAILER DE LA PELÍCULA está completo.

EXT. PUEBLO MEDIEVAL

De repente, hay un ATAQUE al pueblo por parte de un HOMBRE LOBO generado por computadora!

AMANDA SEYFRIED
¡Oh no, un hombre lobo! Poner expresión facial de perplejidad y ojos abiertos al máximo ya mismo!

HOMBRE LOBO
Amanda, huye conmigo. Así me ayudás a encontrar y matar a los tipos de efectos especiales que me hicieron de esta manera.

AMANDA SEYFRIED
Maldita sea, ¿hay alguien en este pueblo que NO quiera huir conmigo?

GARY OLDMAN le dispara flechas al HOMBRE LOBO y éste huye.

GARY OLDMAN
¡Esta ramera estaba hablando con el lobo! ¡Debemos sacrificar a la bruja!

AMANDA SEYFRIED
Por Dios, Gary, ¿acaso podés hacer algo más predecible? ¿Al fin y al cabo qué mierda estás haciendo en esta porquería?

GARY OLDMAN
Oh, ¿no te gusta mi forma de actuar? Tal vez deba tomar algunas lecciones en la Escuela de Actuación Seyfried, donde las emociones se transmiten exclusivamente por qué tan grande abre uno la boca.

GARY hace que AMANDA deba usar una MÁSCARA DE OSO HORMIGUERO y la ata como CARNADA. AMANDA escapa y, cruzando ríos a través del bosque, va hacia la CASA de su ABUELA.

INT. CABAÑA DE JULIE CHRISTIE

AMANDA descubre que JULIE ha sido asesinada y convertida en ESTOFADO así los ADOLESCENTES EN LA PLATEA postean “que ascoooooooo” en FACEBOOK desde sus celulares.

BILLY BURKE
Hola Amanda. Por si no te diste cuenta todavía, soy la única persona en la película que no ha sido acusada de ser el lobo, así que soy el lobo.

AMANDA SEYFRIED
¡Tú mataste a mi hermana! Ehh, y después a tu propia madre. Esto es ridículo. Un segundo, cuando el lobo me habló en el pueblo, se supone que quería que me fuera con él para que podamos copular.

BILLY BURKE
Si, bueno, eso fue cuando todos creían que el lobo era uno de los muchachos.

AMANDA SEYFRIED
Pero no es uno de los muchachos. Es mi padre.

BILLY BURKE
Exacto.

AMANDA SEYFRIED
Y la implicancia de querer tener sexo conmigo se mantiene…

BILLY BURKE
Ehhhhhh…

DE REPENTE, SHILOH tira la puerta abajo y lucha con BILLY, matándolo.

SHILOH FERNANDEZ
¡Oh no, me mordió! ¡Eso significa que ahora soy un hombre lobo! Espero que tus asuntos con tu papá sean lo suficientemente profundos como para que te enamores más de mí.

AMANDA SEYFRIED
Lo son. Che, ¿querés ir al cine a ver Beasty? Es como esta película pero para La Bella y la Bestia.

DIRECTORA CATHERINE HARDWICKE
¡Listo, eso es todo! Ahora, ¿a alguien se le ocurre una manera de convertir a Hansel y Gretel en una película sobre adolescentes desesperados por tener sexo, pero sin que lo tengan?

FIN

Versión original en inglés: The Editing Room

Traducción: Enrique Buchichio

Sebastián Osinaga: el brazo uruguayo de Torrente

2011-04-25T00:09:00.005-03:00

Esta semana se estrena en Uruguay Torrente 4: Lethal Crisis, la primera entrega de la saga filmada en 3D. Su director y protagonista, Santiago Segura, estuvo en Montevideo promocionando la película, que rompió todos los récords de taquilla en España. Y, la verdad, no conseguimos una entrevista con Segura (en realidad, ni siquiera la gestionamos) porque nos pareció más original ir por otro camino. Porque, al fin de cuentas, ¿qué sería de un director de cine sin un eléctrico? Santiago Segura no se habría forrado en euros (por cuarta vez) si no tuviera un equipo calificado de técnicos que le colocaran las luces y le ubicaran la cámara.

Y entre ellos hay un uruguayo, sí señores. Sebastián Osinaga (Montevideo, 1980) cursaba la Escuela de Cine del Uruguay cuando una noche, allá por el año 2001, estando en el video de Cinemateca Pocitos un compañero se le acercó con una caja de VHS en la mano: “Seba, tenés que ver esto”. Era la caja de Torrente, el brazo tonto de la ley (1998), por la que Segura obtuvo un Goya como Mejor Director Novel. “En ese momento nunca imaginé que estaría en una entrega de la saga”, reflexiona Sebastián diez años más tarde, desde Madrid.

Tras cursar la Escuela de Cine, trabajó como eléctrico en un par de películas uruguayas (El viaje hacia el mar, Ruido), además de en Canal 5 y en varias publicidades para las principales productoras del medio, antes de radicarse en España en 2006. Allí estuvo unos 10 meses grabando “Escenas de matrimonio” (la teleserie que exhibió Canal 10) además de varias series del productor José Luis Moreno (aquel que era ventrílocuo, el de Monchito y Macario, el de “Entre amigos”). Hasta que finalmente llegó la oportunidad de integrar el equipo de Torrente 4, una gran producción filmada en 3D (con participación de técnicos especializados que también estuvieron en Avatar, de James Cameron). Sobre esa experiencia interrogamos a Sebastián Osinaga vía email.

1) Primero que nada, y para que la gente que nunca estuvo en un rodaje lo entienda, ¿qué hace exactamente un eléctrico?

Pues un eléctrico trabaja junto al director de fotografía y el jefe de eléctricos o gaffer. El dire de foto diseña la luz, se lo transmite al jefe de eléctricos y éste es quien distribuye las tareas a los eléctricos, quienes se encargan de distribuir la electricidad y colocar las luces. Hay más cosas, pero básicamente es eso.

2) ¿Por qué decidiste radicarte en España y qué tan difícil fue insertarte en el mercado laboral de allá?

Decidí venirme en el 2006 cuando ya había terminado la ECU (Escuela de Cine del Uruguay) y tenía ganas de hacer experiencia afuera. En Uruguay estaba trabajando en publicidad y cortos, pero no con la frecuencia que quería. Además me vine con papeles europeos lo que hizo más fácil empezar a trabajar. Bueno, legalmente podía trabajar pero conseguir oportunidades en empresas de iluminación es igual que ahí, insistir y tener la suerte de llegar en el momento en que necesitan a alguien. La diferencia es que aquí hay más opciones y tarde o temprano se dan las oportunidades. Tenía algunos teléfonos de uruguayos acá y me ayudaron por dónde empezar. A los cinco meses de estar en Madrid estaba trabajando de manera estable en una productora haciendo series, entre ellas “Escenas de matrimonios”. Luego que se terminaron estas series vinieron los tiempos complicados, el audiovisual no es ajeno a la crisis. Hoy por hoy tengo la suerte de que la empresa de luces Cherokee Luz, con quienes hice Torrente, me tiene en cuenta en sus proyectos.

3) ¿En qué aspectos notás las mayores diferencias entre la actividad audiovisual en Uruguay y en España?

A nivel de técnicos y técnica no encontré grandes diferencias, creo que alguien que viene de Uruguay, esté en el área que esté, se puede adaptar sin problemas. Digamos que es más bien un tema de mercado. En España hay más de 48 millones de habitantes, los cuales no solo van al cine y ven la tele. Hay series españolas que solo se emiten por internet. Aquí hay mucha producción nacional, ya sea en series, cine, “TV movies” (películas que no se estrenan en sala y van directo a la tele). Cada tanto oigo algunos colegas decir que en España no hay industria. No lo veo tan así. Infraestructura hay, lo que pasa es que la situación que estamos viviendo ahora podría ser muy diferente.

4) ¿Cómo estuvo el rodaje de Torrente 4? ¿Fue tan divertido como uno supone o, como casi cualquier rodaje, tuvo sus momentos de estrés?

Del rodaje me quedan buenos recuerdos y muchas vivencias. La mayoría de los días, para los eléctricos, sí fueron como cualquier rodaje. Hay que poner una luz ahí, e íbamos y la poníamos. Los faroles eran los mismos. Lo diferente fue la experiencia del 3D. La película entera se rodó en 3D, y esto trajo situaciones a las que la mayoría no estábamos acostumbrados. La convergencia (ajustar y calibrar la cámara 3D) era un proceso muy lento. Cambiar los lentes de la cámara eran 30 minutos, debido a que tenían que volver a calibrar todo otra vez, por lo que tenían que planificar en qué momentos lo hacían. Los primeros días eran 14 en el equipo de cámara. Había americanos e italianos y el que hizo la convergencia fue el mismo que la hizo en Avatar.

5) ¿Qué imagen te queda después del rodaje de Santiago Segura en el set, en lo que respecta a su trato hacia el equipo y en su doble faceta de estrella y director?

Como director tenía muy claro lo que quería, tanto de su personaje como de todo lo demás. Tenía el control de todo. Por momentos decidía hasta los extras. Lo único que compartió fueron las escenas de acción, explosiones y caídas; las que codirigió con un argentino, Federico Cuevas. Fuera del set se mezclaba con los técnicos en algún descanso, y se podía conversar con él. No hay que olvidar que estábamos con el director y como tal tenía sus temas en la cabeza.

Reyes, redes y ganadores: así fue el Oscar 83

2011-03-02T13:11:00.016-03:00

¿Me parece solo a mí o la 83ª entrega de los premios Oscar fue la más aburrida, intrascendente y carente de sorpresas que se recuerde? Se sabe que la ceremonia del Oscar siempre tiene sus detractores, pero para quienes la seguimos año a año (ya sea por curiosidad, fascinación, o mera cholulez) siempre - ¡siempre! – hay algo que rescatar. Un momento, un chiste, un discurso, algún homenaje, un premio largamente merecido o alguno no esperado. Pero prácticamente nada de eso sucedió este año.

No debe sorprender en absoluto que la televisación en Estados Unidos haya caído un 10% respecto al año anterior. La entrega del Oscar es ante todo un show, y como tal fue largo (como siempre) pero sobre todo (y he aquí el pecado) aburrido. Y para colmo careció por completo de animadores a la altura de las circunstancias. Ni los permanentes cambios de vestuario de Anne Hathaway ni las caritas de galán adormecido de James Franco fueron suficientes para cubrir su casi total falta de química y gracia. Dos momentos dan prueba de ello: las apariciones de Kirk Douglas y de Billy Crystal.

El hecho de que un anciano de 94 años, semiapopléjico y de habla casi ininteligible, haya sido en cinco minutos más divertido que los dos conductores juntos en toda la noche, debería haberle enviado algún tipo de señal a los productores del espectáculo. Si no fue así, creo que la ovación de pie que recibió Billy Crystal (una de las únicas dos en toda la noche) fue un contundente recordatorio de hasta qué punto las ceremonias del Oscar ya no son lo que eran antes. Y estamos hablando de los años ’90, acá nomás, no de la época de oro en que conducía Bob Hope, otro maestro (de ceremonias) que también se hizo presente gracias a la tecnología.

¿Los ganadores? Bien gracias. Fueron todos y cada uno los que todo el mundo esperaba (salvo alguna excepción, pero en rubros técnicos en los que a casi nadie le importa quién gana). Entre el drama de época sobre el rey tartamudo y la historia detrás del fenómeno Facebook (historia contemporánea si las hay), ganó lo tradicional, lo que la Academia de Hollywood históricamente más ha premiado: historias reales sobre personajes reales con algún tipo de handicap. Y este año, más real que nunca.

Y así, entre chiches tecnológicos, recuerdos fugaces y premios cantados, transcurrió la ceremonia más olvidable que se recuerde. ¿Tendrá algo que ver en esto el hecho de que no había ninguna gran película entre las diez nominadas? Es una posibilidad. La otra es que tal vez la ceremonia del Oscar es fiel reflejo de la creciente falta de creatividad en Hollywood, y que lo que se necesita de manera urgente no es solo un cambio de cabeza o nuevos productores detrás del show, sino directamente en toda la industria. Y eso es casi tan imposible como pedirle a la Academia que sea realmente justa…

A continuación, una crónica de lo que sucedió la noche del 27 de febrero en el Teatro Kodak de Los Ángeles. Minuto a minuto, premio a premio, desazón tras desazón.

23:00

Con la amiga con la que nos disponemos a ver la transmisión (de aquí en adelante, D.) tenemos una pequeña discusión sobre si dejar TNT o poner el 12. Yo insisto con TNT, ella con el 12. Hace años que no miro la transmisión a través de un canal uruguayo (harto de los comentarios y la mala traducción locales) y no pienso cambiar ahora. Nos quedamos en TNT.

23:32

El show abre con un montaje en el que los nuevos presentadores (James Franco y Anne Hathaway) interactúan con los protagonistas de algunas de las películas nominadas, haciendo bromas sobre su participación como conductores de la ceremonia. La idea no es original (ya lo hacía en sus tiempos Billy Crystal) pero sigue siendo graciosa y efectiva, sobre todo cuando participan como invitados especiales nada menos que Alec Baldwin (co-conductor el año pasado junto a Steve Martin) y Morgan Freeman. Le abrimos una carta de crédito a estos jovenzuelos, sobre todo cuando cierran el clip con un homenaje a Volver al futuro (1985).

23:38

Salen al escenario del Kodak Theatre. Franco lleva el celular (o iPod) en la mano. El speech de apertura incluye saludos a la madre de Anne Hathaway y a la abuela de Franco, que están en la platea. Especialmente a esta última la aplauden bastante por ser… la abuela de James Franco.

23:42

Se recuerda a un clásico de clásicos: Lo que el viento se llevó (1939), ganadora de 8 Oscar. La mano viene de toques nostálgicos pero combinados con despliegues tecnológicos.

Tom Hanks une al diseño de producción y a la fotografía como piezas intrínsecas y fundamentales en el concepto visual de una película. Pone como ejemplo a Titanic (1997), mencionando que fue la última película en ganar el Oscar en esos dos rubros que, siempre según Hanks, son algo así como la materia de la que están hechos los clásicos.

23:44

Alicia en el País de las Maravillas, de Tim Burton, gana el primer premio de la noche: mejor dirección artística (o diseño de producción). Y el premio a la mejor fotografía es, obviamente, para…

23:47

… Inception (El origen), a cargo de Wally Pfister. Siguiendo la lógica de Hanks, ¿ninguna de estas dos películas se convertirá en un clásico? El gran fotógrafo que es Roger Deakins (Temple de acero), nominado en nueve ocasiones, sigue sin tener su Oscar.

23:49

Se produce el primer corte publicitario. Como el comentarista mexicano de TNT nos tiene bastante cansaditos con su marcado acento (y eso que van apenas 19 minutos), cambiamos para probar nomás a Canal 12.

23:51

Kirk Douglas, de 94 años y aún con secuelas (sobre todo en el habla) del derrame cerebral sufrido en 1995, se mete a la audiencia en el bolsillo en base a su sentido del humor. Bromea con James Franco, piropea a Anne Hathaway, le toma el pelo a Hugh Jackman y a Colin Firth (por australiano y por británico, respectivamente), juega con su bastón y genera suspenso demorando en revelar el nombre de la mejor actriz de reparto. “Nunca olvidaré este momento”, dice el viejo Kirk; el público tampoco.

23:57

Y la ganadora es… Melissa Leo. La actriz de El ganador demora en reaccionar, no sabemos si porque está en estado de shock (algo poco probable ya que su nombre sonaba como clara favorita) o si porque está tratando de descifrar a quién acaba de nombrar Kirk Douglas.

23:59

Melissa Leo acaba de lanzar lo que en los medios de comunicación estadounidenses se conoce como “F-bomb”, y que según los más conservadores posee el mismo efecto nocivo que el ataque a las Torres Gemelas. Sí señores: esta magnífica actriz venida del cine independiente, de comportamiento espontáneo indigno de una estrella, acaba de decir “fucking” en vivo en televisión, frente a mil millones de telespectadores. En Estados Unidos no lo escucharán porque, como la transmisión se retrasa unos segundos, los censores habrán tenido tiempo de meter un pitido para tapar el improperio. En América Latina, ya sea a través de TNT o de Canal 12, lo escuchamos todos. No sabremos hasta dos horas y media después que habrá sido uno de los momentos más disfrutables de toda la ceremonia.

00:01

Justin Timberlake (Red social) y Mila Kunis (El cisne negro) salen al escenario. Timberlake quiere hacerse el gracioso y anuncia que él es Banksy (el artista callejero cuya verdadera identidad permanece anónima, y que tiene un documental nominado esta noche: Exit Through the Gift Shop). Nadie parece reírse. Ni siquiera Mila Kunis.

00:06

Toy Story 3 gana como mejor largometraje animado. Su director, Lee Unkrich, agradece y afirma que Pixar es el lugar más increíble del mundo donde hacer películas. Los ejecutivos de los demás estudios, desperdigados por la platea, se miran unos a otros.

00:08

Segundo corte publicitario. Le tengo que dar la razón a D.: es mejor la transmisión del 12. Pensé que nunca iba a decir esto, pero es así. No solo el acento es más familiar, sino que Christian Font hace comentarios discretos y acertados. Eso si: los comentarios de Victoria Rodríguez y de esta otra chica, creo que la traductora, son del mismo nivel que el de dos compañeras de trabajo que están repasando las páginas de Galería… La traducción, eso sí, es mejor en el canal de cable.

00:12

Otra nota nostálgica: se recuerda, a través de fotografías en blanco y negro proyectadas en la gran pantalla, la primera entrega del Oscar de 1929 (la película ganadora había sido Wings, de William A. Wellman, como bien apunta Font).

Josh Brolin (Temple de acero) y Javier Bardem (Biutiful) salen vestidos de smoking blanco a presentar los Oscar a mejor guión original y adaptado.

00:14

Aaron Sorkin (Red social) gana el Oscar al mejor guión adaptado (sobre el libro "The Accidental Billionaires" de Ben Mezrich). Se permite recordar a un gran escritor y guionista, Paddy Chayefsky, que también ganó un Oscar 35 años atrás por el guión de una película con la palabra “network” en su título. La película era… Network (conocida en español como Poder que mata). Gran película. Si no la vieron, corran al video club y alquílenla. O bájenla ya mismo. También dice que David Fincher es “el tipo más agradable del mundo”, algo desmentido por la cara seria de David Fincher.

00:18

“Sabré escribir un guión, pero no encuentro el micrófono”, dice David Seidler (El discurso del rey), quien con 74 años se convierte en el guionista más veterano en ganar el Oscar al mejor guión original. “Mi padre siempre me decía que maduraría tarde”. Hace uno de los discursos más breves y lindos de la noche, le agradece incluso a la reina de Inglaterra (por no haberlo encerrado en la torre de Londres al hacerle decir a su padre, en la película, la palabra “fuck”) y le dedica el premio a los tartamudos del mundo. Qué tema la palabra "fuck", que todo el mundo parece tener disculparse públicamente por usarla...

00:24

Anne Hathaway se ha puesto un smoking y le reprocha a Hugh Jackman, cantando, que no haya aceptado cantar con ella (como ella sí lo hizo hace dos años al ser él conductor de la ceremonia).

00:25

Oh por dios: James Franco aparece disfrazado de Marilyn Monroe, con vestido rosado, bijouterie y peluca rubia. Hasta ahora se lo conocía como un buen y lindo actor que había encarnado muy bien a James Dean y que había sostenido solo una película como 127 horas (por la que está nominado). A partir de esta noche será recordado como “el que se travistió como Marilyn en los Oscar”. Para colmo, intenta hacer un comentario a lo Ricky Gervais diciendo que Charlie Sheen le acaba de mandar un mensaje de texto. ¿No estará Ricky Gervais, de casualidad, en las inmediaciones del Kodak Theatre?

00:26

La elegantísima y talentosa Helen Mirren, ganadora del Oscar por La reina (2006), sale acompañada de Russell Brand, que al parecer es una figura muy popular en el Reino Unido pero entre nosotros (al menos entre D. y yo) es un ilustre desconocido. Todos los años parece haber alguien fuera de lugar entre los presentadores, y este año le tocó a este señor (perdón si ofendo a alguien con mi ignorancia). Hacen una dinámica muy poco graciosa en la que él juega a traducir mal lo que ella dice en francés, todo para presentar el Oscar a la mejor película extranjera: In a better world, de la danesa Susanne Bier. La directora está tan nerviosa que casi se ahoga. Alejandro González Iñárritu (Babel, Biutiful) sigue sin ganar un Oscar.

00:29

Reese Witherspoon anuncia los nominados como mejor actor de reparto. Es una gran categoría, con candidatos excepcionales (Geoffrey Rush, John Hawkes, Mark Ruffalo, Jeremy Renner). Repasando los clips, uno quisiera que ganaran todos. Pero no es posible, así que gana el que estaba cantado: Christian Bale, por su notable labor en El Ganador. Saluda a Dicky Eklund, el personaje real en quien se inspiró (que está presente) y hasta lo promociona como entrenador de boxeo.

00:39

Un señor y una señora muy elegantes y aburridos salen a hablar maravillas sobre la asociación entre la Academia y la cadena ABC, que han renovado su contrato de televisación hasta el año 2020. Es el momento ideal para ir al baño, rellenar el vaso, o agarrar alguna cosita de la cocina.

00:40

Anne Hathaway se ha cambiado de nuevo de atuendo. Presenta a los australianos Hugh Jackman y Nicole Kidman, que hablan brevemente de la evolución de la música en el cine, desde el período mudo hasta nuestros días. La orquesta conducida por William Ross nos recuerda por qué la música de algunas películas nos ha quedado grabada a fuego en la memoria emotiva.

La música de Red social difícilmente pase a integrar esa galería de imborrables recuerdos sonoros, pero es un excelente trabajo de Trent Reznor (líder de Nine Inch Nails) y Atticus Ross (sin relación con el conductor de la orquesta), y parece razonable que gane el Oscar a la mejor música original. Sin embargo, es un poco injusto que la monumental composición de Hans Zimmer para Inception no haya tenido su premio.

00:46

Matthew McConaughey y Scarlett Johanson anuncian los ganadores al mejor sonido y efectos sonoros. Ambos son, previsiblemente, para Inception. La película de Christopher Nolan se convierte así en la más premiada (hasta el momento) de la noche.

00:54

James Franco (que por suerte ya volvió al smoking) luce pálido, entrecierra los ojos como encandilado y tuerce un poco la boca en una mueca que no llega a ser una sonrisa. ¿Estará drogado, como su inefable personaje en Piña Express?

Victoria Rodríguez dice que Marisa Tomei ganó el Oscar por The wrestler (2008). Estuvo nominada, Victoria, pero el Oscar lo ganó en 1993 por Mi primo Vinny.

00:55

La maravillosa Cate Blanchett unifica los logros en maquillaje y vestuario como medios para crear personajes fantásticos e inolvidables. Hablando de vestuario, nos gusta mucho Cate, pero no su vestido.

El Hombre Lobo, la opción más obvia de todas, gana el Oscar al mejor maquillaje. Es el séptimo Oscar para Rick Baker, que ganó el primero en 1982 por Un hombre lobo americano en Londres (1981).

00:59

Colleen Attwood gana su tercer Oscar al mejor vestuario, esta vez por Alicia en el País de las Maravillas. Lee su agradecimiento con el premio bajo el brazo.

01:02

En un clip sobre canciones de películas, el presidente Barack Obama dice que su favorita es “As time goes bye”, de Casablanca (1942). Kevin Spacey canta un fragmento de Sombrero de copa (1935) y se presenta como “George Clooney”.

01:03

El pianista y compositor Randy Newman interpreta la canción de Toy Story 3 por la que ha recibido su vigésima nominación. Seguidamente, Mandy Moore y Zachary Levi cantan la canción nominada de la película Enredados. Aunque es más de lo mismo, le anotamos un punto a la de Randy Newman.

01:12

Cada vez es más evidente que James Franco tiene una fiesta aparte dentro de su cabeza, y que no la está compartiendo con nadie.

Amy Adams y Jake Gyllenhaal hacen lo que se supone es un chiste sobre la habilidad para apostarle al ganador como mejor cortometraje, y alguna gente los aplaude. Si no entendí mal, acaban de aplaudir un chiste malo sobre lo al pedo que son los premios a mejor cortometraje…

01:15

Sube al escenario la revelación de la noche: un muchacho alto, desgarbado, lleno de rulos y con actitud de haber llegado tarde a una entrevista de trabajo. Se llama Luke Matheny y acaba de ganar el Oscar al mejor cortometraje. Un corto de egreso hecho en la Universidad de Nueva York (la misma a la que fue James Franco) en el que actuó su novia y su madre se encargó del catering. ¿No es encantador?

01:17

Anne Hathaway se cambió de nuevo de vestido… Con James Franco, dicen que este fue un gran año para las películas musicales (no lo fue) como pie para un clip que simula escenas cantadas en películas como Harry Potter, Toy Story 3, Red social y Crepúsculo. Parecía un buen chiste durante la reunión de brainstorming, pero por alguna extraña razón alguien se la tomó en serio y aquí está. WTF!

01:19

Mientras Oprah Winfrey habla de la importancia de ver la realidad a través de los documentales, Joel Coen parece haber perdido algo debajo de la butaca (¿será a su esposa Frances McDormand, a quien no hemos visto sentada a su lado como cada año?).

01:21

Charles Ferguson, ganador del Oscar al mejor documental por Inside Job, hace el único comentario político de la noche: “a tres años de una horrible crisis financiera provocada por un fraude masivo, ni un solo ejecutivo financiero ha ido a la cárcel, y eso está mal”. Los aplausos parecen indicar que al menos parte de la audiencia está de acuerdo con su declaración.

01:27

Billy Crystal sale al escenario siete años después de su última aparición como maestro de ceremonias. Es el último gran conductor que ha tenido la entrega del Oscar y se lo ha extrañado mucho, como lo demuestra la primera ovación de pie de la noche. Con tres chistes (ni demasiado brillantes ni originales, pero simples y efectivos) deja por el suelo los intentos de Anne y James por remar la velada. Recuerda que la primera transmisión televisiva del Oscar fue en 1953, y que la condujo Bob Hope (algo que el inolvidable comediante hizo 18 veces). Cuenta una anécdota sobre Hope que probablemente no sea del todo verdad, pero eso hacen los grandes comediantes: nos entretienen aunque tengan que inventar anécdotas graciosas para lograrlo.

01:30

Y Bob Hope – que murió hace siete años - se hace presente en el escenario gracias a la tecnología, en blanco y negro, para presentar a quienes van a anunciar el Oscar a los mejores efectos visuales. Robert Downey Jr. y Jude Law (que este año estrenarán la secuela de Sherlock Holmes) demestran ser un gran dúo cómico al bromear con los escándalos protagonizados por el primero de ellos en el pasado, producto de su adicción a las drogas. Postulo oficialmente la candidatura de ambos como próximos presentadores de la ceremonia del Oscar. En serio.

01:33

Inception recibe su cuarto Oscar: mejores efectos visuales.

01:35

Red social recibe su tercer Oscar: mejor montaje. David Fincher sigue sin sonreír.

01:41

Anne Hathaway se cambió de nuevo. James Franco hace bromas sin gracia sobre títulos de películas que, según él, no son aptos para todo público (“¿Cómo entrenar a tu dragón? Por favor…”). Definitivamente está drogado.

01:42

¿Y esa quién es? ¿Halle Berry? No… ¿Jennifer Hudson? ¿¿La gordita de Dreamgirls?? ¿¿La de American Idol?? ¡Está irreconocible! ¡Cómo adelgazó!

Florence Welch, de Florence + The Machine, canta junto al compositor indio A.R. Rahman la canción “If I rise”, de 127 horas. Una actuación demasiado breve para una artista estupenda (ver sino).

01:44

Gwyneth Paltrow abandona momentáneamente su retiro hogareño junto a Chris Martin (vocalista de Coldplay) para interpretar la canción "Coming Home", de la película Country strong. Y lo hace muy bien. Si fuera un Oscar a la mejor interpretación vocal, yo se lo daba a ella.

01:46

Pero gana Randy Newman por la canción de Toy Story 3. Su anterior Oscar había sido hace nueve años por otra película de Pixar, Monsters Inc. (2001). En su agradecimiento se refiere a la “buena televisión” y a que con cada aparición suya cree haber “enlentecido” el show. “No me extraña que nominen cuatro canciones. Y en fotografía, son cinco. Podrían encontrar una quinta canción…” Y el hombre tiene un buen punto: el show es un embole, solo una seguidilla de gente que sube, recoge el Oscar y agradece, y la Academia se pierde la oportunidad de hacerlo más variado y entretenido. No solo nomina cuatro canciones en lugar de las habituales cinco sino que además la interpretación de cada tema apenas supera el minuto. Si seguimos así, el año que viene ni siquiera hay canciones en vivo. Capaz que ni siquiera hay canciones…

01:52

El clásico juego de reconocimiento nostálgico de cada año, el segmento In Memoriam, falla en provocar emoción por culpa de Celine Dion, que canta con su habitual melosidad y afectación. De todos modos da gusto que la Academia recuerde a talentos que fallecieron en el último año, como Tony Curtis, Gloria Stuart, Sally Menke (editora de todas las películas de Tarantino), Leslie Nielsen, Claude Chabrol, Pete Postlethwaite, Mario Monicelli, Lynn Redgrave, Arthur Penn, Jill Clayburgh, Blake Edwards, Dennis Hopper… Se olvidan de Corey Haim (estrella adolescente de los ’80, en la foto), de Maria Schneider, de Luis García Berlanga y nada menos que de Eric Rohmer. Todos los años se olvidan de alguien; el año pasado fue de Farrah Fawcett. La memoria de la Academia no es infalible.

01:56

Ahora si, Halle Berry. Delgada y hermosa como siempre, rinde tributo a Lena Horne, actriz y cantante negra fallecida en 2010 a los 92 años. A comienzos de los ’40, bajo contrato con la Metro-Goldwyn Mayer, las escenas de Lena Horne se filmaban de manera que pudiesen ser removidas fácilmente de las películas; esto se hacía para poder proyectarlas con versiones alternativas en el sur racista, donde la mayoría de los cines se negaba a proyectar películas donde hubiera actores negros haciendo otra cosa que no fueran sirvientes. Horne se negaba a interpretar este tipo de roles. En un clip se la ve cantando la maravillosa “Stormy weather”, en la película musical del mismo nombre (1943), y una cita en la pantalla dice todo (o casi) sobre ella: “No es la carga lo que te doblega, sino la forma en que la llevas.”

02:01

Anne Hathaway se cambia por última vez de vestido (ahora es azul). Habrán sido seis en toda la noche (si es que no perdí la cuenta).

Hilary Swank aparece sobre el escenario. Annette Bening debe estar pensando, “¿venís otra vez a robarme el Oscar?” (las dos veces que Swank ganó el premio, Bening también estaba nominada). Pero Hilary no viene a robarse ningún Oscar, sino a presentar a la mejor directora del año pasado, Kathryn Bigelow (Vidas al límite), que anuncia al mejor director de este año: el británico Tom Hooper. David Fincher se queda sin Oscar por segunda vez (estuvo nominado hace dos años por El curioso caso de Benjamin Button) y, por primera vez en la noche, sonríe. Los fanáticos de Christopher Nolan insultan frente a la tele (el director de Inception ni siquiera estaba nominado). Y El discurso del rey se posiciona sin problemas para ganar como mejor película (ya tiene el de mejor director y mejor guión). Mientras agradece a su madre con ternura, Hooper parece exhibir una mirada de Edipo. Pero no: su madre fue quien, tras asistir a una función de teatro leído, le contó la historia sobre el rey tartamudo y su terapeuta del habla. “La moraleja es: escuchen a sus madres”, dice.

02:05

La palidez de James Franco revela su secreto: se está preparando para actuar en la próxima entrega de la saga Crepúsculo. Eso si no lo llaman antes para hacer algún show de drag queens.

02:06

No hay tiempo que perder. Ya ni siquiera se homenajea a los grandes durante la ceremonia: Annette Bening presenta un clip sobre los premios honoríficos que se entregaron en noviembre del año pasado al actor Eli Wallach, el cineasta francés Jean-Luc Godard (ausente con aviso), el historiador del cine Kevin Brownlow y el gran Francis Ford Coppola. Al menos se los invita a recibir un aplauso sobre el escenario, justo antes del corte. Godard volvió a faltar con aviso.

02:12

Ante una reproducción del Teatro Chino de Los Ángeles, Jeff Bridges presenta a las candidatas a mejor actriz. Como el año pasado, quien presenta se dirige personalmente a cada una de las nominadas para decirles lo brillantes que son.

02:16

Para la mayoría de los miembros de la Academia, la más brillante es Natalie Portman, quien con un embarazo avanzado recibe su primer Oscar por El cisne negro. Tras cuatro nominaciones y cuatro derrotas, Annette Bening se convierte de esta manera en la Susan Sarandon del nuevo siglo (Sarandon ganó finalmente a la quinta nominación). Natalie, de 29 años, resulta la más conmovida de la noche, y agradece a sus padres, a Luc Besson (quien la hizo debutar como actriz en El perfecto asesino), a Mike Nichols (quien la dirigió en Closer, su primera nominación) y a Darren Aronofsky, quien después de conseguirle nominaciones a Ellen Burstyn (Réquiem para un sueño) y a Mickey Rourke (El luchador) ve a su primer protagonista recibiendo un Oscar.

02:20

Sandra Bullock, graciosa como siempre, saluda a cada uno de los cinco actores nominados. “Javier, hola” (en español), “Jeff, dude”, “Jesse, aún sigo esperando que me aceptes en Facebook como amiga”…

02:25

Un año después de su primera nominación por Solo un hombre (2009), el británico Colin Firth recibe el Oscar al mejor actor. Su agradecimiento comienza con elegancia e irónico humor, muy british, pero se alarga y se pone serio a medida que avanza. O será que la noche ha sido demasiado larga…

02:32

Para sorpresa de nadie, El discurso del rey es declarada como la mejor película del año. La Academia se vuelve a inclinar por lo clásico y lo conservador (si bien indiscutiblemente talentoso), tras algunos años de premiar a cineastas con trayectoria (como Clint Eastwood o Martin Scorsese) o que tomaban riesgos (como los hermanos Coen, Kathryn Bigelow, a su manera incluso Danny Boyle).

Asi que: El discurso del rey 4, El origen 4, Red social 3, El ganador 2, Toy Story 2, El cisne negro 1, Temple de acero... cero.

02:35

Un coro de niños cierra la ceremonia cantando “Over the rainbow”. Ya está, ya terminó.

Unos días antes, en una entrevista con la revista Vanity Fair, James Franco había declarado: “Y si es la peor ceremonia del Oscar de la historia, ¿a quién le importa?” A tu abuelita seguramente que no, James. A nosotros, en realidad, tampoco. Es solo un show. Lo que verdaderamente importa son las películas y las relaciones que establecemos con ellas, ¿no?.

Hasta el año que viene.

Las 10 del Oscar de 2010

2011-02-26T05:21:00.013-03:00

Por segundo año consecutivo (después de muchas décadas), la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood ha nominado nada menos que a 10 producciones de 2010 para su premio mayor: el Oscar a la mejor película. Entre todas completan 69 nominaciones, y ciertamente entre ellas hay varios nombres de prestigio dentro del cine estadounidense (los hermanos Coen, Christopher Nolan, Danny Boyle, Darren Aronofsky), pero no parece haber una gran película (ni en calidad ni en tamaño), de esas que de tanto en tanto aparecen como tanques imparables favoritos para arrasar con todo.

A continuación, y a dos días de la 83ª ceremonia que conducirán James Franco y Anne Hathaway en el Kodak Theatre de Los Ángeles, repasamos el perfil de cada una de las 10 películas candidatas y trazamos un pronóstico, al final, sobre lo que nos parece que puede pasar el domingo.

127 horas (127 hours)

Director: Danny Boyle. Productores: Christian Colson, Danny Boyle y John Smithson. Guión: Danny Boyle y Simon Beaufoy, sobre el libro "Between a Rock and a Hard Place" de Aron Ralston.

Sinopsis: narra la experiencia real de Aron Ralston (James Franco), un intrépido montañista estadounidense que en mayo de 2003, durante una de sus excursiones, quedó atrapado bajo una roca en un cañón de Utah. Tras varios días inmovilizado e incapaz de encontrar ayuda, debió tomar algunas medidas desesperadas con tal de salir con vida.

6 nominaciones al Oscar: mejor película, actor (James Franco), guión adaptado, montaje (Jon Harris), música (A.R. Rahman) y canción original (A.R. Rahman, Roland 'Rollo' Armstrong y Dido, por “If I rise”).

El director: Danny Boyle nació en Manchester, Inglaterra, en 1956. Luego de dirigir telefilmes, mini series y series de TV entre 1987 y 1993, debutó en el largometraje con el elogiado thriller Tumba al ras de la tierra (1994). Desde entonces ha dirigido varias películas que hacen uso de un lenguaje muy innovador y que se han convertido, algunas de ellas al menos, en fenómenos de culto: Trainspotting (1996), Vidas sin reglas (1997), La playa (2000), Exterminio (2002), Millones (2004) y Sunshine: Alerta solar (2007). Ganó el Oscar como mejor director por Slumdog millionaire: ¿Quieres ser millonario? (2008), película que también fue elegida por la Academia como la mejor de aquel año.

En pocas palabras...: Una atrapante historia real de supervivencia, narrada por el director Danny Boyle con irregular imaginación y dinamismo. Se sostiene sobre todo gracias a la excelente actuación de James Franco.

El cisne negro (Black swan)

Director: Darren Aronofsky. Productores: Mike Medavoy, Arnold W. Messer, Brian Oliver y Scott Franklin. Guión: Mark Heyman, Andrés Heinz y John McLaughlin, a partir de una historia de Andrés Heinz.

Sinopsis: Natalie Portman interpreta a Nina, integrante de una exigente compañía de ballet de Nueva York cuyas aspiraciones se ven amenazadas ante la llegada de una nueva compañera de danza (Mila Kunis). La película es toda una travesía por la psique de una joven bailarina cuyo papel estelar como la Reina de los Cisnes parece ser un rol para el cual resulta perturbadoramente perfecta.

5 nominaciones al Oscar: mejor película, director (Darren Aronofsky), actriz (Natalie Portman), fotografía (Matthew Libatique) y montaje (Andrew Weisblum).

El director: Darren Aronofsky nació en Brooklyn, Nueva York, en 1969. Tras varios cortometrajes, causó sensación en el Festival de Sundance (y en el mundo del cine independiente) con su ópera prima, Pi (1998). Luego hizo la impactante y removedora Réquiem para un sueño (2000), la ambiciosa e irregular La fuente de la vida (2006), y la notable y más modesta El Luchador (2008), que obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia y devolvió a los primeros planos de atención a Mickey Rourke. La de El cisne negro es su primera nominación al Oscar.

En pocas palabras...: Un efectivo (y quizás efectista) estudio sobre la psicosis de una bailarina en busca de la perfección. Lo que sobresale es la abrumadora entrega física y emocional de Natalie Portman, tal vez en el rol más exigente de su carrera.

El discurso del rey (The king’s speech)

Director: Tom Hooper. Productores: Iain Canning, Emile Sherman y Gareth Unwin. Guión: David Seidler.

Sinopsis: Basada en una historia real, la película se centra en el rey Jorge VI de Inglaterra (Colin Firth), padre de la actual reina Isabel II, quien se vio obligado a ocupar el trono tras la abdicación de su hermano Eduardo VIII. Su tartamudez lo lleva a buscar la ayuda de un terapeuta de trastornos del habla, Lionel Logue (Geoffrey Rush), quien con una serie de técnicas poco ortodoxas intenta lograr que el rey pueda dirigirse al pueblo en tiempos de la Segunda Guerra Mundial.

12 nominaciones al Oscar: mejor película, director (Tom Hooper), actor (Colin Firth), actor de reparto (Geoffrey Rush), actriz de reparto (Helena Bonhan Carter), guión original (David Seidler), fotografía (Danny Cohen), montaje (Tariq Anwar), música (Alexandre Desplat), dirección de arte (Eve Stewart), vestuario (Jenny Beavan) y sonido (Paul Hamblin, Martin Jensen y John Midgley).

El director: Tom Hooper nació en Londres, Inglaterra, en 1972. Aunque no es la primera película de cine que dirige (en 2004 hizo Red Dust, y en 2009 The Damned United, ninguna de las cuales se estrenó en Uruguay), ha tenido más éxito y reconocimientos con sus trabajos para televisión, en especial los que hizo para la cadena HBO: Elizabeth I (2005), Longford (2006) y John Adams (2008). Por la primera de ellas recibió un premio Emmy. La de El discurso del rey es su primera nominación al Oscar.

En pocas palabras…: Si la realeza no te genera la menor simpatía, no importa; en realidad se trata de cómo un hombre muy inteligente y sensible ayudó a otro, al que le tocó ser rey contra su voluntad, a ganar confianza en sí mismo. Y de dos formidables actuaciones, las de Colin Firth y Geoffrey Rush.

El ganador (The fighter)

Director: David O. Russell. Productores: Dorothy Aufiero, David Hoberman, Ryan Kavanaugh, Paul Tamasy y Mark Wahlberg. Guión: Scott Silver, Paul Tamasy y Eric Johnson, sobre historia de Paul Tamasy, Eric Johnson y Keith Dorrington.

Sinopsis: cuenta la historia real de dos hermanos de distinta suerte en el mundo del boxeo: Dicky Eklund (Christian Bale) es un ex boxeador convertido en entrenador debido a su peligrosa adicción a las drogas, decidido a entrenar a su medio hermano Micky Ward (Mark Wahlberg), cuya carrera es administrada por su controladora madre Alice (Melissa Leo). Pero la nueva novia de Micky (Amy Adams) lo alienta a independizarse de su conflictiva familia como forma de seguir una carrera como boxeador profesional.

7 nominaciones al Oscar: mejor película, director (David O. Russell), actor de reparto (Christian Bale), actriz de reparto (Amy Adams, Melissa Leo), guión original y montaje (Pamela Martin).

El director: David O. Russell nació en Nueva York en 1958. Ha dirigido Spanking the Monkey (1994), Flirting with Disaster (1996), Tres Reyes (1999) y I Heart Huckabees (2004). La de El ganador es su primera nominación al Oscar.

En pocas palabras...: Más que una película sobre boxeo, un drama familiar sobre dos hermanos diferentes, una madre dominante y una posibilidad de redención y éxito. El show se lo roban Christian Bale y Melissa Leo con dos de las mejores interpretaciones del año.

El origen (Inception)

Director: Christopher Nolan. Productores: Emma Thomas y Christopher Nolan. Guión: Christopher Nolan.

Sinopsis: Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) es un calificado ladrón que roba secretos valiosos de lo más profundo del subconsciente durante el sueño. La rara habilidad de Cobb lo ha convertido en un codiciado jugador en el mundo del espionaje corporativo, pero también en un fugitivo que ha perdido todo lo que alguna vez ha amado. Ahora a Cobb le ofrecen una oportunidad de redención.

8 nominaciones al Oscar: mejor película, guión original (Christopher Nolan), fotografía (Wally Pfister), música (Hans Zimmer), dirección de arte (Guy Hendrix Dyas), mezcla de sonido (Lora Hirschberg, Gary Rizzo y Ed Novick), edición de sonido (Richard King) y efectos visuales (Chris Corbould, Andrew Lockley, Pete Bebb y Paul J. Franklin).

El director: Christopher Nolan (Londres, Inglaterra, 1970) empezó a hacer películas a los 7 años de edad con la cámara Super 8 de su padre. Llamó la atención por primera vez con el original thriller Memento (2000), a la que le siguieron Noches blancas (2002) y El gran truco (2006). Con Batman inicia (2005) y Batman: el caballero de la noche (2008) revitalizó la saga cinematográfica del héroe enmascarado. En 2012 estrenará The Dark Knight Rises, tercera entrega de Batman que dirige. Con las dos que ha recibido por El origen (como productor y guionista) suma tres nominaciones al Oscar (la primera fue por el guión de Memento).

En pocas palabras…: Un thriller inteligente aunque algo menos complejo de lo que aparenta, que cae en varios excesos narrativos y visuales. Da la sensación de que, después de Batman, Christopher Nolan quiso ir a más; esta es probablemente su película más ambiciosa hasta la fecha.

Lazos de sangre (Winter’s bone)

Directora: Debra Granik. Productoras: Alix Madigan y Anne Rosellini. Guión: Debra Granik y Anne Rosellini, sobre novela de Daniel Woodrell.

Sinopsis: Ganadora del premio mayor en el Festival de Sundance 2010, narra la historia de Ree (Jennifer Lawrence), una chica de 17 años que se propone encontrar a su padre, quien puso su casa para asegurar su fianza y luego desaparecer sin rastro. Ante el riesgo de perder su hogar, Ree se adentra en los bosques del condado de Ozark en busca de su padre, desafiando el código de silencio de sus parientes y arriesgando su vida para salvar a su familia.

4 nominaciones al Oscar: mejor película, actriz (Jennifer Lawrence), actor de reparto (John Hawkes) y guión adaptado.

La directora: Debra Granik debutó en el largometraje con Down to the Bone (2004), una película doblemente premiada en Sundance por su dirección y por la actuación protagónica de Vera Farmiga. La que recibió por el guión de Lazos de sangre es su primera nominación al Oscar.

En pocas palabras...: Un retrato realista, crudo y duro de ambientes y personajes que viven al margen de la sociedad, de la ley y la moral, y que crece en intensidad como un thriller de suspenso. Estupendas actuaciones de Jennifer Lawrence y John Hawkes.

Mi familia (The kids are all right)

Directora: Lisa Cholodenko. Productores: Gary Gilbert, Philippe Hellmann, Jordan Horowitz, Jeffrey Levy-Hinte, Celine Rattray y Daniela Taplin Lundberg. Guión: Lisa Cholodenko y Stuart Blumberg.

Sinopsis: Nic y Jules (Annette Bening y Julianne Moore) están casadas hace varios años y comparten su perfecta vida en pareja con sus respectivos hijos adolescentes, Joni (Mia Wasikowska) y Laser (Josh Hutcherson), ambos concebidos por inseminación artificial. Esa armonía se ve sacudida cuando ambos chicos buscan y encuentran a su padre biológico, Paul (Mark Ruffalo), quien se va insertando de a poco en la vida familiar.

4 nominaciones al Oscar: mejor película, actriz (Annette Bening), actor de reparto (Mark Ruffalo) y guión original.

La directora: Lisa Cholodenko (Los Ángeles, 1964) debutó en el largo con la premiada High Art (1998), a la que siguieron Laurel Canyon (2002) y Cavedweller (2004). En el medio dirigió algún episodio de series como Six Feet Under, The L Word y Hung antes de obtener, con Mi Familia, su mayor éxito hasta la fecha (más de 20 millones de dólares de recaudación sólo en Estados Unidos). La que recibió por co-escribir el guión de esta película es su primera nominación al Oscar.

En pocas palabras…: Una sensible comedia dramática sobre la falta de certezas (o la eterna búsqueda de ellas) que implica formar una familia, más allá de definiciones y preferencias sexuales. Excelente elenco en el que brilla especialmente Annette Bening.

Red social (The social network)

Director: David Fincher. Productores: Dana Brunetti, Ceán Chaffin, Michael De Luca y Scott Rudin. Guión: Aaron Sorkin, sobre el libro "The Accidental Billionaires" de Ben Mezrich.

Sinopsis: la película cuenta cómo una noche de 2003, el estudiante de programación de Harvard Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg) comenzó a desarrollar una idea que derivó en Facebook, la mayor red social del mundo con más de 500 millones de usuarios. Y las complicaciones tanto personales como legales que tuvo que enfrentar después.

8 nominaciones al Oscar: mejor película, director (David Fincher), actor (Jesse Eisenberg), guión adaptado (Aaron Sorkin), fotografía (Jeff Cronenweth), montaje (Kirk Baxter y Angus Wall), música (Trent Reznor y Atticus Ross) y mezcla de sonido (Ren Klyce, David Parker, Michael Semanick y Mark Weingarten).

El director: David Fincher (Denver, Colorado, 1962) dirigió Alien 3 (1992), Pecados capitales (1995), Al filo de la muerte (1997), El club de la pelea (1999), La habitación del pánico (2002) y Zodíaco (2007). Por El curioso caso de Benjamin Button (2008) recibió su primera y anterior nominación al Oscar.

En pocas palabras…: El hábil guión de Aaron Sorkin y la dinámica dirección de David Fincher logran un relato entretenido, que ofrece una visión ambigua - aunque piadosa - del creador de Facebook. Buen elenco juvenil donde se destacan Jesse Eisenberg y Andrew Garfield.

Temple de acero (True grit)

Directores: Joel Coen y Ethan Coen. Productores: Scott Rudin, Joel Coen y Ethan Coen. Guión: Joel Coen y Ethan Coen, sobre novela de Charles Portis.

Sinopsis: En 1970, John Wayne ganó su único Oscar por un western tardío llamado Temple de Acero. Ahora los hermanos Coen proponen su propia versión de la novela de Charles Portis, con Jeff Bridges en el papel de un veterano cazador de recompensas que, hacia 1870, acepta a regañadientes atrapar al asesino del padre de una adolescente (Hailee Steinfeld) en busca de justicia.

10 nominaciones al Oscar: mejor película, director (Joel Coen y Ethan Coen), actor (Jeff Bridges), actriz de reparto (Hailee Steinfeld), guión adaptado, fotografía (Roger Deakins), dirección de arte (Jess Gonchor), vestuario (Mary Zophres), mezcla de sonido (Skip Lievsay, Craig Berkey, Greg Orloff y Peter F. Kurland) y edición de sonido (Skip Lievsay y Craig Berkey).

Los directores: a esta altura veteranos en esto del Oscar, los hermanos Joel y Ethan Coen (nacidos en Minneapolis, Minnesota, en 1954 y 1957, respectivamente) son dos de los cineastas más respetados del cine estadounidense del último cuarto de siglo. Ganaron el Oscar al mejor guión por Fargo (1996) y Sin lugar para los débiles (2007). Por esta última también lo ganaron en las categorías de mejor dirección y mejor película. Con las tres de Temple de Acero ya son 13 nominaciones las que han recibido desde 1997.

En pocas palabras...: Más que una remake del film de 1970, se trata de una readaptación de la novela original de Charles Portis, hecha con mayor fidelidad. En sus mejores momentos (y Temple de Acero tiene varios) los hermanos Coen siguen demostrando por qué son dos de los más brillantes cineastas de la actualidad.

Toy Story 3

Director: Lee Unkrich. Productora: Darla K. Anderson. Guión: Michael Arndt, sobre historia de John Lasseter, Andrew Stanton y Lee Unkrich.

Sinopsis: Quince años después del estreno de la primera Toy Story (1995), Pixar retoma los personajes de su primer largometraje animado cuando Andy se dispone a irse a la universidad. Sus juguetes (que cobran vida cuando nadie los ve) van a parar a una guardería donde podrán ser “disfrutados” por otros niños. Pero el nuevo hábitat no es nada de lo esperado, y pronto deciden unirse a otros nuevos juguetes (entre ellos el muñeco Ken, novio de Barbie) en su intento por escapar y regresar al hogar.

5 nominaciones al Oscar: mejor película, mejor película de animación, guión adaptado, edición de sonido (Tom Myers y Michael Silvers) y canción original (Randy Newman por "We Belong Together").

El director: Lee Unkrich nació en Cleveland, Ohio, en 1967. Vinculado desde hace años al equipo de Pixar Animation, ha co-dirigido algunos de los mayores éxitos de la compañía: Toy Story 2 (1999), Monsters, Inc. (2001) y Buscando a Nemo (2003). Toy Story 3 marca la primera vez en que está al frente de una película como director, y las dos nominaciones que ha recibido este año (a mejor película de animación y guión adaptado) son las primeras al Oscar en su carrera.

En pocas palabras...: Sin llegar a la altura de las dos primeras entregas (Toy Story 2 era una inusualmente excelente secuela para una primera parte ya excelente), esta tercera parte ofrece un muy digno cierre a la trilogía, con buenas dosis de acción, humor y emoción.

Pronóstico: si nos atenemos a la tradición, a las estadísticas y al sentido común, ninguna de las películas cuyos directores no hayan sido nominados tiene serias posibilidades de llevarse el Oscar en la categoría principal. Esto deja fuera de competencia a cinco títulos: 127 horas, El origen, Lazos de sangre, Mi familia y Toy Story 3 (que seguramente gane como mejor película animada, de todos modos). La tradición, las estadísticas y el sentido común también indican que es rarísimo que gane una película cuyo guión no ha sido nominado, y ese es el caso de El cisne negro.

De manera que eso deja cuatro películas con serias posibilidades: El discurso del rey, El ganador, Red social y Temple de acero. Históricamente, la película con mayor número de nominaciones es la que ha gustado más a los miembros de la Academia, lo que se traduce por lo general en el Oscar a mejor película, pero hay excepciones: por ejemplo, hace dos años El curioso caso de Benjamin Button tenía 13 nominaciones, sin embargo ganó solo tres y en rubros técnicos (la gran ganadora fue Slumdog Millionaire, que tenía 10 nominaciones y se llevó 8, incluyendo mejor película y director). El otro factor que ayuda y mucho a posicionar a una película como favorita es haber recibido previamente los principales premios otorgados por los sindicatos de profesionales de la industria (actores, productores, directores, guionistas), que son prácticamente los mismos que votan el Oscar. En ambos casos (mayor número de candidaturas y premios de la industria) las apuestas apuntan a El discurso del rey.

No hay que desestimar las 10 nominaciones de Temple de acero, un sorpresivo éxito de crítica y taquilla de la mano de los hermanos Coen, dos viejos abonados al Oscar. Pero sería raro que ganara un western, por mejor que sea, y menos a tres años de que los Coen conquistaran a Hollywood con la igualmente violenta Sin lugar para los débiles. Por otro lado pesan y mucho las ocho nominaciones de Red social, una película que parecía candidata segura al comienzo de la temporada de premios (gano casi todos los de la crítica, incluyendo el Globo de Oro a mejor película dramática) y que además cuenta la historia detrás del mayor fenómeno comunicacional de los últimos años (si, Facebook). Pero de a poco ha sido desplazada como favorita por otra historia real, para colmo de época, algo que suele ir más con el gusto tradicional de la Academia por más que los últimos años hayan parecido indicar lo contrario (Million Dollar Baby, Crash, Los infiltrados, Sin lugar para los débiles, Slumdog Millionaire, Vidas al límite). De manera que parece poco probable que alguien logre desbancar al rey tartamudo.

No habría que descartar un voto dividido, algo que ha sucedido muchas veces en el pasado cuando no hay una favorita absoluta (la última vez que ocurrió fue en 2006, cuando Crash ganó como mejor película y Ang Lee como mejor director por Secreto en la montaña). Este año podría darse que El discurso del rey gane como mejor película pero que David Fincher resulte el mejor director; después de todo es un hombre muy conocido en la industria mientras que Tom Hooper es una especie de recién llegado en el mundo del cine, por más que ha ganado mucho prestigio con sus realizaciones para HBO. Y gran parte del mérito de Red social está en la dinámica y efectiva conducción de Fincher, un hombre que ha transitado con éxito por varios géneros.

De cualquier manera, lo más probable es que haya un reparto de los premios entre varias películas (casi todos entre las 10 nominadas a mejor film) y ninguna que realmente arrase. Imaginamos que el palmarés al final de la noche, para cada una de las candidatas, podría lucir más o menos así:

El discurso del rey: 3 como mínimo (película, actor, guión original) y 6 como máximo (sumando director, dirección de arte y vestuario)

El origen: 4 (música, sonido, efectos sonoros y efectos visuales)

Red social: 2 como mínimo (guión adaptado y montaje) y 4 como máximo (sumando director y música)

Temple de acero: 2 (fotografía para Roger Deakins, que ya tiene 9 nominaciones y es una vergüenza que no haya ganado aún; y mejor actriz de reparto para la debutante Hailee Steinfeld, que está muy bien y lleva el peso de casi toda la película)

El cisne negro: 1 (actriz para Natalie Portman, aunque es probable que pese más la veteranía de Annette Bening, que ya estuvo nominada tres veces antes)

Mi familia: 1 (si es que Bening finalmente gana el Oscar que tanto merece)

El ganador: 1 (actor de reparto, Christian Bale) o 2 (también actriz de reparto para Melissa Leo)

Toy Story 3: 1 (mejor película animada)

127 horas: 0 (con una posibilidad como mejor canción)

Lazos de sangre: 0 (el verdadero cine independiente no es favorito este año).

Imprímase, archívese, discútase. Probablemente incúmplase, también.

5 preguntas a: Jorge Denevi

2011-02-17T17:45:00.005-03:00

¿Una obra de teatro de seis horas de duración? ¿Tres obras independientes que cuentan la misma anécdota, con los mismos personajes, pero desde tres puntos de vista diferentes? Las conquistas de Norman es todo eso al mismo tiempo, una trilogía de comedias escritas en 1973 por el inglés Alan Ayckbourn (Londres, 1939), y ganadora de los principales premios teatrales como el Tony (Broadway), el Lawrence Olivier (Inglaterra) o el Molière (Francia).

Bajo la dirección de Jorge Denevi, la primera parte de la obra (“Modales en la mesa”) se estrena el viernes 18 de febrero en la Sala Campodónico de Teatro El Galpón, siguiendo luego con el siguiente cronograma de funciones:

Viernes 18 de febrero, 21.30, estreno de “Modales en la mesa” - Sábado 19 de febrero, 21.30, “Modales en la mesa” - Domingo 20 de febrero, 19.30, “Modales en la mesa”.

Viernes 25 de febrero, 21.30, “Modales en la mesa” - Sábado 26 de febrero, 21.30, estreno de “Vida en común” - Domingo 27 de febrero, 19.30, “Vida en común”.

Viernes 4 de marzo, 21.30, “Modales en la mesa” - Sábado 5 de marzo, 21.30, “Vida en común” - Domingo 6 de marzo, 17:00 horas, “Modales en la mesa”; 19.30, “Vida en común”; 21.30, estreno de “Vueltas al jardín”.

En lo sucesivo el de esta última semana será el régimen de funciones: los viernes “Modales en la mesa”, los sábados “Vida en común”, y los domingos la trilogía completa. Se puede ver sólo una obra, ya que cada una es independiente, con su principio y su final. Se pueden ver en el orden en que el espectador lo desee sin que se altere la comprensión de la trilogía. Ver las tres obras juntas, sin embargo, da una visión totalizadora de la temática del espectáculo (la trilogía comienza los domingos a las 17:00 horas y finaliza a las 23:00). Las conquistas de Norman bajará indefectiblemente de cartel, por contrato, el domingo 22 de mayo.

Nos pareció un estreno lo suficientemente peculiar como para interrogar a su director, Jorge Denevi (uno de los hombres de teatro más activos de las últimas décadas), acerca de la obra y otras cuestiones.

¿Cuáles son los mayores desafíos a la hora de montar una obra como esta?

Las tres obras son en realidad una obra. Con tres visiones diferentes, o más bien más profundas en cada obra, situación tras situación. El desafío es que las acciones de las tres se desarrollan en forma simultánea en el tiempo, por tanto el espectador que ve la primera obra, escucha comentarios o peleas que suceden en otro ámbito. Ese ámbito es visto en la segunda y luego en la tercera obra. Es imprescindible tener una visión totalizadora de los acontecimientos internos de cada personaje y de sus emociones. Es complicado y a la vez muy rico para dirigir y actuar. Y sobre todo para ver. Esa simultaneidad de acciones hace que uno las pueda ver en el orden que quiera. No hay una primera, segunda o tercera. Todas son primera.

Más allá de la originalidad de su estructura, ¿cuáles considerás que son los mayores méritos de esta obra de Alan Ayckbourn?

Ayckbourn es hoy el más importante dramaturgo contemporáneo vivo. Es reconocido en todos los ámbitos y ha recibido todos los premios teatrales que se puedan recibir: no le quedan más. Esta es su mejor obra, escrita hace 30 años. Ha sido comparado en forma permanente con Chejov. Es un Chejov moderno. Sólo que el escribe comedias. Las risas que nos proporciona no ocultan su desaliento, pesimismo y tristeza. Y la soledad del hombre en la sociedad contemporánea. Eso recibe uno mientras ríe.

¿Sos un director que se mantiene al tanto de lo que sucede con el teatro en el mundo? En ese sentido, ¿qué tan aggiornado te parece que está el teatro uruguayo?

Si, estoy muy informado. Leo los diarios de otros países, leo las críticas teatrales de esos diarios. Los reportajes a directores y autores. Tengo todas las obras que se estrenan en Londres o Broadway o París, por ejemplo (donde es más fácil conseguir los textos que en Latinoamérica), y las leo. Hay una verdadera crisis dramatúrgica. No hay grandes autores hoy en día. No existen los Miller los Williams, los O´Neil. La prueba es que las obras de ellos siguen estando en cartelera en los grandes centros teatrales. Pero hay un atraso evidente en la técnica actoral. El director norteamericano David Hammond dijo una vez que el teatro uruguayo estaba atrasado veinte años. Lo dijo hace diez años. Ahora estamos atrasados treinta años.

El año pasado estrenaste Tardes enteras en el cine, una obra autobiográfica que también dirigiste. ¿Cómo te resultó esa experiencia?

Difícil, dolorosa, inmadura, insatisfactoria. No debí haberla hecho.

Algunos comentarios sobre obras de teatro en Cartelera.com.uy denota la existencia de ciertas rivalidades en el ambiente teatral montevideano. ¿Qué opinás al respecto?

Esas rivalidades no existen. Estoy en contacto permanente y trabajo y tengo amistad muy profunda con casi todos los actores y directores uruguayos. Lo que hay es solidaridad, amistad y hermandad. En todos los rubros. Y no me chupo el dedo, ni soy un santo inocente. Quienes hacen esos comentarios son un pequeñísimo grupo de personas que no han podido lograr en su carrera lo que han pretendido. Pero es minúsculo y no tienen incidencia. También es una pena porque deforman una página que podría tener mucha riqueza si no la transformaran con elogios gratuitos o comentarios negativos en algo bastardo. Leo siempre las opiniones de los espectadores de las páginas de los diarios de otros países y a veces los comentarios que hacen de una obra son más ricos que la propia crítica teatral del diario. Me gustaría que la página de opiniones de Uruguay Total siguiera existiendo y creo que a la larga se depurará sola.

Candidatos y favoritos para el Globo de Oro 2011

2011-01-15T15:46:00.005-03:00

Este domingo 16 de enero, con la 68ª entrega de los premios Globo de Oro, da comienzo la temporada de premiaciones hollywoodenses a las mejores películas de 2010 que culminará el 27 de febrero con la 83ª entrega de los premios Oscar en el Kodak Theatre de Los Ángeles. Suele considerarse que los ganadores del Globo de Oro se convierten automáticamente en claros favoritos a llevarse el Oscar, aunque no siempre esto es así. Lo cierto es que los Globos de Oro los entregan un centenar (aproximado) de cronistas de espectáculos extranjeros acreditados en Hollywood, mientras que los receptores del Oscar son decididos por los 5.755 miembros de la Academia de Hollywood con derecho a voto. Pero los criterios de votación, en materia de gustos y favoritos, no suelen discrepar demasiado.

Con siete nominaciones, El Discurso del Rey (drama histórico sobre la tartamudez del rey Jorge VI de Inglaterra) lidera las candidaturas en cine para los Globo de Oro 2011. Otras candidatas con varias nominaciones son El Cisne Negro, de Darren Aronofsky; El Origen, de Christopher Nolan; The Fighter, de David O. Russell; y Red Social, de David Fincher, que es la que luce con más chance de ganar en la categoría de mejor película dramática. Entre las comedias o musicales algunas de las candidatas con Alicia en el País de las Maravillas, de Tim Burton; Noches de Encanto, o Burlesque (musical protagonizado por Cher y Christina Aguilera); y Mi Familia, que tiene como nominadas a su pareja protagónica (Annette Bening y Julianne Moore).

Entre las series de TV nominadas figuran, entre otras, Boardwalk Empire (HBO), Dexter (Showtime), Mad Men (HBO) y The Walking Dead (AMC), entre los dramas; y The Big Bang Theory (CBS), Glee (Fox), Modern Family (ABC) y 30 Rock (NBC) entre las comedias. El único seguro ganador será Robert De Niro, que recibirá el premio Cecil B. DeMille a la trayectoria. La ceremonia será televisada en directo por la señal de cable TNT.

A continuación, la lista completa de nominaciones y nuestras predicciones (en negrita). Porque jugar es gratis, después de todo.

Mejor Película - Drama

Black Swan (El cisne negro)
The Fighter (El ganador)
Inception (El origen)
The King's Speech (El discurso del rey)
The Social Network (Red social)

Mejor Película - Musical o Comedia

Alicia en el país de las maravillas
Burlesque (Noches de encanto)
The kids are all right (Mi familia)
RED
The Tourist (El turista)

Mejor Actor en Película - Drama

Jesse Eisenberg (Red social)
Colin Firth (El discurso del rey)
James Franco (127 Horas)
Ryan Gosling (Blue Valentine)
Mark Wahlberg (El ganador)

Mejor Actriz en Película - Drama

Halle Berry (Frankie and Alice)
Nicole Kidman (Rabbit Hole)
Jennifer Lawrence (Winter's Bone)
Natalie Portman (El cisne negro)
Michelle Williams (Blue Valentine)

Mejor Actor en Película - Musical o Comedia

Johnny Depp (El turista)
Johnny Depp (Alicia en el país de las maravillas)
Paul Giamatti (Barney's Version)
Jake Gyllenhaal (Amor y otras adicciones)
Kevin Spacey (Casino Jack)

Mejor Actriz en Película - Musical o Comedia

Annette Bening (Mi familia)
Anne Hathaway (Amor y otras adicciones)
Angelina Jolie (El turista)
Julianne Moore (Mi familia)
Emma Stone (Se dice de mí)

Mejor Actor de Reparto en Película

Christian Bale (El ganador)
Michael Douglas (Wall Street 2: El dinero nunca duerme)
Andrew Garfield (Red social)
Jeremy Renner (Atracción peligrosa)
Geoffrey Rush (El discurso del rey)

Mejor Actriz de Reparto en Película

Amy Adams (El ganador)
Helena Bonham Carter (El discurso del rey)
Mila Kunis (El cisne negro)
Melissa Leo (El ganador)
Jacki Weaver (Animal Kingdom)

Mejor Director - Película

Darren Aronofsky (El cisne negro)
David Fincher (Red social)
Tom Hooper (El discurso del rey)
Christopher Nolan (El origen)
David O. Russell (El ganador)

Mejor Guión - Película

127 Horas (Danny Boyle, Simon Beaufoy)
El origen (Christopher Nolan)
Mi familia (Stuart Blumberg, Lisa Cholodenko)
El discurso del rey (David Seidler)
Red social (Aaron Sorkin)

Mejor Canción Original - Película

Noches de encanto: Samuel Dixon, Christina Aguilera, Sia Furler ("Bound to You")
Noches de encanto: Diane Warren ("You Haven't Seen The Last of Me")
Country Strong: Bob DiPiero, Tom Douglas, Hillary Lindsey, Troy Verges ("Coming Home")
Las crónicas de Narnia: la travesía del viajero del alba: Carrie Underwood, David Hodges, Hillary Lindsey ("There's A Place For Us")
Enredados: Alan Menken, Glenn Slater ("I See the Light")

Mejor Música Original - Película

127 Horas (A.R. Rahman)
Alicia en el país de las maravillas (Danny Elfman)
El origen (Hans Zimmer)
El discurso del rey (Alexandre Desplat)
Red social (Trent Reznor, Atticus Ross)

Mejor Película Animada

Mi villano favorito
Cómo entrenar a tu dragón
The illusionist
Enredados
Toy Story 3

Mejor Película Extranjera

Biutiful (México/España)
El concierto (Francia)
The Edge (Rusia)
I Am Love (Italia)
In a Better World (Dinamarca)

Mejor Serie de Televisión - Drama

Boardwalk Empire
Dexter
The Good Wife
Mad Men
The Walking Dead

Mejor Serie de Televisión - Musical o Comedia

The Big Bang Theory
The Big C
Glee
Modern Family
Nurse Jackie
30 Rock

Mejor Miniserie o Película para Televisión

Carlos
The Pacific
The Pillars of the Earth
Temple Grandin
You Don't Know Jack

Mejor Actor en Miniserie o Película para Televisión

Idris Elba (Luther)
Ian McShane (The Pillars of the Earth)
Al Pacino (You Don't Know Jack)
Dennis Quaid (The Special Relationship)
Édgar Ramírez (Carlos)

Mejor Actriz en Miniserie o Película para Televisión

Hayley Atwell (The Pillars of the Earth)
Claire Danes (Temple Grandin)
Judi Dench (Cranford)
Romola Garai (Emma)
Jennifer Love Hewitt (The Client List)

Mejor Actor en Serie de Televisión - Musical o Comedia

Alec Baldwin (30 Rock)
Steve Carell (The Office)
Thomas Jane (Hung)
Matthew Morrison (Glee)
Jim Parsons (The Big Bang Theory)

Mejor Actriz en Serie de Televisión - Musical o Comedia

Toni Collette (United States of Tara)
Edie Falco (Nurse Jackie)
Tina Fey (30 Rock)
Laura Linney (The Big C)
Lea Michele (Glee)

Mejor Actor en Serie de Televisión - Drama

Steve Buscemi (Boardwalk Empire)
Bryan Cranston (Breaking Bad)
Michael C. Hall (Dexter)
Jon Hamm (Mad Men)
Hugh Laurie (House)

Mejor Actriz en Serie de Televisión - Drama

Julianna Margulies (The Good Wife)
Elisabeth Moss (Mad Men)
Piper Perabo (Covert Affairs)
Katey Sagal (Sons of Anarchy)
Kyra Sedgwick (The Closer)

Mejor Actor de Reparto en Serie, Miniserie o Película para Televisión

Scott Caan (Hawaii Five-0)
Chris Colfer (Glee)
Chris Noth (The Good Wife)
Eric Stonestreet (Modern Family)
David Strathairn (Temple Grandin)

Mejor Actriz de Reparto en Serie, Miniserie o Película para Televisión

Hope Davis (The Special Relationship)
Jane Lynch (Glee)
Kelly Macdonald (Boardwalk Empire)
Julia Stiles (Dexter)
Sofía Vergara (Modern Family)

Red Social elegida como mejor película del año

2011-01-03T17:37:00.003-03:00

Red social (The Social Network), la dramatización sobre los orígenes y consolidación del fenómeno Facebook, fue elegida como la mejor película de 2010 por la Sociedad de Críticos de Cine de Internet (Online Film Critics Society). El film también ganó en las categorías de Mejor Director (David Fincher) y Mejor Guión Adaptado (Aaron Sorkin).

Los premios de actuación se dividieron entre cuatro películas: Colin Firth en El discurso del rey (The King’s Speech) fue elegido como Mejor Actor; Natalie Portman en El cisne negro (Black Swan) como Mejor Actriz; Christian Bale en The Fighter como Mejor Actor de Reparto; y la casi debutante Hailee Steinfield en True Grit, de los hermanos Coen, como Mejor Actriz de Reparto. True Grit también fue reconocida por la fotografía de Roger Deakins.

El origen (Inception) recibió dos premios: Mejor Guión Original (Christopher Nolan) y Mejor Montaje (Lee Smith). Toy Story 3 fue votada como la Mejor Película Animada; Exit Through the Gift Shop, sobre el artista graffitero conocido como Banksy, fue elegida como Mejor Documental; y la surcoreana Mother, de Bong Joon-ho, como Mejor Película en Lengua no Inglesa.

La lista completa de premios es la siguiente:

Mejor Película: The Social Network (Red social)
Mejor Director: David Fincher, The Social Network (Red social)
Mejor Actor: Colin Firth, The King's Speech (El discurso del rey)
Mejor Actriz: Natalie Portman, Black Swan (El cisne negro)
Mejor Actor de Reparto: Christian Bale, The Fighter
Mejor Actriz de Reparto: Hailee Steinfeld, True Grit
Mejor Guión Original: Christopher Nolan, Inception (El origen)
Mejor Guión Adaptado: Aaron Sorkin, The Social Network (Red social)
Mejor Fotografía: Roger Deakins, True Grit
Mejor Montaje: Lee Smith, Inception (El origen)
Mejor Película Animada: Toy Story 3
Mejor Película en Lengua no Inglesa: Mother (Corea del Sur)
Mejor Documental: Exit Through The Gift Shop

La lista completa de nominaciones se puede ver aquí.

Fundada en 1997, la Sociedad de Críticos de Cine de Internet (OFCS según sus siglas en inglés) es la única organización que reune a profesionales que escriben sobre cine directa y/o principalmente para sitios webs. Está integrada por críticos de cine, periodistas y académicos residentes en Estados Unidos, Canadá, Europa, América Latina y la región de Asia/Pacífico. En representación de Uruguay integra la asociación Enrique Buchichio, editor y crítico de Cartelera.com.uy.

Los críticos de cine de internet eligen sus películas favoritas de 2010

2010-12-30T00:59:00.004-03:00

La Sociedad de Críticos de Cine de Internet (Online Film Critics Society - OFCS), una asociación internacional de críticos de cine que escriben específicamente para sitios profesionales en internet, anunció las candidatas para sus premios a lo mejor del cine de 2010. Si bien la OFCS tiene miembros en todo el mundo (por ejemplo, en Uruguay), las películas más consideradas suelen ser aquellas estrenadas en el correr del año en Estados Unidos, debido a que la gran mayoría de sus miembros residen en ese país.

Entre las favoritas de los críticos online este año está lo nuevo de Darren Aronofsky, Black Swan (El cisne negro), un thriller psicológico sobre una bailarina de Nueva York (Natalie Portman); el thriller de ciencia ficción Inception (El origen), de Christopher Nolan; el drama sobre el creador de Facebook, The Social Network (Red Social), dirigido por David Fincher; el western de los hermanos Joel y Ethan Coen, True Grit; y el drama independiente Winter's Bone, premiado en Sundance 2010.

La mejor película de 2009 según los críticos de cine nucleados en esta asociación fue The Hurt Locker (Vivir al límite), que luego resultaría ganadora del Oscar a la mejor película. Sin embargo, habitualmente su elección no suele coincidir con la de los miembros de la Academia de Hollywood (para ver una lista de las premiadas en años anteriores).

La lista de ganadores se dará a conocer el lunes 3 de enero de 2011 a través del sitio web de la asociación.

Los nominados son:

MEJOR PELICULA

Black Swan (El cisne negro)
Inception (El origen)
The Social Network (Red social)
Toy Story 3
True Grit
Winter's Bone

MEJOR DIRECTOR

Darren Aronofsky - Black Swan (El cisne negro)
Danny Boyle - 127 Hours (127 horas)
Joel Coen & Ethan Coen - True Grit
David Fincher - The Social Network (Red social)
Christopher Nolan – Inception (El origen)

MEJOR ACTOR

Jeff Bridges - True Grit
Jesse Eisenberg - The Social Network (Red social)
Colin Firth - The King's Speech (El discurso del rey)
James Franco - 127 Hours (127 horas)
Ryan Gosling - Blue Valentine
Edgar Ramírez - Carlos

MEJOR ACTRIZ

Annette Bening - The Kids Are All Right (Mi familia)
Kim Hye-ja - Mother
Nicole Kidman - Rabbit Hole
Jennifer Lawrence - Winter's Bone
Natalie Portman - Black Swan (El cisne negro)

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Christian Bale - The Fighter
Andrew Garfield - The Social Network (Red social)
John Hawkes - Winter's Bone
Mark Ruffalo - The Kids are All Right (Mi familia)
Geoffrey Rush - The King's Speech (El discurso del rey)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Amy Adams - The Fighter
Mila Kunis - Black Swan (El cisne negro)
Melissa Leo - The Fighter
Hailee Steinfeld - True Grit
Jacki Weaver - Animal Kingdom

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Black Swan (El cisne negro) - Mark Heyman, Andres Heinz & John McLaughlin
Greenberg - Noah Baumbach
Inception (El origen) - Christopher Nolan
The Kids are All Right (Mi familia) - Lisa Cholodenko & Stuart Blumberg
The King's Speech (El discurso del rey) - David Seidler

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

127 Hours (127 horas) - Danny Boyle & Simon Beaufoy
Scott Pilgrim vs. the World - Michael Bacall & Edgar Wright
The Social Network (Red social) - Aaron Sorkin
True Grit - Joel Coen & Ethan Coen
Winter's Bone - Debra Granik & Anne Rosellini

MEJOR FOTOGRAFIA

127 Hours (127 horas) - Anthony Dod Mantle & Enrique Chediak
Black Swan (El cisne negro) - Matthew Libatique
Inception (El origen) - Wally Pfister
Shutter Island (La isla siniestra) - Robert Richardson
True Grit - Roger Deakins

MEJOR MONTAJE

127 Hours (127 horas) - Jon Harris
Black Swan (El cisne negro) - Andrew Weisblum
Inception (El origen) - Lee Smith
Scott Pilgrim vs. the World - Jonathan Amos & Paul Machliss
The Social Network (Red social) - Kirk Baxter & Angus Wall

MEJOR PELICULA EN LENGUA NO INGLESA

Carlos
Dogtooth
The Girl With The Dragon Tattoo (Los hombres que no amaban a las mujeres)
Mother
A Prophet (Un profeta)

MEJOR DOCUMENTAL

Catfish
Exit Through the Gift Shop
Inside Job
Joan Rivers: A Piece of Work
Restrepo
Waiting for Superman

MEJOR PELICULA ANIMADA

Despicable Me (Mi villano favorito)
How to Train Your Dragon (Cómo entrenar a tu dragón)
The Illusionist
Tangled
Toy Story 3

No es televisión, es HBO

2010-12-27T16:53:00.005-03:00

No creo en Dios, pero si lo hiciera una de las cosas por las que le estaría muy agradecido es por la existencia de HBO. Como si sus antecedentes no alcanzaran ya para declararla como la mejor productora de contenidos televisivos de ficción del mundo, como si no hubiéramos redescubierto ya el placer y la emoción de sentarnos frente a la televisión a ver series como Sex and the City, Oz, Los Soprano, Six Feet Under, The Wire, Carnivàle, Big Love, Mad Men, In Treatment, Tremé y más recientemente la maravillosa Boardwalk Empire… Una noche de domingo, la del 26 de diciembre, un doble programa en la cadena de cable nos confirmó que, además de las estupendas series, algunas de las mejores películas de la actualidad también las produce HBO.

El doctor misericordia

Hacía tiempo que no disfrutaba de un doble programa tan notable: a las 23:00, You don’t know Jack (No conoces a Jack, 2010), sobre el debate generado en Estados Unidos a raíz del Dr. Jack Kevorkian y su campaña de “suicidios asistidos”. Al Pacino encarna a Kevorkian, también conocido como Dr. Muerte, en uno de sus mejores trabajos de los últimos años (de hecho no se lo veía tan bien desde su retrato de Roy Cohn en Ángeles en América, la adaptación de la obra de Tony Kushner que dirigió Mike Nichols en 2003 para, oh casualidad, HBO). Pero el mayor valor de la película, dirigida por Barry Levinson (Rain Man) y escrita por Adam Mazer, es volver a poner sobre la mesa un debate que está lejos de resolverse.

Kevorkian generó un revuelo mediático y judicial desde su estado de Michigan, donde debió enfrentar varios juicios por asistir a más de 130 pacientes con enfermedades terminales a la hora de quitarse la vida. Para ello, creó una máquina a la que denominó "Thanatron" (máquina de muerte) que permitía a los pacientes autoadministrarse químicos letales para poner fin a sus vidas. Sin embargo, debido al retiro de su licencia médica y la consecuente imposibilidad de acceder a las sustancias administradas, creó otro dispositivo llamado "Mercitron" (máquina de misericordia) con el que los pacientes se suicidaban inhalando monóxido de carbono a través de una máscara. En cada caso, era el paciente quien activaba la máquina, por lo que técnicamente no podía considerarse un asesinato. Debido a esto, y a los conmovedores testimonios de los pacientes y familiares que sistemáticamente grababa antes de cada suicidio, Kevorkian salió libre de cada juicio que debió enfrentar.

Pero el 23 de noviembre de 1998, en el programa 60 minutos, se transmitió una grabación en la que Kevorkian desafiaba la ley al aplicar una inyección letal a Thomas Youk, un enfermo terminal de esclerosis lateral amiotrófica de 52 años de edad. Para la derecha religiosa y conservadora, aquello se trató de un homicidio en primer grado transmitido por televisión. Kevorkian fue llevado a juicio pero prefirió representarse a sí mismo, lo que dificultó su defensa. Finalmente fue encontrado culpable de asesinato en segundo grado. Sentenciado a una condena de entre 10 y 25 años de prisión, Kevorkian sólo cumplió ocho (entre 1999 y 2007), saliendo en libertad condicional debido a su delicado estado de salud y su buena conducta.

La película es un excelente retrato de quién es Kevorkian y de por qué está convencido de que la eutanasia es un derecho humano básico. Un tipo fascinante, complejo, que podía despertar dudas lógicas sobre su salud mental o sobre su ética y moral (hizo algún comentario desafortunado sobre el exterminio nazi y sus campos de concentración) pero que argumentaba de manera contundente sobre el derecho de los pacientes a ponerle fin con dignidad a sus vidas, y sobre la obligación de los médicos a asistirlos en su decisión (aquí hay una entrevista de 1996, junto a su abogado Geoffery Fieger). Pero sobre todo la película nos desafía en nuestras propias convicciones, y nos lleva a imaginar qué haríamos eventualmente si tuviéramos que tomar una decisión semejante sobre nosotros mismos o, más delicado aún, si tuviéramos que apoyar la decisión de un ser querido llegado el momento.

Mentes brillantes y abrazos mecánicos

A continuación, 1:30 de la madrugada, HBO exhibió Temple Grandin (2010), una biopic sobre la brillante científica que lleva ese nombre. Diagnosticada como autista a los 4 años de edad, Temple Grandin (nacida en Boston, Massachusetts, en 1947) se doctoró en Ciencia Animal en la Universidad de Illinois, y actualmente es profesora de comportamiento animal en la Universidad de Colorado. Además, es autora de libros como Thinking in Pictures e Interpretar a los Animales, donde desarrolla los dos grandes temas que han marcado su vida: desentrañar los misterios del autismo y estudiar el comportamiento de los animales, en particular del ganado (ver un documental de la BBC sobre Temple Grandin).

Siendo una adolescente, Temple visitó una granja de ganado de sus tíos en Arizona, donde llamó su atención una máquina que se usaba para tranquilizar a las vacas cuando venía el veterinario a vacunarlas: básicamente era una especie de jaula en la que se encerraba al animal, sujetado desde su cabeza y por dos placas metálicas laterales. La presión suave que estas ejercían sobre el cuerpo parecía relajarlas, y Temple – que padecía de una constante ansiedad y frecuentes estallidos emocionales debido a su condición de autista y lo incomprensible que le resultaba el mundo exterior - decidió hacer un artilugio semejante para ella: una máquina de dar abrazos. De esa manera Temple encontraría el estímulo táctil que tanto necesitaba para relajarse pero que no podía obtener de un ser humano (por ejemplo, su madre) porque simplemente no soportaba el contacto físico con otras personas. Además, la máquina era auto manipulada, lo que le permitía a quien la usara controlar la duración y la intensidad del "abrazo" mecánico. Hoy existen clínicas para el tratamiento de niños autistas que utilizan la máquina inventada por Temple.

Poco después entró en una escuela especial para niños y jóvenes con problemas emocionales, donde descubrió su fascinación con la ciencia. Allí fue el Dr. Carlock (David Strathairn en la película) quien comprendió que lo que hacía Temple era pensar en imágenes, y la alentó a realizar algunas investigaciones, como por ejemplo sobre la representación de la perspectiva visual. Esto resultó un gran estímulo para una joven que sufría, desde niña, la incomprensión del sistema educativo y la burla constante de sus compañeros de clase. ¡El Dr. Carlock llegó incluso a despegar un cohete en su honor! Pero no sería el fin de los padecimientos de Temple, quien por su doble condición de mujer y de autista encontró en la universidad varias barreras que tuvo que derrumbar con tenacidad asombrosa, sobre todo en la industria ganadera, donde enfocó su atención a partir de su identificación natural con el comportamiento animal.

Incapaz de comprender el sufrimiento al que se sometía al ganado en los ranchos y mataderos de Estados Unidos, Temple diseñó un sistema de manejo de ganado en pie que revolucionó la industria ganadera; hoy más del 50% de los establecimientos del país cuentan con sistemas diseñados por ella. Se ha convertido en defensora de una vida y una muerte digna de los animales, y si logró llamar la atención de los empresarios ganaderos fue porque consideraba que las reformas que ella promocionaba contribuían a que la industria de la explotación animal funcionase de un modo más "seguro, eficiente y rentable". Imagino que esa última palabra fue la que más llamó la atención de los señores.

El director Mick Jackson (El guardaespaldas, Volcano) logra de manera extraordinaria ubicarnos en la mente de Temple, una mente brillante, estimulada y alterada permanentemente por pensamientos, ideas e imágenes generadas por su percepción del mundo y las personas que le rodean. De ese recurso surgen momentos muy graciosos, pero por lo general Temple Grandin (cuyo guión está basado en dos libros de la propia Temple) es el retrato conmovedor de una personalidad única, mayormente desconocida por estos lares y que merece descubrirse. La labor protagónica de Claire Danes (quien fue la Julieta de Leonardo DiCaprio, y la hija comprensiva de Meryl Streep en Las Horas) es asombrosa, habiéndole valido un premio Emmy y muy probablemente el Globo de Oro al que está nominada (lo mismo seguramente suceda con Al Pacino y su trabajo en You don’t know Jack). Pero igualmente notable está Julia Ormond en el rol de su madre Eustacia, cuya decisión de no confinar a la pequeña Temple a una institución mental (como le sugerían los médicos en aquella época) fue crucial para el desarrollo intelectual posterior de su hija.

Son increíbles las coincidencias de estas dos películas: no sólo porque revelan detalles de dos personalidades únicas, fascinantes, sino porque desnudan las hipocresías y prejuicios de una sociedad tan contradictoria y compleja como la estadounidense, donde se suele rechazar de plano todo lo que vaya contra la corriente, o todo lo que sea desconocido o incomprensible. Tanto la historia de Jack Kevorkian como la de Temple Grandin dan cuenta de cómo las luchas individuales, por más solitarias y aisladas que parezcan, son las que impulsan los verdaderos cambios en una sociedad y en el mundo. Lo de Grandin permitió, desde adentro, conocer algunos misterios de un trastorno como el autismo (antes de ella se creía que dentro de la mente de una persona autista no había prácticamente nada), y de paso revolucionar una de las industrias sobre las que se sustenta el poder económico de Estados Unidos. Lo de Kevorkian puso sobre el tapete un gran debate sobre la eutanasia que sigue abierto (y todo parece indicar que seguirá durante largo tiempo), y en mayor escala sobre cómo los fundamentalismos religiosos en Estados Unidos rigen en gran medida las leyes y las conductas de los estadounidenses.

Pero ante todo, tanto You don’t know Jack como Temple Grandin son películas extraordinarias, estimulantes, conmovedoras, que no hay que dejar pasar. Búsquenlas, consulten la programación, descárguenlas. A veces tenemos la sensación de que la cartelera de cine (y más en estas fechas transitorias) no tiene mucho de valioso para ofrecer. Pero en esos momentos, como en cualquier otro, siempre tendremos a HBO. Al menos eso esperamos.

Se entregaron premios a las mejores películas de 2010

2010-12-15T13:21:00.006-03:00

La cinta blanca de Michael Haneke ganó como mejor película internacional, mientras que El cuarto de Leo, de Enrique Buchichio, fue consagrada por los críticos de cine como la mejor película nacional, recibiendo un total de 10 premios.

La Asociación de Críticos de Cine del Uruguay – Fipresci, realizó el martes 14 de diciembre la entrega de premios a las Mejores Películas de 2010. La premiación se debía realizar en la Sala de Conferencias del Teatro Solís, pero debido al conflicto de Adeom debió derivarse a último momento a la Sala Laura Cortinas del Ateneo de Montevideo. En la oportunidad fueron reveladas las ganadoras en las diferentes categorías de cine nacional e internacional. La ceremonia contó con la presencia de los nominados en las diversas ternas (sobre todo nacionales) y también de los representantes de las compañías distribuidoras y exhibidoras del medio. Asimismo, estuvieron presentes el Ministro de Educación y Cultura Ricardo Ehrlich y la Viceministra María Simón.

Como Mejor Película Internacional fue elegida La cinta blanca de Michael Haneke, mientras que en el rubro Documental Internacional resultó vencedora Las playas de Agnès de Agnès Varda. Dentro del apartado del cine nacional la gran triunfadora de la noche fue El cuarto de Leo de Enrique Buchichio, que llevó nueve premios: Mejor Película Uruguaya de Ficción, Mejor Ópera Prima en la categoría internacional (compartido), Mejor Director Uruguayo, Mejor Actor y Revelación Masculina para Martín Rodríguez, Mejor Actriz y Revelación Femenina para Cecilia Cósero, Mejor Guión y Mejor Música Original. Además el film se hizo acreedor al Premio ICAU a la Mejor Película Nacional, entregado por el director del Instituto, Martín Papich.

La realización Mundialito de Sebastián Bednarik obtuvo los galardones a Mejor Documental Uruguayo y Mejor Montaje. Por su parte, La vida útil de Federico Veiroj, reciente triunfadora en La Habana, recibió los premios a mejor fotografía y dirección artística, y compartió el galardón al sonido con Hiroshima de Pablo Stoll. Carancho de Pablo Trapero (Argentina) fue distinguido como Mejor Film Latinoamericano, la producción estadounidense Toy Story 3 de Lee Unkrich fue votada como Mejor Animación, el film británico Sólo un hombre de Tom Ford compartió el premio a la Ópera Prima con El cuarto de Leo, y el film belga Ben X de Nic Balthazar fue galardonado como Mejor Estreno en DVD.

Uno de los momentos especiales de la noche fue el homenaje a Roberto Fontana, que fue reconocido con un Premio Especial por el conjunto de su trayectoria. El galardón fue entregado por Amílcar Nochetti, secretario de ACCU. También se homenajeó con el Premio Salón Rouge a Cine Arte del Sodre por sus siete décadas difundiendo un cine de calidad. La estatuilla fue entregada por el presidente de ACCU, Jaime Costa, a Juan José Mugni, Director del Archivo Nacional de la Imagen del Sodre.

Listado de premios

Mejor Ficción Internacional
La cinta blanca de Michael Haneke (Alemania/Austria)

Mejor Documental Internacional
Las playas de Agnès de Agnès Varda (Francia)

Mejor Animación
Toy Story 3 de Lee Unkrich (USA)

Mejor Ópera Prima
Ex aequo: El cuarto de Leo de Enrique Buchichio (Uruguay) y Sólo un hombre de Tom Ford (Usa/Gran Bretaña)

Mejor Película Latinoamericana
Carancho de Pablo Trapero (Argentina)

Mejor Estreno en Video y DVD
Ben X de Nic Balthazar (Bélgica)

Mejor Ficción Uruguaya
El cuarto de Leo de Enrique Buchichio

Mejor Documental Uruguayo
Mundialito de Sebastián Bednarik

Mejor Director Uruguayo
Enrique Buchichio por El cuarto de Leo

Mejor Actriz de Película Uruguaya
Cecilia Cósero por El cuarto de Leo

Mejor Actor de Película Uruguaya
Martín Rodríguez por El cuarto de Leo

Revelación Femenina en Película Uruguaya
Cecilia Cósero por El cuarto de Leo

Revelación Masculina en Película Uruguaya
Martín Rodríguez por El cuarto de Leo

Mejor Guión de Película Uruguaya
Enrique Buchichio por El cuarto de Leo

Mejor Fotografía de Película Uruguaya
Arauco Hernández por La vida útil

Mejor Dirección Artística de Película Uruguaya
Emilia Carlevaro por La vida útil

Mejor Música Original de Película Uruguaya
Sebastián Kramer por El cuarto de Leo

Mejor Sonido de Película Uruguaya
Ex aequo: Daniel Yafalián por Hiroshima y La vida útil

Mejor montaje de Película Uruguaya
Guzmán García por Mundialito

Premio Salón Rouge
Cine Arte del Sodre

Premio Especial a la Trayectoria
Roberto Fontana

Premio ICAU a la Mejor Película Uruguaya
El cuarto de Leo de Enrique Buchichio

Participaron de la votación los siguientes críticos:

Leonardo Abete (tuportal.com.uy), Agustín Acevedo (La Diaria), Hugo Acevedo (La República), Ernesto Aguirre (Semanario Voces), Guilherme de Alencar Pinto (La Diaria), Eduardo Alvariza (Búsqueda), Miguel Blanco (FM Futura, paraver.com.uy), Enrique Buchichio (cartelera.com.uy), Andrés Caro Berta (Diario Cambio), Fernán Cisnero (Canal 5), Jaime E. Costa (Búsqueda), Pablo Delucis (cartelera.com.uy), Miguel Ángel Dobrich (180.com.uy), Diego Faraone (Brecha), Analía Filosi (El País Sábado Show), Christian Font (Canal 12), Jorge Gatti (Azul FM, Canal 5), Gustavo Iribarne ( La República , AM Libre), Jorge Jellinek (Radio Uruguay), Álvaro Loureiro (Brecha), Yamandú Marichal (Radio Carve), Paula Montes (Propuesta, arte7.com.uy), Sergio Moreira (Océano FM), Marita Navarro (AM Libre), Amílcar Nochetti (Semanario Voces), Fernando Palumbo (Radio Centenario, La Juventud), Ana Pañella (Radio Universal), Alberto Postiglioni (Radio Imparcial), Alberto Restuccia (Océano FM), Martín Reyes (El Espectador), Rossana San Martín (Visión Ciudadana de San José), Álvaro Sanjurjo Toucón (Radio Universal, Crónicas), Gonzalo Sobral (El Espectador, TV Ciudad), Mariángel Solomita (El País Sábado Show), Wilmar Umpiérrez (Radio Uruguay, Radio Nacional, Caras y Caretas), Guillermo Zapiola (El País).

Las 10 del 2010 (II)

2010-12-11T13:56:00.005-03:00

Un repaso a las mejores películas que se estrenaron en 2010, esta vez según el editor y crítico de Cartelera.com.uy Enrique Buchichio.

1) Un profeta (Jacques Audiard)

Un intenso, brutal y formidable relato sobre el ascenso criminal dentro de la cárcel como forma de supervivencia. Excepcional labor protagónica del casi debutante Tahar Rahim. No suele abundar cine como éste en estos días, ese tipo de cine que te atrapa desde la primera escena hasta la última y te da vuelta como una media.

2) La cinta blanca (Michael Haneke)

Un inquietante cuadro social, filmado en riguroso blanco y negro, que reflexiona sobre los mecanismos de represión y sumisión entre adultos y niños, hombres y mujeres, fuertes y débiles, como reproductores de conductas potencialmente terribles. Por ejemplo, el nazismo.

3) Criatura de la noche (Tomas Alfredson)

Tarde y mal promocionada como una suerte de “Crepúsculo para adultos”, esta película sueca es en realidad mucho más una historia de amor y amistad entre dos seres solitarios que una película de vampiros. Fascinante, bellísima en su formulación visual y sonora, y narrada con sorprendente precisión.

4) Un hombre serio (Joel Coen & Ethan Coen)

Esta versión del Libro de Job del Antiguo Testamento, ambientada en la Minnesota de 1967, es una farsa genial con aires de tragedia como solo los hermanos Coen podían pergeñar. El resultado es una brillante alegoría sobre la condición humana plagada de humor negro y con estupendas actuaciones de un elenco mayormente desconocido.

5) Adiós Solo (Ramin Bahrani)

Un entrañable y sutil retrato humano, sostenido por el choque y la complementariedad entre dos personajes muy distintos. Excelente elección de actores que parecen interpretarse a sí mismos. Tal vez la mejor película del cine independiente estadounidense del año.

6) Policía, adjetivo (Corneliu Porumboiu)

Un viaje a través de los laberintos del poder y de la burocracia, con una economía narrativa que, por más que ponga a prueba la paciencia del espectador, luce plenamente al servicio de su anécdota. Una demostración más de que el cine rumano sigue teniendo cosas para mostrar.

7) La vida útil (Federico Veiroj)

Una película así sólo puede ser el resultado de un acto de amor; el mismo amor por el cine que llevó, seguramente, al crítico Jorge Jellinek a aceptar la propuesta de ponerse por primera vez frente a una cámara (una decisión de casting tan llamativa como coherente). Mucho más rica e interesante que el simple homenaje a Cinemateca Uruguaya que muchos quisieron ver.

8) Vivir al límite (Kathryn Bigelow)

Equivalente cinematográfico de una bomba de tiempo, la película funciona como un thriller de suspenso extremo ambientado en la guerra de Irak. ¿Propaganda bélica? ¿Deberes bien hechos para ganar el Oscar? Lo dudo. El Oscar vino y fue por primera vez para una mujer, pero eso es anécdota. Lo que importa es el cine que ella ofrece: adrenalina pura, sin cuestionamientos morales y con excelente elenco.

9) 500 días con ella (Marc Webb)

Una irresistible comedia romántica que desafía algunas convenciones del género, gracias a un tratamiento fresco y original, una deliciosa banda sonora y dos protagonistas perfectos (Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel). Que una película sobre el desamor te de ganas de enamorarte no es poca cosa, ¿o si?

10) La carretera (John Hillcoat)

Un relato pos apocalíptico agobiante, notablemente realizado y narrado, con otra gran actuación de Viggo Mortensen. Sólo el final, quizás demasiado optimista y precipitado en el momento justo, no está a la altura de una película tan dura y desoladora como el futuro posible que describe.

Al igual que mi colega Pablo Delucis, no puedo dejar de mencionar algunos títulos que no entraron en la lista de diez (siempre un poco arbitraria, caprichosa y absolutamente subjetiva) pero que igualmente incluiría entre lo mejor y más interesante del año. Como el intenso y efectista despliegue de Martin Scorsese en La isla siniestra; el cuadro social y humano de la Rusia pre revolucionaria en La última estación (Michael Hoffman); el intenso y tórrido romance extramatrimonial y sus consecuencias en Partir (Catherine Corsini); y hasta el duelo actoral entre Mo'Nique y Gabourey Sidibe en Precious/Preciosa (Lee Daniels), que contenía algún golpe bajo pero que difícilmente dejara indiferente a alguien. El cine argentino estuvo presente con títulos valiosos como Carancho (Pablo Trapero) o El hombre de al lado (Mariano Cohn y Gastón Duprat), y pudimos conocer a nuevos talentos como la mexicana Mariana Chenillo (Cinco días sin Nora) o el célebre diseñador Tom Ford en su faceta de director (Solo un hombre).

Seguramente me estoy olvidando de algo, y seguramente me quedó mucho de bueno para ver. Ni más ni menos que como sucede todos los años.

Enrique Buchichio

Las 10 del 2010 (I)

2010-12-11T00:08:00.005-03:00

Un repaso a las mejores películas que se estrenaron en 2010, aquí en la opinión del crítico de Cartelera.com.uy Pablo Delucis.

1) La cinta blanca (Michael Haneke)

La cuota de gran cine a la que Haneke nos viene acostumbrando año a año. Aquí nos plantea de forma inquietante y con mucho talento, la para nada descabellada hipótesis de que algunos comportamientos sociales de principios de siglo, fueron terreno fértil para el posterior desarrollo del nazismo.

2) Vincere (Marco Bellochio)

La relación oculta del Duce con su primera esposa y la lucha de ésta por ser reconocida. Contada con pasión, emoción y gran fluidez narrativa. Conmueve la actuación de Giovanna Mezzogiorno.

3) Visita inesperada (Tom McCarthy)

Walter Vale (grande Richard Jenkins) es un desencantado profesor que cambiará algunos puntos de vista muy arraigados, al entrar en contacto con una pareja de musulmanes que, por error, ocupan una casa de su propiedad. Como que las cosas no siempre son lo que parecen.

4) La ola (Dennis Gansel)

Otro profesor, esta vez en Alemania, al que un experimento social - al principio inofensivo - se le va de las manos. Turbadora y parcial recreación de un suceso verídico acaecido en Estados Unidos y que muestra como, en muchos comportamientos, la sociedad ha avanzado menos de lo que la mayoría supone.

5) Océanos (Jacques Perrin y Jacques Cluzaud)

Un documental majestuoso desde lo visual y auditivo, además de una declaración de amor a la vida con un marcado llamado de atención en relación a las consecuencias de maltratar a la Naturaleza.

6) Acuso a Rembrandt (Peter Greenaway)

Un documental ficcionado donde Greenaway, analizando minuciosamente el cuadro de Rembrandt “La ronda de la noche”, casi nos convence de que esa obra denuncia un asesinato. El casi lo saco cuando digo que se trata de un formidable trabajo, en el que el veterano director da nuevamente muestras de su buen gusto, de su pasión por las artes, y de su indisimulado afán provocador.

7) La canción de las novias (Karin Albou)

En el marco de una narración por demás atractiva, atrapante y cargada de simbolismo, se llama a la reflexión en cuanto a cómo determinadas costumbres misóginas basadas en posturas religiosas, culturales e ideológicas, marcan la vida de muchos seres humanos; en esta película, se subraya lo que le toca a las mujeres.

8) Solo un hombre (Tom Ford)

Sí, probablemente no sea una película excelente y el final no esté a la altura del resto. Sin embargo, lo que me decide – además de la genial banda sonora y de la ajustada recreación de época - a ponerla en la lista es, por un lado, la forma en que el film se las ingenia para que conozcamos hasta lo más íntimo de los pensamientos de un protagonista en pleno duelo por la muerte de su pareja homosexual y, por otro, la memorable actuación de Colin Firth.

9) El cuarto de Leo (Enrique Buchichio)

Una historia sobre definiciones sexuales contada con naturalidad y sin fundamentalismos. Lo que la hace dar el salto son 4 o 5 escenas notable y – en especial - entrañablemente planteadas.

10) 500 días con ella (Marc Webb)

Otra a la que seguramente muchos no la consideren una gran película, pero me pareció original, inteligente y muy divertida la manera en que se nos cuenta el amor que sintió - ¿sufrió? – Tom (el chico) por Summer (la chica) y su inefable latiguillo: “¿Somos novios, amigos o qué…?”

Realmente este año la lista de 10 me quedó corta. Si bien no estuvo esa gran “obra maestra” (quizás La cinta blanca pueda estar cerca de esa categoría), sí se vieron muchas muy buenas películas. Además de las que integran la lista, no puedo dejar de mencionar títulos como Un hombre serio, El escritor oculto, Háblame de la lluvia, El mejor lugar del mundo, Preciosa, Wendy y Lucy, Norberto apenas tarde, El hombre de al lado, Sin retorno, Cinco días sin Nora, Mundo alas, Las chicas de la lencería, Los amantes, El refugio, Mundialito y seguramente me olvido de algunas. Que se repita.

Pablo Delucis

5 preguntas a: Cecilia Cósero

2010-12-10T03:44:00.003-03:00

Egresada de la Escuela Municipal de Arte Dramático de Montevideo (EMAD), Cecilia Cósero debutó profesionalmente como actriz en la obra Pradera en flor, de Bernardo Cappa, en el hoy desaparecido Mincho Bar (año 2003). Trabajó bajo la dirección de María Dodera (El Hueco, 2004), Jorge Curi (Malezas, 2006), Adel Hakim (Las Traquinias, 2006), Mary Varela (Cigarros, 2007) y Alfredo Goldstein (Amores, 2007). Pero tal vez su rol más recordado sea el del personaje titular en Mi Muñequita (la farsa), de Gabriel Calderón, que se estrenó con gran éxito en 2004 y se ha venido representando desde entonces, incluso en el exterior (Panamá, Costa Rica, El Salvador, España, Argentina).

Radicada desde 2009 en Buenos Aires, donde ha continuado su formación con Ricardo Bartis, Jorge Marrale y Osvaldo Santoro, entre otros docentes, no ha hecho solo teatro sino también televisión y cine. Tras pequeñas participaciones en la serie Uruguayos campeones, de Adrián Caetano, y en la co-producción hispano-uruguaya Paisito, de Ana Diez, hizo su primer co-protagónico en cine en la película El cuarto de Leo, de Enrique Buchichio, por la que acaba de ser nominada como mejor actriz y revelación femenina de 2010 para los premios de la Asociación de Críticos de Cine del Uruguay.

Este viernes 10 de diciembre, en el Centro Cultural de España, realizará una suerte de avant premiere del unipersonal Trinidad Ladrón de Guevara, sobre la actriz del siglo XIX, una verdadera precursora en la lucha por el posicionamiento de la mujer tanto en lo personal como en lo profesional. Bajo la dirección de Marianella Morena, la obra se estrenará en Montevideo y Buenos Aires el año que viene, por lo que esta es una oportunidad única (por el momento) de aproximarse al retrato de una actriz rioplatense poco conocida, a través de una de las mejores actrices jóvenes que tiene nuestro país.

1) ¿Cómo llegás a Trinidad Ladrón de Guevara, y de qué forma te aproximaste a ella como actriz?

Desde hacía tiempo queríamos trabajar juntas con Marianella e increíblemente se nos dio la posibilidad de hacerlo cuando me fui a México porque empezamos a tener más contacto por mail, y eso nos permitió saber lo que buscaba cada una. Ella me comenta sobre Trinidad, yo me puse a buscar información y quedé fascinada, y de ahí decidimos hacer un monólogo sobre esta mujer uruguaya del 800, pionera en la vida y en el teatro.

Más reconocida en Argentina que en Uruguay, muchos no saben que es de Soriano, menos que fue amante de Oribe con el que tuvo una hija, que a los 17 años se va a Buenos Aires para actuar y es amada por todos tanto en la vida como en la escena. Tiene 6 hijos más y se retira de la actuación a los cincuenta y tantos años y muere en la casa de una de sus hijas 20 años mas tarde, pobre y sin que nadie la recuerde.

El amor por la actuación, la condición de mujer (con la que todo es un poco mas difícil), el irme del país, fueron las primeras coincidencias que encontré para empezar a trabajar; ahora con el tiempo me siento mucho más cerca de Trinidad.

2) ¿Se extraña el apoyo de los compañeros de elenco cuando hacés un unipersonal? ¿O es una experiencia teatral tan rica como la colectiva?

Las dos cosas; se extraña a los compañeros porque la energía del otro te modifica, es el ida y vuelta en el escenario, hacés equipo ahí mismo, en la escena. Ayer tuve el ensayo en la sala, fue la primera vez que estuve en un camarín sola y fue muy raro. Y por como trabajo con Marianella, si bien estoy sola en el escenario, ella está muy presente, vamos juntas.

3) Luego del éxito de Mi Muñequita y varios trabajos en Montevideo, incluyendo participaciones como invitada en la Comedia Nacional, te fuiste a probar suerte en México y ahora vivís en Buenos Aires. ¿Cómo han sido esas experiencias? ¿Sentís que fueron decisiones fructíferas?

A mi me encanta Buenos Aires, lo de México fue diferente. En la parte meramente artística no puedo decir que fue fructífero pero irse de un lugar donde te conoce todo el mundo (no hablo como actriz sino en el barrio, en la vuelta) y caer en una ciudad como el DF, vivir 10 meses y poder manejarte ya es un crecimiento personal. Creo que eso aportó para que Buenos Aires me guste tanto ahora. Y hasta para encarar un monólogo.

4) ¿Cómo fue la experiencia de interpretar a Caro en El cuarto de Leo?

A Caro la voy a amar toda mi vida, fue maravillosa la experiencia y muy difícil, eso la hizo más linda. Por suerte Caro llegó con Buchichio, sino no se qué podría haber sido de ella y de mí, porque su trabajo con los actores fue de una claridad, verdad y generosidad que en mi caso - y creo que nos pasó a todos desde que tuvimos el guión, en los ensayos y en el momento de rodar - estábamos tan seguros del personaje que era todo natural. Así como la relación con los otros personajes… Yo estaba muy nerviosa por una escena en la cocina con mi hermana (Sylvia Murninkas), ese día llegó Mariela Rey (asistente en dirección de actores), hicimos un ejercicio y la escena fue súper espontánea y no tuve tiempo de pensar nada. Después de estrenada la película, con la respuesta de la gente con lo que le pasa a Caro, yo quedé feliz.

5) ¿Qué planes y proyectos tenés para 2011?

En marzo estrenamos Trinidad Guevara en Montevideo y en Buenos Aires, con unos días de distancia entre una y otra función a ambos lados del río, como lo haría Trinidad. Y ojalá que surja la posibilidad de hacer cine otra vez.

5 preguntas a Diego Rebella

2010-10-22T15:42:00.004-03:00

Miembro fundador de la banda Sinatras, que editó uno de los mejores discos de 2006 (Subibaja, por el que fue nominada como banda revelación del año en los Premios Grafitti), Diego Rebella nació en Montevideo en 1982. Escucha música desde pequeño y afirma que, si fuera un disco, sería “69 lovesongs” de los Magnetic Fields. Como Jorge Drexler y Gabriel Peluffo es, además de músico, doctor en medicina.

Mientras prepara la vuelta de Sinatras (tanto a los escenarios como a los estudios de grabación), acaba de editar de manera independiente su primer disco solista. Guadalupe 1994 es una hermosa colección de canciones intimistas, sensibles, a veces irónicas, casi siempre emotivas, que tiene puntos en común con la obra de algunos nuevos cantautores uruguayos como Franny Glass, Martín Rivero o Martina Gadea, entre otros. Diego señala entre sus influencias musicales a gente tan variada como Dylan, Thom Yorke, Neil Young, PJ Harvey, Ravi Shankar, Nina Simone, Mandrake Wolf, Tom Waits, Darnauchans, Leonard Cohen, Mateo, Nick Drake, The Beatles y Fernando Cabrera. Y algo de todo esto puede palparse en el disco, que está excelentemente producido y arreglado junto a Guillermo Berta (socio en Sinatras) y dividido en dos partes (“Hay demasiadas puertas en este cuarto” y “El principio del frío”), aunque posee una unidad innegable. Puede escucharse un adelanto aquí.

Si bien esperamos el día en que Diego Rebella presente su disco en una sala, lo cierto es que el clima cálido y descarnado de sus canciones es ideal para un ambiente cercano e intimista como el que se genera en La Lupa Libros (Peatonal Bacacay casi Buenos Aires), donde vuelve a presentarse este sábado 23 de octubre (con entrada libre) y donde puede adquirirse Guadalupe 1994; también está a la venta en Living (Juan Paullier y Prato).

Sobre este proyecto solista le hicimos a Diego las siguientes 5 preguntas (y pico):

1) ¿En qué está Sinatras? ¿Y cuáles considerás que son las diferencias sustanciales entre la banda y este nuevo proyecto solista, más allá de la diferencia más obvia?

Sinatras está en una especie de recreo. Ocurrió que Seba Lluberas (guitarrista) se fue a vivir a Brasil y al ser tan importante para el sonido de la banda decidimos parar un tiempo. Pero luego, el entusiasmo por tocar y las ofertas de fechas fueron mayores, así que hablamos con un gran amigo y gran guitarrista, Christian Clark (Polyester, Los Miopes), lo probamos, cuadró y salimos a tocar. En noviembre tenemos varias fechas y todas muy interesantes. Además, tenemos un segundo disco medio trancado pero que estamos grabando. Así que veremos que sucede.

Este proyecto surgió porque empecé a componer un montón de canciones que nada tenían que ver con Sinatras y que quería perseguir. Creo que la principal diferencia entre las canciones de Diego Rebella y las de Sinatras, dejando de lado cosas más obvias, está en las letras. Con la banda yo opté por relegar las letras a un rol casi que meramente acompañante de las melodías, que son las verdaderas protagonistas allí. Acá la cosa es distinta: las letras tienen una importancia capital y presento las canciones desde ese lugar.

2) ¿Por qué el título “Guadalupe 1994”?

Es la dirección del sitio en el que vivo, de mi casa actual. Además, hay un gran disco de John Cale llamado ‘Paris 1919’, y funciona como un guiño a ese disco que suelo escuchar a menudo. Cuando pensé en el título del disco me pareció que ‘Guadalupe 1994’, además de ser una dirección, etc., era simplemente un lindo título. Guadalupe, ese nombre, está muy bien.

3) Escuchando las letras parece haber un tema casi constante que es el desamor, sin embargo en un reciente recital dijiste que para vos no era tan así. ¿Podrías profundizar un poco sobre qué cosas, experiencias, temas, preocupaciones han inspirado e inspiran tus canciones?

Es un disco que habla de las rupturas. Fue compuesto en condiciones emocionales complicadas: mudanzas, despedidas de mucha gente de mi vida (parejas, amigos, familiares), algunas definitivas y otras transitorias, pero despedidas al fin. Fue mi manera de lidiar con todo ese bagaje emocional. Y la figura de la ruptura amorosa, de ese amor de pareja, chica deja a chico o viceversa, me resulta muy cómoda para manejar sentimientos de pérdidas. Así que algunas canciones que parecen evidentemente escritas acerca de una ruptura amorosa son simplemente ejercicios de camuflaje de emociones similares pero secundarias a situaciones diferentes a las de la ruptura amorosa, y con otros protagonistas.

4) Como muchos cantautores de tu generación, editaste tu primer disco solista de manera independiente. ¿Qué ventajas y desventajas implica esto? ¿Pensás seguir editando de la misma manera tus próximos trabajos?

La principal ventaja es la libertad de poseer y ser dueño de tus canciones y tu obra. Moverla como quieras y hacer con ella lo que plazca. Colgarla en internet, regalar los discos a quien se te ocurra, etc. En cuanto a las desventajas, creo que el hecho de tener que encargarte de la distribución y manejo de los números de venta, etc., es medio engorroso. Al menos no es mi parte preferida. Yo tuve la ventaja de contar con amigos como Ale Lagazeta de La Lupa Libros o Igor Santander de Living que me apoyaron tanto emocional como económicamente y posibilitaron que el disco viera la luz.

La idea, a futuro, es sacar discos y tocar mucho. Si algún sello interesado realiza alguna propuesta conveniente iré por ahí, pero si no seguiré editando independiente. Las canciones están, las ganas también y la necesidad es imperiosa. Así que el resto en realidad es secundario.

5) Si tuvieras la oportunidad de invitar por primera vez a un artista, cualquier sea (de cualquier nacionalidad y época), a cantar en vivo una de tus canciones, ¿quién sería y qué canción le propondrías?

Me gustaría que Neil Young cantara unas terceras agudas en ‘Casi un espejo’ (track 1 de ‘Guadalupe 1994’).

5 preguntas a: Jorge Jellinek

2010-08-14T02:14:00.002-03:00

Hay algo que casi con seguridad ningún crítico de cine espera, y es terminar protagonizando una película. Hay algunos casos de críticos que se pasaron a la dirección, pero a estar delante de la cámara… ninguno que se recuerde. Lo cual convierte a Jorge Jellinek en un caso raro. Luego de 27 años de escribir y opinar sobre cine en varios medios periodísticos, el director Federico ‘Cote’ Veiroj (Acné) le pidió que fuera el protagonista de su segundo largo. Y Jellinek aceptó, seguramente motivado por la misma razón que llevó a Veiroj a hacer la película en primer lugar: el amor por el cine.

En La vida útil (que se estrenó el viernes 13 de agosto en el cine Casablanca), Jellinek interpreta a Jorge, un hombre de 45 años que vive con sus padres y cuya vida gira en torno al cine: desde hace 25 años es funcionario multi tarea de una cinemateca (que en la película es dirigida por Manuel Martínez Carril y se filmó en las instalaciones de Cinemateca Uruguaya, aunque no se la identifica como tal…) y además conduce un programa de radio sobre cine. Cuando la institución enfrenta una seria crisis económica y debe cerrar sus puertas, Jorge sale a la calle, recorre Montevideo, toma coraje, y redescubre el mundo casi como si fuera la primera vez.

Debutar como protagonista de una película tan particular nos parecía motivo suficiente como para hacerle algunas preguntas a Jorge Jellinek, cuya vida también ha girado - y ahora más que nunca – en torno al cine.

1) Después de tu primera reacción tras recibir la propuesta de Federico Veiroj, ¿cuál fue el motivo principal por el que decidiste aceptar?

En primer lugar mi interés era colaborar con Federico para que el pudiera contar esa historia en la que ponía tanto entusiasmo. Además era algo que me resultaba cercano al ambientarse en un entorno como el de Cinemateca que me resulta familiar. Si bien me generaba muchas dudas al yo no ser actor, el personaje tenía puntos de contacto conmigo por lo que en principio no me parecía imposible hacerlo. Por último me despertó mucha curiosidad el vivir la experiencia de estar del otro lado de la pantalla, viviendo algo que nunca había imaginado hacer.

2) A lo largo del proceso de preparación y rodaje, ¿manejaron algún modelo de actuación o presencia en cámara, aunque más no sea como referente? ¿O simplemente el director se limitó a filmar a Jorge Jellinek en base al guión?

No hubo mucho tiempo de preparación, apenas unos pocos ensayos para ver algo del texto y algunos lugares y situaciones. Inclusive al principio ensayamos varias cosas que finalmente no quedaron en la película. Las indicaciones de Federico eran claras y precisas y se limitaban a acciones, gestos y al ritmo más que en aspectos psicológicos del personaje. También apeló a mi memoria cinéfila para recordarme películas que me inspirara, por ejemplo para caminar de cierta forma, pero sin copiar sino simplemente para entender mejor lo que quería. La película está muy cargada de amor por el cine y las referencias son muy diversas.

3) ¿Hay algo que te haya sorprendido, específicamente vinculado a tu actuación y a tu personaje, cuando viste la película por primera vez?

Naturalmente me resultó muy extraño verme en una pantalla y también me ponía nervioso. Pero luego pude superarlo y disfrutar la película como si fuera un espectador más. Además me encantó que la gente se riera o que aplaudieran al final. Nunca había pensado que me pasaría algo así.

4) La película retrata a una institución cultural en crisis, como la verdadera Cinemateca, y apunta a un público, digamos, cinéfilo (como el de Cinemateca). ¿Qué pensás del comportamiento del público cinematográfico actual en Uruguay y de las políticas culturales, específicamente en el terreno del cine, a la hora de ofrecer alternativas al cine comercial?

Es una cuestión muy amplia difícil de resumir en una respuesta. Creo que vivimos una época paradojal en la cual como nunca la gente tiene acceso a toda la historia del cine a través de la computadora o los DVD y por lo tanto ya no es necesario concurrir a una Cinemateca o a una sala especializada para acceder a ciertos materiales. Sin embargo se pierde el cine como fenómeno colectivo, como interacción social. La posibilidad de conversar con amigos o extraños a la salida de la proyección, el ir a tomar un café y analizar durante horas lo que se ha visto. Algo que era normal hace décadas y que hoy es reemplazado por un intercambio muy diferente que se da a través de blogs, chateos y redes sociales. Sin duda son necesarias políticas culturales que apoyen a instituciones como Cinemateca que son un milagro de supervivencia. Creo, además, que sin perder sus objetivos esenciales, como son la preservación, la difusión y la formación del público, estas instituciones deben buscar nuevas estrategias para llegar a otro tipo de espectadores y ser una alternativa válida.

5) Como crítico de cine, ¿sos capaz de hacer una evaluación de la película más allá de tu participación en ella? ¿Qué destacarías de esta segunda película de Veiroj y cuáles te parecen sus aspectos más valiosos?

Naturalmente no puedo dejar de lado el oficio de la crítica que me permite también evaluar esta película. Sin embargo al estar tan involucrado en la misma no me parecería lógico el hacer público ese comentario que naturalmente no podría tener la suficiente distancia con el objeto de estudio. Lo que puedo decir es que el cine de Veiroj en general me resulta muy original y personal, y que es hecho sin especulaciones, desde la pasión de alguien que conoce y vive el cine con gran intensidad.

5 preguntas a: Martina Gadea

2010-06-04T11:55:00.004-03:00

Cinco nominaciones a los premios Graffiti (entre ellas las de mejor compositor, mejor álbum pop y mejor álbum del año) y un premio como mejor artista nuevo, confirman a Martina Gadea (Montevideo, 1977) como una de las revelaciones más interesantes de la música uruguaya del 2009.

Producido por Gustavo Montemurro (quien completa la quinta nominación que recibió el disco como mejor productor del año), Volvé a jugar es una colección de canciones que, ya desde su propio título y arte de tapa, explicita una intención lúdica, por momentos extrañamente melancólica, como si fuera la voz de una niña que se niega a crecer. Pero no hay inmadurez en Martina Gadea; por el contrario, sus canciones hablan de cosas serias, como corazones rotos, amistades perdidas, heridas imperdonables, distancias, felicidad y miedo, y hasta de sueños de cuento de hadas, solo que parece hacerlo con un pie en la adolescencia y otro en la adultez, como queriendo retener el paso del tiempo.

Si hubiera que ubicarla en algún lado, la música de Martina Gadea podría compartir habitación con la de otros jóvenes (varones) que también componen desde una sensibilidad muy delicada y personal, como Franny Glass o Diego Rebella. Aunque influenciada por la experiencia gozosa de lo musical que ella misma reconoce en Martín Buscaglia. En todo caso, Volvé a jugar es una invitación a abrir nuestros propios cajones llenos de recuerdos guardados y sueños imposibles, o - en palabras de su cantautora - “un hilo conductor en donde las cosas más lindas puedan sobrevivir al tiempo.”

Martina Gadea continuará presentando su primer disco los jueves 17 y 24 de junio en El Tartamudo (8 de Octubre y Pte. Berro).

¿Qué cosas te inspiran a escribir? ¿Cómo es tu proceso compositivo?

Me inspiran a escribir todas aquellas cosas que atraviesan mi interés. Realmente debe ser algo que me tenga un poco “en jaque” en el sentido de que no sea totalmente sintetizado racionalmente. Veo el arte como una herramienta trasmutadota de los afectos imposibles de sintetizar de otro modo. Como un intento de zurcir, de expresar, de comprender-me. En general escribo sobre temas atemporales, “clásicos”, comunes a toda época, podría decir “existenciales”. No me considero una artista de “vanguardia” o que esté queriendo experimentar o innovar. Más bien al contrario, hurgar en el pasado y en lo ya existente para ver qué permanece resonando en mí y mantenerlo vivo, en el presente y con mi propio estilo y contenido personal. Generar un hilo conductor en donde las cosas más lindas puedan sobrevivir al tiempo. Mantenerse intactas si se quiere o en permanente reflexión. ¿Qué temas pues? El amor, los amantes, los miedos, la soledad, el desengaño, el dolor, la ilusión, la patria, los orígenes, la inocencia, la rabia, la fe, los sueños, las fantasías, la vida en comunidad, los más débiles, la fragilidad, etc.

¿Y recordás cómo fue el momento exacto (o el proceso) en el cual decidiste que querías dedicarte a esto?

Creo que siempre existió en mí un movimiento hacia adentro, de búsqueda y construcción de un mundo propio con las libertades que eso trae... allí debe haber comenzado la cosa... cuando a los ocho años tuve mononucleosis y estuve dos meses en cama y dibujé dibujé dibujé dibujé, ahí se fortaleció más esa idea, ese placer por imaginar y expresar lo que de uno sale.

A los 18, luego de venir cantando ya hacía años, sucedió algo... un día sentí que me habían sacado como una especie de tapón de bañera de la garganta, sentí que una verdadera voz, más verdadera que la otra, salía y se expresaba, más fuerte, con menos inhibición, aunque igual parte de la esencia de lo que trasmito con mi voz al componer, tiene creo yo una timidez endémica, que revela una parte de mí que pocas veces se ve en mi desempeño social o cuando simplemente hablo, puesto que es lo que intento combatir desde hace 33 años siendo extrovertida, sociable, segura, activa. Esa vergüenza, esa timidez, es parte de mí y recuerdo el momento exacto en que la logré trasmitir con mi garganta y la reconocí como mi manera de trasmitir algo profundamente sincero. Eso que decía de trasmutar afectos imposibles en algo artístico, comunicable, donde otros puedan identificarse y ya sentirnos más acompañados.

¿Te sentís parte de una generación de nuevos cantautores uruguayos? ¿Con quiénes sentís especial afinidad artística?

Parte de una generación de cantautores uruguayos... aun no lo sé... no lo veo tan claro. Tengo especial afinidad con la composición de Martín Buscaglia, creo que me ha inspirado y animado a componer en su momento, hace muchos años. Conocer su música me hizo sentir que podía ser sencillo expresarse, que había por ahí un camino a disfrutar. Así que más que un compañero de generación, por más contemporáneos o amigos que podamos ser, creo que funcionó en mí como un ejemplo, un inspirador. También Mandrake Wolf y el Príncipe, que ya son un poco más viejos (aunque como los “clásicos” parece que el tiempo no los tocara).

Si tuvieras que nombrar a dos maestros o maestras, uno de acá y otro extranjero, que han influido en tu identidad musical ya sea porque aprendiste directamente de ellos o porque son referentes indiscutidos de lo que hacés, ¿quiénes serían? ¿Y por qué?

Mmm no tengo, más allá de lo que ya he dicho.

¿Hacia dónde te gustaría madurar como artista? ¿Tenés idea ya de cómo va a sonar el segundo disco de Martina Gadea?

El segundo disco me gustaría que sonara diferente, poder mostrar otra voz, otros sentimientos, otras actitudes, ya que tengo varias jajajaa.

La imagen de Cannes

2010-03-29T17:24:00.003-03:00

El Festival de Cine de Cannes acaba de dar a conocer el póster oficial de su 63ª edición, que se desarrollará entre el 12 y el 23 de mayo. La imagen es un retrato de la actriz Juliette Binoche - tal vez la mayor estrella del cine francés contemporáneo - fotografiada por Brigitte Lacombe. El diseño gráfico le pertenece a Annick Durban.

El evento, que es el festival de cine más prestigioso del mundo, se inaugurará con la proyección fuera de concurso de Robin Hood, nueva versión del héroe de los bosques de Sherwood dirigida por Ridley Scott (Gladiador) y protagonizada por Russell Crowe y Cate Blanchett. El jurado de la sección oficial será presidido por el realizador Tim Burton.

Imagen: Copyright © Brigitte Lacombe – Diseño gráfico Annick Durban

Las 10 de Hollywood

2010-03-06T17:57:00.014-03:00

Por primera vez desde 1944, las películas nominadas al premio Oscar son diez en lugar de las habituales cinco de las últimas seis décadas. De esta manera la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood aspira a dar protagonismo a un mayor número de películas cada año, aunque la ganadora seguirá siendo, por supuesto, una. Cuál es algo un poco más impredecible que hasta el año pasado, aunque sería poco probable que la triunfadora en el premio máximo (y en el mayor número de galardones) no sean Avatar o Vivir al límite, dirigidas respectivamente por James Cameron y su ex esposa Kathryn Bigelow, o incluso Bastardos sin gloria, de Quentin Tarantino, aunque esto es algo un poco más improbable. Que entre ellas tres esté efectivamente la mejor película del 2009 es algo un poco más discutible. Ciertamente entre las diez candidatas hay películas muy valiosas y otras no tanto, y cada uno tendrá su favorita.

A continuación repasamos precisamente esos diez títulos, así como un perfil de sus directores, cinco de los cuales no están nominados a la mejor dirección. Es que en el resto de las categorías, incluida esta, los candidatos siguen siendo cinco. Este domingo 7 de marzo, en Los Ángeles, es casi seguro que gane el Oscar a la mejor dirección, por primera vez en la historia del premio de la Academia, una mujer. Mientras tanto es muy probable que su ex marido, en tanto, se corone una vez más como el rey del mundo. La taquilla mundial ya le dio la razón.

Amor sin escalas (Up in the Air)

Director: Jason Reitman. Productores: Jeffrey Clifford, Daniel Dubiecki, Ivan Reitman y Jason Reitman. Guión: Jason Reitman y Sheldon Turner, sobre novela de Walter Kirn. Compañía productora/Distribuidora: Cold Spring Pictures - DW Studios - Montecito Picture Company / Paramount.

Sinopsis: Ryan Bingham (George Clooney) es un experto en reducir personal en empresas a través de todo el país, por lo cual su rutina es un viaje casi permanente en aviones y aeropuertos. Cuando su estatus se ve amenazado por la llegada de una colega más joven y arrogante (Anna Kendrick), Ryan comienza a replantearse su propia vida.

6 nominaciones al Oscar: mejor película, director, actor (George Clooney), actriz de reparto (Vera Farmiga y Anna Kendrick) y guión adaptado.

El director: nacido en Montreal, Canadá, en 1977, es hijo del director Ivan Reitman, responsable de comedias como Los Cazafantasmas (1984), Gemelos (1988), Un detective en el kinder (1990), Presidente por un día (1993), Junior (1994), Seis días siete noches (1998) y Evolución (2001). Esta es su segunda nominación al Oscar como mejor director: ya fue candidato hace dos años por Juno (2007).

Nuestra opinión (en pocas palabras): "Un film sobrio y ligero, a medio camino entre la comedia romántica y la mirada hacia lo cruel, cínico y competitivo que es el mundo del empleo en una economía en crisis. Lo más destacable es la actuación de George Clooney al frente de un buen elenco”.

Avatar

Director: James Cameron. Productores: Jon Landau y James Cameron. Guión: James Cameron. Compañía productora/Distribuidora: Lightstorm Entertainment / 20th Century Fox.

Sinopsis: Doce años después de romper la taquilla mundial con Titanic (1997), el director James Cameron volvió a hacerlo con su nueva y visionaria aventura épica de ciencia ficción. En la lejana luna de Pandora, un reacio héroe (Sam Worthington) se embarca en una travesía de redención y descubrimiento mientras lidera una heroica batalla para salvar a una civilización en peligro.

9 nominaciones al Oscar: mejor película, director, fotografía (Mauro Fiore), dirección artística (Rick Carter, Robert Stromberg), montaje (John Refoua, Stephen Rivkin y James Cameron), sonido, efectos sonoros, efectos visuales y música original (James Horner).

El director: nacido en Ontario, Canadá, en 1954, es uno de los grandes visionarios del cine de ciencia ficción hollywoodense (Terminator, El secreto del abismo, Terminator 2: juicio final). En 1998 ganó tres Oscar – como productor, director y montajista – por Titanic (1997). Esta es la segunda vez que es candidato en esas mismas categorías.

Nuestra opinión (en pocas palabras): "Un entretenimiento fascinante, con pasajes de inusual belleza, servido con mano maestra por James Cameron. Es también un alegato ecologista y pacifista, justo en tiempos de creciente militarismo y abuso de recursos naturales”.

Bastardos sin gloria (Inglourious Basterds)

Director: Quentin Tarantino. Productor: Lawrence Bender. Guión: Quentin Tarantino. Compañía productora/Distribuidora: Band Apart / The Weinstein Company - Universal.

Sinopsis: Uno no ha visto la guerra hasta que no la haya visto a través de los ojos de Quentin Tarantino. O al menos así reza la publicidad de esta película, que se ubica al comienzo de la ocupación alemana en Francia, durante la Segunda Guerra Mundial. Allí, el Teniente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza un grupo de soldados estadounidenses judíos conocidos luego como ‘los bastardos’, cuya misión es eliminar a los cabecillas del Tercer Reich.

8 nominaciones al Oscar: mejor película, director, guión original, actor de reparto (Christoph Waltz), fotografía (Robert Richardson), montaje (Sally Menke), sonido y efectos sonoros.

El director: uno de los enfant terribles del cine norteamericano, Tarantino no estudió cine sino que se formó mirando muchas películas clase B cuando era empleado de un video club en Los Ángeles. Nacido en Knoxville, Tennessee, en 1963, es autor de títulos de culto como Perros de la calle (1992), Tiempos violentos (1994), Triple traición (1997) y Kill Bill 1 (2003) y 2 (2004). Esta es su segunda nominación como director: fue candidato en 1995 por Tiempos violentos y ganó ese mismo año, junto a Roger Avary, el Oscar al mejor guión original.

Nuestra opinión (en pocas palabras): "Un divertido disparate sobre tema serio que es, en definitiva, una celebración y reivindicación del cine como espectáculo. Gran trabajo del austriaco Christoph Waltz en el papel de Hans Landa”.

Enseñanza de vida (An Education)

Directora: Lone Scherfig. Productoras: Finola Dwyer y Amanda Posey. Guión: Nick Hornby, sobre las memorias de Lynn Barber. Compañía productora/Distribuidora: Finola Dwyer - Wildgaze Films / Sony Pictures Classics.

Sinopsis: Jenny (Carey Mulligan) es una adolescente de 16 años que vive en los tranquilos suburbios de Londres con sus padres. En plenos años ‘60, su vida da un giro después de conocer a David (Peter Sarsgaard), un playboy de 35 años que la introduce a un mundo de cenas elegantes, clubes y viajes, poniendo en peligro su futuro en la Universidad de Oxford. Tanto el padre de Jenny (Alfred Molina) como la directora de su escuela harán lo posible para que ella retome su educación.

3 nominaciones al Oscar: mejor película, actriz (Carey Mulligan) y guión adaptado.

La directora: es danesa, nació en Copenague en 1959, y formó parte del movimiento Dogma 95 (fundado por sus colegas Lars von Trier y Tomas Vinterberg, entre otros) con la película Italiano para principiantes (2000). Enseñanza de vida no es su primera película hablada en inglés - antes hizo Dos hermanos (2002) en coproducción con Gran Bretaña – pero sí es la primera nominada al Oscar. Ella, sin embargo, no es candidata a la mejor dirección.

Nuestra opinión (en pocas palabras): "Un sutil e inteligente retrato de conductas en una época y sociedad cambiantes, animado por un gran elenco”.

Preciosa (Precious: Based on the Novel Push by Sapphire)

Director: Lee Daniels. Productores: Lee Daniels, Gary Magness y Sarah Siegel-Magness. Guión: Geoffrey Fletcher, sobre la novela "Push" de Sapphire (Ramona Lofton). Compañía productora/Distribuidora: Lee Daniels Entertainment - Smokewood Entertainment / Lionsgate.

Sinopsis: Precious Jones (Gabourey Sidibe) es una adolescente obesa, negra, analfabeta, embarazada por segunda vez de su padre y abusada física y psicológicamente por su madre (Mo'Nique) a la que – a pesar de su dramática situación – se le ofrece cierta luz al final del túnel. Basada en una novela de la escritora afroamericana Sapphire, la película se convirtió en la gran triunfadora del Festival de Sundance 2009 y ha cosechado premios y elogios en cada lugar donde se ha presentado.

6 nominaciones al Oscar: mejor película, director, actriz (Gabourey Sidibe), actriz de reparto (Mo'Nique), guión adaptado y montaje (Joe Klotz).

El director: Lee Daniels nació en Filadelfia, Estados Unidos, en 1959, y al igual que el personaje principal de su película tuvo una relación dificultosa y hasta violenta con su padre, que era policía, que no aceptó la homosexualidad de su hijo. A través de su productora independiente ha impulsado películas como Cambio de vida (2001) –que le valió un Oscar como mejor actriz a Halle Berry- y El hombre del bosque (2004). Después de John Singleton (Los dueños de la calle, 1991), es el segundo director negro en ser candidato al Oscar en los 82 años del premio.

Nuestra opinión (en pocas palabras): "Un drama duro, conmovedor, que rescata la importancia de la solidaridad y la asistencia social ante la desesperanza. Hay un increíble duelo actoral entre Mo'Nique y Gabourey Sidibe, dos de las mayores revelaciones actorales del año”.

Sector 9 (District 9)

Director: Neill Blomkamp. Productores: Peter Jackson y Carolynne Cunningham. Guión: Neill Blomkamp y Terri Tatchell, basado en un guión previo de Neill Blomkamp. Compañía productora/Distribuidora: Block-Hanson / Sony Pictures.

Sinopsis: Tras la llegada de una enorme nave espacial extraterrestre a Johannesburgo (Sudáfrica), sus ocupantes fueron obligados a vivir como "refugiados" en un campo construido en las afueras de la ciudad. Después de 28 años, un burócrata funcionario de gobierno (Sharlto Copley) vivirá en carne propia (literalmente) el tratamiento que le ha dispensado a los extraños visitantes la raza humana.

4 nominaciones al Oscar: mejor película, guión adaptado, montaje (Julian Clarke) y efectos visuales.

El director: nació en Johannesburgo, Sudáfrica, en 1979, pero se radicó en Vancouver, Canadá, 18 años después. Allí estudió cine, especializándose en el uso de la animación 3D y los efectos visuales. Su caso tiene similitudes con el del uruguayo Federico Álvarez (Ataque de pánico) en el sentido de que hizo una serie de cortos que, por su uso de efectos visuales con bajos recursos, llamó la atención de productores, entre ellos el neocelandés Peter Jackson (El Señor de los Anillos), quien decidió respaldar su primer largometraje. Ese largometraje es Sector 9. Blomkamp es candidato al Oscar por el guión, pero no por la dirección de la película.

Nuestra opinión (en pocas palabras): "Un entretenido ejercicio de ciencia ficción que es también toda una alegoría sobre la condición racista y discriminadora del hombre”.

Un hombre serio (A Serious Man)

Directores y productores: Joel Coen, Ethan Coen. Guión: Joel Coen, Ethan Coen. Compañía productora/Distribuidora: Working Title / Focus Features.

Sinopsis: La nueva película de los hermanos Coen es una comedia muy seria (o un drama muy cómico) ambientada en Minnesota en 1967. Larry Gopnik (Michael Stuhlbarg) es un profesor universitario y padre de familia judío cuyo mundo comienza a desmoronarse a partir del momento en que su esposa le habla de divorcio. En medio de su creciente desesperación, Larry buscará respuestas en su religión... aunque no necesariamente las encontrará.

2 nominaciones al Oscar: mejor película y guión original.

Los directores: nacieron en Minneapolis, Minnesota, en 1954 (Joel) y 1957 (Ethan). Su filmografía es impresionante: Simplemente sangre (1984), Educando a Arizona (1987), De paseo a la muerte (1990), Barton Fink (1991), El gran salto (1994), Fargo (1996), El gran Lebowski (1998), ¿Dónde estás, hermano? (2000), El hombre que nunca estuvo (2001), El amor cuesta caro (2003), El quinteto de la muerte (2004), Sin lugar para los débiles (2007). Por esta última ganaron el Oscar a la mejor película, mejor dirección y mejor guión adaptado hace dos años.

Nuestra opinión (en pocas palabras): "Una farsa genial, con aires de tragedia, que resulta en una brillante alegoría sobre la condición humana. Una más para el podio de lo mejor de los Coen”.

Un sueño posible (The Blind Side)

Director: John Lee Hancock. Productores: Gil Netter, Andrew A. Kosove y Broderick Johnson. Guión: John Lee Hancock, sobre el libro "The Blind Side: evolution of a game" de Michael Lewis. Compañía productora/Distribuidora: Alcon - Gil Netter / Warner.

Sinopsis: película basada en una historia real, la de Michael Oher (Quinton Aaron), un adolescente negro de origen humilde que es acogido por una familia blanca y acomodada. En su nuevo ambiente, y en especial gracias al apoyo de su madre adoptiva, Leigh Anne Tuohy (Sandra Bullock), el joven Michael empezará a desarrollar su potencial como prometedor jugador de fútbol americano.

2 nominaciones al Oscar: mejor película y actriz (Sandra Bullock).

El director: nacido en Longview, Texas, en 1957, John Lee Hancock debutó como director en 1991 (con Hard time romance), pero es más conocido como guionista, en particular por dos muy buenas películas de Clint Eastwood: Un mundo perfecto (1993) y Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997). Sus otros filmes como director fueron El novato (2002) y El Alamo (2004).

Nuestra opinión (en pocas palabras): “Un drama sencillo y humano, inspirado en una historia real, cuyo principal atractivo es Sandra Bullock en un ligero cambio de tono. No es el primer drama en el que participa, pero sí su labor dramática más llamativa hasta la fecha”.

Up: una aventura de altura (Up)

Director: Pete Docter (co-director Bob Peterson). Productor: Jonas Rivera. Guión: Bob Peterson y Pete Docter. Compañía productora/Distribuidora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures.

Sinopsis: Carl Fredricksen, un vendedor de globos de 78 años de edad, finalmente logra concretar su viejo sueño de vivir una gran aventura al atar miles de globos a su casa y, así, volar hacia Sudamérica. Sin embargo, apenas iniciado el viaje descubre que, sin quererlo, ha sumado a la travesía a quien se convertirá en su peor pesadilla: un optimista niño explorador llamado Russell. Es la décima película de Disney y Pixar, y la primera en formato 3D.

5 nominaciones al Oscar: mejor película, película animada, guión original, efectos sonoros y música original (Michael Giacchino).

El director: Pete Docter (Bloomington, Minnesota, 1968) ha estado vinculado a varios proyectos de Pixar desde sus inicios, tanto como director como guionista, argumentista, ilustrador y hasta prestando sus voz para algunos personajes secundarios. Fue responsable de la dirección de Monsters Inc. (2001) y participó en los guiones de Toy Story (1995), Toy Story 2 (1999), Monsters Inc. y WALL-E (2008). Con las dos de este año (mejor guión original y película animada) suma seis nominaciones al Oscar.

Nuestra opinión (en pocas palabras): "Los talentos de Pixar vuelven a ofrecer un formidable entretenimiento para cualquier edad, que combina humor, sensibilidad y aventura. Verla en 3D es un plus atractivo pero no necesariamente imprescindible para disfrutarla”.

Vivir al límite (The Hurt Locker)

Directora: Kathryn Bigelow. Productores: Kathryn Bigelow, Mark Boal, Nicolas Chartier y Greg Shapiro. Guión: Mark Boal. Compañía productora/Distribuidora: Voltage Pictures / Summit Entertainment.

Sinopsis: Multipremiada por la crítica, esta película sigue los pasos de una unidad de élite del ejército de Estados Unidos en Irak cuya misión es desactivar bombas en pleno campo de batalla. El nuevo sargento especializado (Jeremy Renner) rápidamente entra en conflicto con sus camaradas debido a sus intrépidos métodos. Es un hombre adicto al peligro, tal vez la única lógica posible para hacer el trabajo que hace...

9 nominaciones al Oscar: mejor película, dirección, actor (Jeremy Renner), guión original, fotografía (Barry Ackroyd), montaje (Chris Innis y Bob Murawski), música original (Marco Beltrami y Buck Sanders), sonido y efectos sonoros.

La directora: nacida en San Carlos, California, en 1951, estuvo casada con James Cameron entre 1989 y 1991. Es una realizadora especializada en “películas masculinas”, lo que quiere decir que ha transitado con éxito géneros frecuentemente preferidos por los hombres, como el terror (Cuando Cae la Oscuridad, 1987), el policial (Punto Límite, 1991), el thriller de ciencia ficción (Días Extraños, 1995) o el cine bélico (K-19, 2002). Esta es su primera candidatura al Oscar. Es apenas la cuarta directora mujer en ser nominada al premio de la Academia, luego de Lina Wertmüller (Pasqualino Sietebellezas), Jane Campion (La lección de piano) y Sofia Coppola (Perdidos en Tokio).

Nuestra opinión (en pocas palabras): "Equivalente cinematográfico de una bomba de tiempo, la película funciona como un thriller de suspenso extremo ambientado en la guerra de Irak. Adrenalina pura, sin cuestionamientos morales y con excelente elenco”.

Humor con cara de mujer

2010-01-15T00:12:00.004-03:00

Mucha Cháchara, que se estrena el viernes 15 de enero en UnderMovie, es un espectáculo de "stand up comedy" (monólogos de humor) protagonizado exclusivamente por mujeres (pero apto para cualquier género). Ellas son: Manuela da Silveira, Emilia Díaz, Verónica Perrotta y Angie Oña.

Lo que sigue es la presentación (honesta, mordaz, implacable) que cada una de ellas hizo de sí misma:

Manu (Manuela da Silveira)

“Nací en 1982, y se partió la tablita, pero les juro que no tuve nada que ver. Soy la segunda de tres hermanos. Cuando mi mamá me contó que iba a tener otro hijo, le dije que yo también. Tuve un almohadón en la panza durante nueve meses, o sea: estuve embarazada al mismo tiempo que mi madre, cosa que no cualquier mujer puede decir.

Me llamo María Manuela, María porque es lindo, y Manuela por una canción de Julio Iglesias que le gustaba a mis padres. Mi nombre era un nombre raro cuando yo era chica. Las compañeras de clase me pedían permiso para ponerle Manuela a sus mascotas.

Estudié Ciencias de la Comunicación, me fui a vivir a México y me hice experta en putear en mexicano. Volví a Uruguay y después de un breve pero infructuoso pasaje por el mundo de la publicidad, empecé a guionar para tele. Ahí me volví experta en putear en uruguayo.

Superpoderes: Hija del Toto. Experta en salsas para los tallarines. Muy buena haciendo danza árabe.

Talón de Aquiles: Hija del Toto. Severos problemas de lumbago pese la edad... no me puedo subir a montañas rusas ni tomar alcohol. Soy adicta al Migraperifar...”

Emi (Emilia Díaz)

“Estudié arte dramático en Maldonado. Teniendo en cuenta la historia de la dramaturgia fernandina, equivale a decir que estudié oceanografía en Asunción del Paraguay. Mi debut artístico fue en teatro en 1994 (N. de R.: negritas agregadas). Me he despempeñado como actriz en más de 28 espectáculos, de los cuales usted seguramente no recuerde ninguno. Sino haga la prueba. A ver... ¿vio?

También trabajé en “Plop!” y “El Teléfono”, con Ruben Rada, lo que me convierte en la joven más vieja de los medios. Conduje “Pasión de Carnaval” y “Consentidas”, compartiendo panel con figuras de nuestra cultura como: ... (N. de R.: acá decía María Gomensoro y el Payaso Pelusita, ¿a usted le parece?)

Salí en Carnaval en los años 2001 y 2002 en la Murga Curtidores de Hongos y mi desempeño en la bañadera me valió la distinción de Mejor Actriz de Reparto, Actriz Revelación y Mejor Actriz Protagónica. En ese orden. De atrás para adelante. De la bañadera. No es por pillarme, pero es muy difícil en este breviario atender todas mis distinciones. Sin despreciar, no quiero olvidarme del Joven Sobresaliente que me gané en el 2003. Se llamaba Luis, tenía 16 años y después de repetir cuatro veces sexto, pasó con Sote al liceo”. (N. de R.: Acá se cortó la biografía, créame que la comediante profundizaba sus investigación sobre el humor picaresco).

Angie (Oña)

“Tengo 27 años y ya soy actriz, dramaturga, directora y docente. ¿Eso no lo hace sentir a usted un fracasado? ¿No? Es sólo a mí entonces. Ejerzo (la docencia) en la Escuela de Comedia Musical, pero no me imagine con plumas, y eso que gané un premio a mis atributos (artísticos) (N. de R.: paréntesis agregados)

Egresé de la EMAD y estrené numerosos espectáculos en cartel desde el 2003, lo que habla muy bien de mi capacidad de trabajo, y muy mal del éxito de dichos espectáculos.

Me parece horrible lo que hicieron mis compañeras de ponerse a enumerar sus cocardas, sería muy feo que yo hiciera lo mismo; y eso que algunos valen la pena, como el Florencio a Actriz de Reparto y a Revelación, la beca Luis Cerminara, el Joven Sobresaliente, la Mención Especial del CONTA, y varias veces la distinción en los Encuentros de Teatro Joven. Tomá pa vos!

No salgo en la tele, ni salí, y probablemente no salga nunca. No me importa.

Mentira, me importa sí. Ah! Viví algunos años con Emilia, así que eso me acerca a ser famosa. Podría contar muchas cosas de ella, ¿le interesa? ¿Le puedo dejar mi celular? En serio, no dude en llamarme, no tengo escrúpulos y estoy desesperada por ser famosa, soy capaz de hacerme un stand up en la cara”.

Vero (Verónica Perrotta)

“Nací en Montevideo en el seno de una familia que siempre me estimuló el contacto con otros senos. Soy la coautora de “Qué pasó con B.N.?” y “El Gyoji”, obras tan complejas en sus nombres como en su contenido. Asistí a José Sanchis Sinisterra en la dirección de “Cartas de amor a Stalin” de Juan Mayorga en Barcelona en el año 2000. (N. de R.: Ítem incomprobable)

En el 2006 escribí y dirigí “Quemadura China”, obra brutalmente naturalista que proponía al público una tortura similar con sólo presenciarla. En el 2007 escribí e interpreté “Harold y Bety”, apostando siempre a personajes bien orientales.

Actué en las siguientes películas: La Espera, Whisky, Acné y Flacas Vacas. Esta última con guión y referencia propia. Se estrenará en la Expo Prado 2010.

Recibí varios premios Florencios y Premios Anuales de Literatura del MEC que representaron un reconfortante halago (económico). Desde hace dos años estudio en la Maestría de Dramaturgia del Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA) Buenos Aires, lo que me permitió entre otras cosas haber pasado el 30% de mi vida subida en la Cacciola. Espero que este espectáculo de Stand Up me permita cumplir un sueño: conocer a Manuela y que me consiga un trabajo en la tele”.

Naturaleza viva

2010-01-12T21:46:00.005-03:00

Into the Wild*, la cuarta película que dirige ese actorazo que es Sean Penn después de The Indian Runner (1991), The Crossing Guard (1995) y The Pledge (2001), está basada en una historia real contada en un libro por Jon Krakauer. Cuenta la historia de Christopher McCandless (Emile Hirsch), un joven de 22 años que tras graduarse con honores de la Universidad de Emory (Atlanta, Georgia) a comienzos de la década de 1990, decidió despojarse de todas sus posesiones (incluyendo sus ahorros de 24.000 dólares, los cuales donó a una ONG internacional) y desaparecer silenciosamente rumbo a Alaska haciendo dedo.

Fue el principio de una aventura increíble, a lo largo de la cual se topó con una serie de personajes que moldearon su experiencia, al tiempo que él, con su personalidad idealista y compradora, dejó una profunda huella en cada uno de ellos (es particularmente conmovedor su encuentro con un viejo solitario, interpretado maravillosamente por Hal Holbrook).

La película recuerda mucho a Grizzly Man (2005), un estupendo documental de Werner Herzog sobre Timothy Treadwell, quien se fue a vivir entre los osos grizzly de Alaska y terminó devorado, junto a su novia, por uno de los animales a los que pretendía proteger (según los videos que dejó grabados, de la civilización depredadora…). Pero si bien la historia de Christopher McCandless también tiene un triste final (él también se topó con un oso, pero eso no fue lo que selló su trágica suerte…), se trata de individuos bastante diferentes: mientras que Treadwell estaba loco y su aventura salvaje lo condujo hacia un descenso en sus propios infiernos, McCandless era básicamente un idealista, un “inadaptado” social que no quería aceptar las reglas de juego que dominaban la vida burguesa y capitalista, la misma que llevaban sus padres y que estaban destinados a emprender él y todos sus compañeros de universidad.

Que no era el típico joven estadounidense ya queda claro cuando rechaza el regalo de graduación de su padre: “no necesito un auto nuevo”, le dice con humilde convicción. Era algo así como un rebelde pero que al mismo tiempo no quería alterarle la vida a nadie con su inconformismo, ni joder a los demás con sus tribulaciones; simplemente quería encontrar su propio camino, y algo dentro suyo le decía que su camino estaba bastante al norte, dentro de la naturaleza profunda de Alaska, y lejos de las comodidades de su hogar suburbano de clase media acomodada.

El relato en off de su hermana (Jena Malone) –nunca invasivo, explicativo en su justa medida, y sobre todo intentando ser comprensivo hacia las motivaciones de su hermano- ofrece algunos datos sobre la infancia y adolescencia de Chris, datos que ayudan a comprender las razones de su necesidad de alejamiento, de una decisión de desaparecer sin dejar rastros que fue casi como un castigo para su familia, especialmente para su padre (William Hurt).

Pero su viaje era más que nada interior; Chris McCandless había salido una mañana en busca de su propia identidad, y su inocencia y despojamiento son conmovedores por infrecuentes. Y Sean Penn, que siempre ha sido de alguna manera un inadaptado en su propio ambiente –la maquinaria industrial de Hollywood- se conmueve con la historia de Chris al punto de convertirlo, incluso con referencias cristianas muy fuertes (Chris era sumamente creyente) casi en una suerte de héroe romántico y trágico, que transforma a todos aquellos que toca o que roza, aunque más no fuera por un instante. Su frágil imagen, sobre el final de la película, enfrentado a uno de los mayores peligros naturales que le rodeaban, lo emparenta con un Cristo ya abandonado a su suerte, casi resignado al destino que Dios le tenga preparado.

Pero connotaciones religiosas al margen, Into the Wild (una de las películas norteamericanas más interesantes del 2007) es ante todo una apasionante y finalmente conmovedora road movie existencialista, condimentada con bellas canciones de Eddie Vedder (vocalista de Pearl Jam), hermosa música de Michael Brook, y una abrumadora fotografía de Eric Gautier que aprovecha cada aspecto de la naturaleza que rodea al protagonista. Es una película bellísima y simple, que deconstruye el derrotero de Chris en el tiempo, sin seguir una línea cronológica precisa sino más bien revelando los aspectos fundamentales de su aventura, hacia atrás y hacia delante, en busca de la esencia de su viaje. Fue un viaje relativamente breve para el tiempo de vida de Chris McCandless (24 años), pero al final uno se queda con la sensación de que fue precisamente ese viaje lo que le dio sentido a su vida.

Por Enrique Buchichio (www.cartelera.com.uy)

* Into the Wild se está exhibiendo en TV cable (Cinecanal) con el título “Camino Salvaje”. También puede conseguirse en DVD como “Hacia rutas salvajes”.

The Hurt Locker: mejor película de 2009 según los críticos de internet

2010-01-08T09:34:00.003-03:00

The Hurt Locker, un intenso drama sobre soldados norteamericanos expertos en desarmar bombas en Irak, fue consagrada como la mejor película de 2009 por la Online Film Critics Society (Sociedad de Críticos de Cine Online). La película, dirigida por Kathryn Bigelow, competía junto a Bastardos sin Gloria (Quentin Tarantino), A Serious Man (Joel & Ethan Coen), Up (Pete Docter y Bob Peterson) y Amor sin Escalas (Jason Reitman).

En la 13ª entrega anual de premios a las mejores películas del año (que se realiza, como no puede ser de otra manera… online), The Hurt Locker también recibió honores en las categorías de mejor dirección (Kathryn Bigelow), mejor actor (Jeremy Renner) y mejor montaje (Chris Innis y Bob Murawski).

Otro film favorito de los críticos de internet, ambientado en otros tiempos de guerra, fue Bastardos sin gloria, que recibió otros cuatro premios: mejor actriz (Melanie Laurent), mejor actor de reparto (Christoph Waltz), mejor guión original (Quentin Tarantino) y mejor fotografía (Robert Richardson).

Anvil!: The Story of Anvil fue señalado como mejor documental, Up como mejor película animada, y Das weisse band, de Michael Haneke (ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2009) como “mejor película en idioma no inglés”.

La Sociedad de Críticos de Cine Online, de la que es miembro el editor y crítico de Cartelera.com.uy, Enrique Buchichio, reúne a críticos de cine que escriben principal o únicamente en sitios de internet. Si bien es una organización internacional con miembros en todo el mundo, la mayoría de ellos se encuentran en Estados Unidos, por lo que las películas consideradas son en general aquellas estrenadas en ese país a lo largo del año anterior. The Hurt Locker, por ejemplo, aún no tiene fecha de estreno en Uruguay.

Este premio se suma a una larga lista de reconocimientos y nominaciones de la crítica especializada, así como también de los sindicatos de actores, productores y directores de Estados Unidos, los que permiten augurar que la película sea una de las favoritas en la próxima entrega de los premios Oscar.

La lista completa de premios otorgados por la Sociedad de Críticos de Cine Online es la siguiente:

Mejor película: The Hurt Locker
Mejor dirección: Kathryn Bigelow (The Hurt Locker)
Mejor actor: Jeremy Renner (The Hurt Locker)
Mejor actriz: Melanie Laurent (Bastardos sin gloria)
Mejor actor de reparto: Christoph Waltz (Bastardos sin gloria)
Mejor actriz de reparto: Mo'Nique (Precious)
Mejor guión original: Quentin Tarantino (Bastardos sin gloria)
Mejor guión adaptado: Wes Anderson y Noah Baumbach (Fantastic Mr. Fox, sobre cuento de Roald Dahl)
Mejor documental: Anvil!: The Story of Anvil
Mejor película en idioma no inglés: Das weisse band
Mejor película animada: Up
Mejor fotografía: Robert Richardson (Bastardos sin gloria)
Mejor música: Michael Giacchino (Up)
Mejor montaje: Chris Innis y Bob Murawski (The Hurt Locker)

Ver la "entrega de premios online":

La lista completa de nominaciones se puede consultar aquí.

Donde entran 5 entran 10

2010-01-05T00:43:00.004-03:00

En 2009, el Consejo de Gobernadores de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood decidió extender a 10 el número de películas que competirán por el premio Oscar a la mejor película del año.

Desde 1944 eran cinco las películas nominadas en la máxima categoría del premio más codiciado del cine estadounidense (o podríamos decir del cine, a secas). Entre 1928 y 1930, los tres primeros años del Oscar, fueron cinco las candidatas. Para 1932 el número se extendió a ocho, y al año siguiente fueron diez. En 1934 y 1935 fueron nada menos que 12 las candidatas, y entre 1936 y 1943 volvieron a ser diez. El último año en que se nominaron diez películas, 1943 (la entrega se realizó en marzo de 1944), la ganadora fue un clásico de clásicos: Casablanca. Desde 1945 las candidatas volvieron a ser cinco, hasta el año pasado en que ganó ¿Quién quiere ser millonario?

Precisamente hace un año, a comienzos de 2009, muchos críticos y fanáticos se lamentaban de que el reducido número de nominaciones a mejor película dejaba una vez más fuera de carrera a títulos muy populares e incluso reverenciados por la crítica (como Batman: el Caballero de la Noche o WALL-E) que no suelen ser considerados “prestigiosos” por muchos votantes de la Academia, quienes prefieren inclinarse ante películas y géneros más convencionales (dramas, romances, temas históricos, casos verídicos, etc.). Y algo de razón tenían: la última película animada que compitió por el Oscar mayor fue La Bella y la Bestia, en 1991, y en esa época no existía la categoría de mejor película animada. ¿Y alguien recuerda cuándo fue la última vez que una película de acción, ya no digamos una de superhéroes, fue candidata al Oscar?

Seguramente estos argumentos (además del más evidente: aumentar con más películas la popularidad del premio y por lo tanto su teleaudiencia) estuvieron sobre la mesa de los Gobernadores cuando se decidió duplicar el número de films nominados. Como resultado, aquellos que tienen por costumbre ver cada una de las películas candidatas antes de la entrega del Oscar la tendrán un poco más difícil este año.

Además del aumento en el número de films nominados a mejor película (en el resto de las categorías el número sigue siendo cinco), se cambió el sistema de votación para la segunda ronda de votos. Ahora el sistema será de “voto preferencial”, generalmente usado en la primera ronda para decidir las nominaciones; a partir de este año, en lugar de marcar con una X la película que desean que gane, los miembros de la Academia indicarán también cuál es su segunda, tercera, cuarta opción, y así sucesivamente, de manera de garantizar que el resultado refleje con mayor exactitud la decisión colectiva. De esta manera, la película que finalmente resulte ganadora lo hará no sólo con el voto de aquellos miembros que la consideraron la mejor, sino también con la acumulación de puntos adjudicados por la preferencia de una mayoría de votantes.

En lugar de tratar de entender si todo esto tiene sentido para entregar un Oscar, ¿qué tal si intentamos responder la pregunta que casi todo el mundo interesado en el tema se está haciendo por estos días?: ¿hay 10 producciones hollywoodenses en un solo año que merezcan ser candidatas al Oscar a la mejor película?

Lo primero que hay que recordar es que, para ser considerada candidata, una película tiene que haber sido estrenada en un cine de Los Angeles y exhibida consecutivamente durante al menos una semana. Esa película puede ser, claro está, de cualquier origen, de manera que una película como Los Abrazos Rotos, de Pedro Almodóvar (España), o La Nana, de Sebastián Silva (Chile), puede ser candidata siempre que obtenga los votos necesarios. Pero conociendo el nacionalismo histórico de los académicos, es poco probable que eso suceda; al menos este año no parece haber una La Vida es Bella (1998) o El Tigre y el Dragón (2000) que haya tenido el suficiente éxito de público en Estados Unidos como para convertirla en una sensación local del cine extranjero.

En total, y más allá de su nacionalidad, este año hay 274 films elegibles. A continuación presentamos las películas que predecimos integrarán la lista de diez candidatas a la mejor película de 2009, teniendo en cuenta la consideración y preferencias de la crítica norteamericana, los premios y nominaciones (Globo de Oro, Sindicato de Actores) que han recibido hasta ahora, y un poco de sentido común. El orden es estrictamente alfabético (a partir del título original), y más abajo se incluye una lista de otras diez que podrían dar una sorpresa colándose en la lista, y desbancando, claro está, a una de las diez primeras.

1) A Serious Man

Ambientada en 1967, la nueva comedia de los hermanos Joel & Ethan Coen (ganadores del Oscar hace dos años con la violenta Sin Lugar para los Débiles) es un prodigio de caracterización de personajes, situaciones bizarras, y acumulación de tensiones para su protagonista (un excelente Michael Stuhlbarg), padre de familia judío cuya vida comienza a desmoronarse desde el momento en que su esposa (Sari Lennick) le pide el divorcio.

Posibles nominaciones: mejor película, director(es), guión original, actor (Michael Stuhlbarg), actriz de reparto (Sari Lennick), fotografía, dirección de arte, vestuario, montaje (9).

2) An Education

El debut en el cine anglosajón de la ex Dogma 95 Lone Scherfig (Italiano para Principiantes) es una adaptación de las memorias de Lynn Barber y cuenta la historia y maduración de una adolescente en el Londres de 1960, a partir de su relación con un hombre que le dobla en edad.

Posibles nominaciones: mejor película, guión adaptado, actriz (Carey Mulligan), fotografía, dirección de arte, vestuario (6).

3) Avatar

Doce años después de Titanic (1997), James Cameron vuelve a romper la taquilla con su nueva y visionaria obra, un relato pacifista y ecologista de ciencia ficción que establece nuevos parámetros en el uso de los efectos visuales y la tecnología 3D. ¿Pero volverá a llevarse múltiples Oscar y auto proclamarse otra vez como “el rey del mundo”?

Ver tráiler en YouTube

Posibles nominaciones: mejor película, director, fotografía, montaje, dirección artística, efectos visuales, sonido, efectos sonoros, música, canción original (10).

4) The Hurt Locker

Estrenada hace varios meses, durante la primera mitad del año, este realista drama bélico ambientado en Irak narra las peripecias de un soldado (Jeremy Renner) especializado en desactivar bombas en pleno frente de batalla. Viene ganando casi todos los premios de la crítica especializada y reivindicando el nombre de su directora, Kathryn Bigelow, una veterana experta en cine de acción (Punto Límite, Días Extraños, K-19).

Posibles nominaciones: mejor película, directora, guión original, actor (Jeremy Renner), actor de reparto (Anthony Mackie), fotografía, montaje, sonido, efectos sonoros, música (10).

5) Inglorious Basterds (Bastardos sin gloria)

Desde que confirmó su estatus de director de culto con Pulp Fiction, 15 años atrás, Quentin Tarantino no se encontraba tan cerca de ser un serio candidato a llevarse el Oscar a la mejor película. Su delirante, violenta y divertida “parodia” al género bélico, y en especial al cine sobre la Segunda Guerra Mundial, ha dividido la opinión de sus seguidores y de los críticos de todo el mundo, pero difícilmente divida lo suficiente a los miembros de la Academia como para quedar fuera de competencia. Sea como sea, hay un premio que ya tiene prácticamente grabado el nombre de su receptor: Christoph Waltz como mejor actor de reparto.

Posibles nominaciones: mejor película, director, guión original, actor de reparto (Christoph Waltz), actriz de reparto (Diane Kruger), fotografía, montaje, dirección artística, vestuario, maquillaje, sonido, efectos sonoros (12).

6) Invictus

Clint Eastwood tendría que hacer una película muy mala, como las que hacía antes, de tanto en tanto, para no ser considerado un serio candidato al Oscar. Todas las reseñas parecen indicar que este retrato biográfico sobre el líder sudafricano Nelson Mandela (Morgan Freeman), y sus esfuerzos por reunificar a su país tras el Apartheid, lo volverá a poner en competencia.

Posibles nominaciones: mejor película, director, actor (Morgan Freeman), actor de reparto (Matt Damon), guión adaptado, música, canción original (7).

7) Nine

Tal vez el único genero que mantiene un pie en el viejo Hollywood de la edad de oro sea el cine musical, y si además está servido de la mano de un puñado de estrellas como en este caso, la nominación al Oscar está asegurada. El director Rob Marshall (cuyo primer musical, Chicago, ganó el Oscar a la mejor película en 2002) ha reunido a Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard (La Vie en Rose), Penélope Cruz, Nicole Kidman, Judi Dench, Kate Hudson y Sophia Loren para esta espectacular adaptación del musical de Broadway, inspirado a su vez en la icónica 8 y Medio de Federico Fellini.

Ver tráiler en YouTube

Posibles nominaciones: mejor película, actor (Daniel Day-Lewis), actriz de reparto (Penélope Cruz), fotografía, montaje, dirección artística, vestuario, sonido (8).

8) Precious: Based on the Novel Push by Sapphire

Desde su estreno en el Festival de Sundance 2009, donde ganó tres de los premios más importantes, este film independiente viene arrasando en el circuito de festivales, siendo al mismo tiempo un favorito del público allí donde se exhibe. “Amadrinado” por Oprah Winfrey, una celebridad capaz de convertir en oro todo lo que toca o recomienda (en este caso se convirtió, además, en productora ejecutiva), Precious es un oscuro drama sobre una adolescente obesa, negra, analfabeta, embarazada por segunda vez de su padre y abusada física y psicológicamente por su madre (Mo'Nique) a la que – increíblemente – se le ofrece cierta luz al final del túnel.

Posibles nominaciones: mejor película, director, guión adaptado, actriz (la debutante Gabourey Sidibe), actriz de reparto (Mo'Nique), fotografía, montaje, música, canción original (9).

9) Up (Up: una aventura de altura)

El desarrollo de la producción de Pixar (Toy Story, Buscando a Nemo, Los Increíbles, Ratatouille, WALL-E), tanto en animación como en ideas e historias, viene creciendo año a año, algo reconocido por varios premios Oscar a la mejor película animada y nominaciones en otras categorías, sobre todo guión. Este año es muy probable que el premio en la categoría de animación vuelva al estudio creado por John Lasseter, pero eso no impedirá que Up, la entretenidísima aventura de un anciano quejoso, un niño explorador y una casa voladora, consiga una nominación (la primera desde 1991 para un film animado) a la mejor película.

Posibles nominaciones: mejor película, película animada, guión original, música, efectos sonoros (5).

10) Up in the air (Amor sin Escalas)

Hijo de Ivan Reitman (el director de Los Cazafantasmas, entre otras), Jason Reitman es uno de los realizadores de carrera más ascendente en el Hollywood de los últimos años. Tras su elogiado debut con Gracias por Fumar (2005) y su primera nominación con La Joven Vida de Juno (2007), confirma su talento en esta comedia dramática, adaptación de una novela de Walter Kirn sobre un experto en reducción de personal (George Clooney) que comienza a replantearse su profesión y su modo de vida.

Posibles nominaciones: mejor película, director, guión adaptado, actor (George Clooney), actriz de reparto (Vera Farmiga, Anna Kendrick) (6).

Las otras diez:

1) (500) Days of Summer (500 días con ella)

Una deliciosa comedia romántica narrada con inteligencia, originalidad y frescura, pero es poco probable que aspire a otro premio que no sea el de mejor guión original y, tal vez, mejor montaje.

2) A Single Man

Adaptación de una novela de Christopher Isherwood con la que debuta como director y guionista el diseñador de modas Tom Ford (vinculado a las firmas Gucci e Yves Saint Laurent antes de emprender una carrera propia). Colin Firth es un casi seguro candidato al Oscar como mejor actor por su interpretación del “hombre soltero” del título original, un homosexual en las sombras que intenta recuperarse de la temprana muerte de su pareja en Los Angeles de los años ’60. También se habla de una posible nominación para Julianne Moore como actriz secundaria.

3) The Blind Side

Acá la muy probable candidata como mejor actriz es Sandra Bullock, que – lejos de su imagen de comediante – interpreta a la madre adoptiva de un adolescente deportista negro con un pasado de adicción, discriminación y abuso.

4) Brothers

El irlandés Jim Sheridan (En el nombre del padre, Tierra de sueños) dirige esta remake de un drama danés dirigido en 2004 por Susanne Bier, en la que Jake Gyllenhall se hace cargo de la familia de su hermano (Tobey Maguire) cuando éste parte a luchar en Afganistán. Maguire tiene una nominación al Globo de Oro, al igual que la canción original de U2.

5) District 9 (Sector 9)

Fue una de las sorpresas del año, y uno de los films de ciencia ficción más originales de los últimos tiempos. Pero si hay una película de ese género en competencia este año será Avatar, aunque es probable que a District 9 la nominen como mejor guión adaptado, montaje y efectos visuales.

6) Fantastic Mr. Fox

Esta adaptación de un cuento de Roald Dahl a cargo de Wes Anderson (La Vida Acuática, Viaje a Darjeeling) reboza creatividad y talento, pero lo más probable es que ocupe una nominación como mejor película animada y tal vez por su guión adaptado, que es brillante.

7) The Lovely Bones (Desde mi cielo)

Los críticos se han dividido en torno a esta nueva película de Peter Jackson (El Señor de los Anillos, King Kong), que adapta una novela de Alice Sebold sobre una adolescente asesinada que intenta proteger a su familia desde el más allá. Sobre lo que parece haber consenso es sobre la sorprendente actuación de Stanley Tucci como vecino psicópata, asegurándole una muy probable candidatura como actor de reparto. Otras nominaciones posibles: guión adaptado, fotografía, efectos visuales.

8) The Messenger

Así como en la lista de diez hay sólo lugar para una película de ciencia ficción, lo mismo puede decirse de los dramas sobre la guerra en Medio Oriente. A diferencia de The Hurt Locker, esta película de Oren Moverman se ocupa del regreso a casa, a partir de la experiencia de un ex soldado encargado de notificar a las familias el deceso de sus hijos en combate. Woody Harrelson es un muy probable candidato como actor de reparto, al igual que Samantha Morton.

9) The Road

Esta aventura apocalíptica, dirigida por John Hillcoat sobre una novela de Cormac McCarthy (Sin lugar para los débiles), luce en principio demasiado oscura y pesimista como para atraer la atención de la Academia. Pero sería injusto que no obtenga nominaciones por sus logros técnicos, sobre todo la fotografía y la dirección artística. También merece atención la actuación protagónica de Viggo Mortensen.

10) Where the Wild Things Are

Aunque adapta un breve cuento para niños de Maurice Sendak, esta no es tanto una película para niños como una película sobre la infancia, y en particular sobre el poder de convivir con la imaginación. El director Spike Jonze es un independiente favorito de la Academia (¿Quieres ser John Malkovich?, El Ladrón de Orquídeas), pero sería altamente sorpresivo que esta película obtenga una nominación más allá de la de mejor guión adaptado, efectos visuales, música y/o canción original.

Las nominaciones al Oscar se darán a conocer el martes 2 de febrero de 2010.

Más temprano que tarde: Taylor Mitchell

2009-10-30T17:58:00.006-03:00

Hay muchos talentos desperdigados por el mundo, desconocidos para el gran público. Y no me estoy refiriendo a los participantes de esos "talent shows" que pululan por todas partes, y gracias a los cuales amas de casa anónimas pueden cobrar fama mundial en cuestión de horas sólo por atreverse a "soñar su sueño", como le sucedió a la escocesa Susan Boyle.

La chica de la foto, con reminiscencias de Alanis Morriset, es una cantante folk canadiense llamada Taylor Mitchell. A los 19 años era toda una promesa de la música "country" del gran país del norte, poseedora de una cálida voz, tal vez no original en su género pero sí capaz de componer y entonar armoniosas canciones que pueden resultar familiares aún en una primera escucha. Había sido nominada a los Canadian Folk Music Award 2009 como Artista Joven del Año, y estaba en plena gira de presentación de su primer CD, For Your Consideration. La chica tenía un futuro, sin duda. Tenía... Porque el pasado 28 de octubre perdió la vida durante una excursión por un Parque Nacional de Nueva Escocia (Canadá). Y de una forma trágica e incomprensible: fue ataca por coyotes.

Lo irónico de todo esto, si es que algo irónico puede encontrarse en la pérdida de una vida joven, es que Taylor era una amante de la naturaleza, de la vida al aire libre, y por lo tanto ambientalista. Cuenta su madre, en una dolorosa carta publicada en el sitio web de la cantante, que cuando se tomó la decisión de matar a la manada de animales que la habían atacado, le oyó decir a Taylor: "por favor, no, este es su espacio..." Cuesta - pero reconforta - creer que existe gente en este mundo capaz de no sentir rencor ni odio ni siquiera en el último instante de su vida, ¿no? Sobre todo cuando esa vida es arrancada demasiado temprano y de manera tan salvaje.

Yo no tenía ni idea de la existencia de Taylor Mitchell hasta hoy, en que me crucé con un llamativo titular en la BBC. Y después de leer unas pocas líneas sobre ella, la carta de su madre, y escuchar algunas de sus canciones, siento que ya la estoy extrañando.

El Coro

2009-10-23T17:58:00.002-03:00

Por Chuchú

Hace unas semanas me enganché con un programa que por casualidad vi en Film & Arts llamado “El coro”, los viernes a las 22 hs. y que repiten a la una de la mañana. Es la segunda temporada (no sé si este canal habrá pasado la primera), y es un programa inglés producido por la BBC de Londres. Investigando un poco, supe que ganó el premio Bafta y que ya hay una tercera temporada en camino.

Lo interesante de este programa es de lo que trata. Cuando las ideas estúpidas para hacer nuevos y “originales” reality shows se está terminando, aparece una propuesta como ésta, que lleva además el plus de integrar un poco de “cultura” para variar. Tiene un poco de reality, un poco de documental, no sé, es diferente. El director de coros es Gareth Malone, que dirige en su vida real el coro de la Sinfónica de Londres. Pero en este programa, y en la segunda temporada específicamente, lo que él hace es ir a una escuela/liceo de varones, dedicada al deporte, con la intención de formar un coro, que en esa escuela no existe desde la década del 70.

La cámara lo sigue, hace notas a los involucrados, y vamos viendo esa sensación que yo conozco (porque también canto en coros) y es ese prejuicio de que “cantar es para niñas”, el varón que canta en un coro “es gay”, los “coros son aburridos”, etc., etc., etc... A medida que pasan los programas, vemos las vicisitudes por las que pasa este director para intentar juntar a un buen número de chicos (además en una edad rebelde) para que en unos meses pueda llegar a presentarlos en el Royal Albert Hall, donde hay una importante presentación de numerosos y muy buenos coros. Y además lograr entusiasmarlos tanto como para que sigan cantando cuando el programa haya terminado.

Lo recomiendo a quienes les guste escuchar coros, a los que canten en coros, y también para los que tienen todos esos prejuicios formados respecto a cantar, porque es muy interesante ver el trabajo de los ensayos, y cuán importante y divertido termina resultando para los que están involucrados.

Ojalá sigan apareciendo este tipo de programas, en los que más que un premio en dinero, lo que se gana es aprender y que te hace “abrir la cabeza” frente a tantas cosas que podemos no conocer, pero que pueden resultar tan buenas para el espíritu.

5 preguntas a: Jorge Esmoris

2009-10-19T16:54:00.002-03:00

Luego de presentarse en cafés, bares y boliches de Montevideo durante los meses de junio, julio y agosto, y de recorrer el interior con sus delirantes propuestas, el jueves 22 de octubre a las 21 horas, El Candidato realiza su cierre de campaña en el Teatro Solís.

La producción de Esmoris Presidente aclara que la de este espectáculo unipersonal “no es una imitación de ningún candidato en particular”, pero que “podría serlo de cualquier país, puesto que se toma al candidato universal como un personaje y a éste como vehículo para un espectáculo de humor que en ningún momento cae en la obviedad, la chabacanería o el facilismo del chiste político.”

Este 2009 ha traido un desafío extra para Jorge Esmoris, que a su trayectoria como humorista, actor, creador de la Antimurga BCG y hasta conductor radial suma ahora nada menos que la encarnación del prócer José Artigas en la película La redota, dirigida por César Charlone (El baño del Papa), que empieza a rodarse en estos días en Tacuarembó.

Sobre ese papel (una adjudicación polémica, como quedó comprobado en este blog), sobre el cierre de campaña y sobre el estado del humor político en Uruguay respondió Jorge Esmoris a estas 5 preguntas:

1) ¿Cómo resumiría su propuesta presidencial el candidato Esmoris?

Bien simple. Nuestra plataforma se sustenta en tres ejes fundamentales: PLANIFICACION, EJECUCION Y FRACASO.

2) Hablando en serio, ¿cómo has visto el desarrollo de esta campaña electoral 2009?

A diferencia de lo que opinan los cientistas, para mí ha sido la más tranquila. Obviamente con dimes y diretes, pero el que pretenda una campaña sin chisporroteo verbal que se dedique al cultivo de begoñas.

3) En otros países, como Argentina, Gran Bretaña, Estados Unidos, hay una larga tradición de humor político muy mordaz y ácido. En Uruguay, en cambio, el humor político realmente crítico parece casi extinto. ¿Estás de acuerdo?

Tal vez no haya en la televisión, salvo en TV Ciudad con Informe Descomunal, pero en radio con Darwin Desbocatti y medios escritos, como por ejemplo La Diaria con Marcos Morón como ideólogo, creo que son ejemplos de excelente humor político. Creo que lo que desapareció fueron los programas de humor, salvo el ya mencionado. En la época de Decalegrón, Plop y otros, cuando llegaban las campañas electorales esos programas cubrían la cuota de humor político. Pero aquí en Uruguay sí existe un humor político y vuelvo a los ejemplos mencionados, de muy buena factura.

4) ¿Por qué aceptaste encarnar nada menos que a José Artigas en La redota, película de César Charlone que se empieza a filmar en pocos días?

Porque significa un lindo desafío de todo punto de vista. Y ahora con el tiempo y los trabajos que venimos haciendo de pre producción realmente más entusiasmado estoy. Creo sin lugar a dudas que se concretará un hermoso, emotivo y reflexivo trabajo. Obviamente me refiero a la película en general y en lo particular contribuir desde mi rol a eso.

5) ¿Cómo te estás preparando para asumir semejante personaje histórico, sobre todo teniendo en cuenta que hay una identificación muy fuerte en la gente de Jorge Esmoris como un humorista popular?

En primer lugar los humoristas somos seres humanos, nos reimos, lloramos, puteamos, hacemos caca y pichí. Se me ocurre que también Don José habrá hecho todas estas cosas y otras más. En segundo lugar yo me preparé como actor y reivindico esa calidad. Tal vez cometí el pecado de como actor vincularme al humor. Pero para hacer llorar una cebolla, para lo otro…

Este personaje lo vivo con mucha tranquilidad y por supuesto con mucho respeto. Soy conciente que tal vez ya haya una cola para pegarme, pero bueno, estoy preparado y ya estoy tramitando la ciudadanía paraguaya.

5 preguntas sobre La Zona: Rodrigo Plá & Laura Santullo

2009-08-20T22:19:00.006-03:00

“La identidad, entendida como lo que te marca desde el origen y experiencias a lo largo de la vida, es una parte de varias que conforman un estilo o un interés determinado a la hora de hacer cine. Esa identidad en mi caso incluye el pasaje por dos países, por lo que no puedo definirme de un sitio o de otro. Tampoco quiero hacerlo en realidad, me gusta ser el resultado de esas dos experiencias”. Así se expresa Rodrigo Plá (foto, derecha), nacido en Uruguay en 1968 pero formado como cineasta en México, donde su familia se radicó en 1977.

Allí hizo sus cortometrajes Novia mía (1996) y El ojo en la nuca (2001), este último premiado con un Oscar estudiantil honorario por la Academia de Hollywood. La zona (2007), su primer largometraje, recibió varios premios internacionales, incluyendo dos en el Festival de Venecia. La película, a la que definen como una “fábula de advertencia”, imagina lo que ocurre cuando, en una sociedad fracturada por el miedo, la corrupción y la violencia, un grupo de ciudadanos acaba inventado sus propias reglas, al margen de la ley que rige a los demás. Casi a continuación Plá dirigió Desierto adentro (2008), un trágico drama rural que pudo verse en el Festival Internacional de Cinemateca este año, y que obtuvo nada menos que ocho premios Ariel de la Academia Mexicana de Cine, entre ellos el de mejor guión original para el propio Plá y su compañera, la escritora y guionista –también uruguaya- Laura Santullo.

Precisamente ambos respondieron estas 5 preguntas sobre La zona, que se basa en un cuento original de Santullo y que finalmente se estrenó en Montevideo el viernes 14 de agosto.

1) ¿Cuáles fueron las dificultades de llevar adelante un primer proyecto de largometraje que es una co-producción internacional, con algunos actores reconocidos, de rodaje complejo, y que además trata un tema candente, polémico?

El problema más grande que tuvimos sin duda fue que, en un punto del proceso, quedamos huérfanos de productores. El proyecto se inicia con Columbia Pictures, pero en determinado momento ellos deciden abandonar; a esto siguió un largo compás de espera. Por suerte el guión lo retoma una productora española, Morena Films, con ellos logramos finalmente filmar la película. Otra dificultad importante fue el hecho de que se nos juntaran los procesos de dos películas, La zona y Desierto adentro, sin duda no fue la mejor situación para trabajar, pero uno espera tanto tiempo para llegar a filmar que no era cosa de despreciar la oportunidad aunque viniera por partida doble. Fue por eso que nos animamos a hacer ambos largometrajes tan pegados en fechas. En la práctica tenemos la sensación de haber hecho una larguísima ópera prima. Hubo más problemas, siempre hay, pero estas fueron las dificultades más complicadas de sobrellevar.

2) Más allá de la realidad de los barrios cerrados, que existen en muchas grandes ciudades latinoamericanas, algunos aspectos dentro de la película –como la forma en que se organizan los residentes, la existencia de un reglamento interno y hasta el desprecio por la legalidad vigente- parecen describir una realidad paralela, quizás exagerada en función de la ficción. ¿Qué tanto de esta realidad fue realmente exagerada? O, de otro modo, ¿qué tanto de lo que se ve en la película han podido constatar que sucede en la vida real?

La película es una ficción, toma muchas cosas prestadas de la realidad - un contexto socio económico, el paisaje urbano de barrios privados y villas miserias en que sucede, la impunidad de los delincuentes, miedos reales y miedos inventados, la corrupción - pero no deja de ser una ficción. Hay más elementos de los que uno quisiera que le pertenecen a la realidad, pero por suerte no todos. Decidimos generar un mundo con reglas propias, en lugar de mostrar las cosas tal cual son, porque esto nos permite resaltar temas, ideas, asuntos que nos preocupan y desde ese lugar confrontar la realidad. La ficción te lo permite, porque podés exagerar, inventar, siempre y cuando no pierdas de vista la verosimilitud dentro de la historia que estás fabulando.

3) Justo cuando la seguridad se ha vuelto el tema insignia de la campaña electoral de la oposición en Uruguay, con planteos como rebajar la edad de imputabilidad de los menores infractores, La zona presenta a un adolescente infractor que termina resultando la principal víctima de la película. ¿Esto refleja su posición sobre el tema? ¿Es La zona acaso una reacción ante la creciente paranoia de algunos sectores de las clases media y alta en relación al tema?

La película refleja un montón de cosas en las que venimos pensando, un montón de preguntas para ser exactos. Pero se trata de una ficción y como tal no representa una toma de posición frente a la realidad, porque lo que ahí está retratado no ocurre así en la vida, al menos no por ahora. Ahora que, como tú dices, la película es muy contemporánea porque los motores que la hacen existir, como el miedo, la paranoia, la intolerancia, la violencia, y sobre todo las posibles reacciones a eso, son temas que se están debatiendo en el mundo entero. Por eso también creemos que puede ser interesante para el público esta especie de fábula de advertencia, este mundo aterrorizado y fragmentado, pensar si es realmente algo así lo que queremos como sociedad. Es común escuchar a muchos políticos utilizar el miedo como herramienta para tentar a la población con ofertas de seguridad basadas en la mano dura, pero la violencia sola no puede ser una solución y quien se vale del miedo para conseguir votos no puede ser de fiar. El miedo saca lo peor de las personas, los prejuicios, las debilidades, y yo prefiero votar al que apele a las cosas buenas que uno pueda llevar adentro, por ingenuo que esto parezca.

4) Su siguiente película, Desierto adentro, es un trágico drama rural de estética bien diferente. Sin embargo hay dos tipos de fanatismos o extremismos que disparan ambas historias: en La zona son las medidas de seguridad exageradas y la justicia por mano propia, y en Desierto adentro la devoción religiosa y la idea irracional del sacrificio. ¿Qué otros puntos en común encuentran entre ambas películas?

En realidad los posibles puntos de unión los hemos ido encontrando a posteriori, muchas veces en cosas que otros nos han hecho notar, por ejemplo el hecho de que parte sustancial de las historias están referidas a la relación padre e hijo, y en el cómo esos hijos descubren su propia versión de la verdad, su propio camino. En ambas películas se muestran círculos cerrados que aportan un cierto clima de asfixia. Y hay más. Pero no se trata de elementos intencionales, en todo caso tiene que ver con ciertas preocupaciones o ideas que nos interesan y que por eso se repiten.

5) ¿Qué pueden contar sobre su próximo proyecto, La demora, ganador del FONA 2008 y del Fondo de Fomento del Instituto de Cine y Audiovisual del Uruguay?

También en este caso se trata de la adaptación de un cuento de Laura, pero es un proyecto distinto a lo que ya hemos hecho. Se trata de una historia sencilla, de pocos personajes. Básicamente es la relación entre un padre anciano que está perdiendo sus facultades y su hija, que funge como su cuidadora, además de tener hijos y una situación económica que la desborda. Sobre la interacción de estas dos realidades que viven los personajes en solitario, este acomodarse a sus respectivas circunstancias que dispara tensiones y lo mejor y lo peor de cada uno, se desenvuelve la trama, que si bien pretende esquivar un excesivo dramatismo y por eso se cuenta en términos de actos y situaciones pequeñas, sí busca conmover y encontrar, en el mundo de los sucesos cotidianos, una reflexión sobre cosas tan universales como la vejez y la soledad.

Foto superior: Rodrigo Plá y Laura Santullo en la entrega de los premios Ariel 2009, en México (AP).

Imilce Viñas (1939 - 2009)

2009-08-14T01:07:00.003-03:00

El jueves 13 de agosto, víctima del cáncer, falleció en Montevideo la actriz y directora Imilce Viñas.

Reconocida figura del teatro y la televisión nacional, Imilce mantuvo desde 1955 una actividad ininterrumpida como actriz, formando parte de varios elencos entre los que se destacan Club de Teatro, La Farsa y El Galpón, y colaborando como actriz invitada en la Comedia Nacional. Entre 1978 y 1983 integró la Compañía Nacional de Teatro de Costa Rica.

Desde su regreso a Montevideo en 1984 desarrolló una intensa labor artística estrenando más de 130 títulos como actriz y ocho como directora, entre los que se destacan Tío Vania de Chéjov, Un marido ideal de Wilde, Doce hombres en pugna de Rose, La escuela del escándalo de Sheridan y Doña Rosita la soltera de García Lorca. Pionera del Café Concert, contó con más de veinte estrenos en ese género. Entre 1957 y 1998 mantuvo una sostenida actividad en televisión, convirtiéndose en una de las actrices más populares de nuestro medio. Tal vez su personaje más recordado sea Coquita, la vecina que chusmeaba (con los ruleros puestos y el termo bajo el brazo) junto a Laura Sánchez en el sketch de Plop. Su versatilidad la llevó incluso a ser parte de la murga La Ronca junto a su compañero de toda la vida, el también actor Pepe Vázquez.

Ha realizado giras nacionales e internacionales por toda América. En 1994 funda y dirige el Taller de Arte Escénico, actividad docente que siguió desarrollando a pesar de su enfermedad. Su última puesta en escena, El suicidado -primera vez como directora para la Comedia Nacional- se estrenó en julio en el Teatro Solís y sigue en cartel en El Galpón.

Su frescura, su buen humor, y ese par de imponentes ojos azules seguirán presentes en todos quienes trabajaron, crearon, crecieron, o se rieron con ella.

Y Artigas es… Jorge Esmoris!!

2009-08-11T22:42:00.002-03:00

Así es, luego de dos meses de especulaciones (y decenas de comentarios y repercusiones del post más popular en la historia de este blog) la producción de La Redota ha elegido este medio para dar a conocer el nombre del actor que tendrá la nada sencilla tarea de encarnar al General José Gervasio Artigas en esa película.

Y ese actor es, pues, Jorge Esmoris, el mismísimo Esmoris fundador de la Antimurga BCG y creador de exitosos unipersonales de humor como Esmoris Presidente o S.P.A. El mismo Esmoris que protagonizó las dos películas nacionales dirigidas por el realizador Leonardo Ricagni: El Chevrolé (1998) y A Dios Momo (2005).

Otros actores uruguayos ya confirmados para el elenco de este “thriller histórico”, que dirigirá César Charlone sobre guión propio y de Pablo Vierci, son: Yamandú Cruz (Blanes), Daniel Jorysz (Barreiro), Carlos Rodríguez (Otorgués), Mario Ferreira (Sarratea), Ernesto Liotti, Diego Artucio, Arturo Fleitas, Mariela Acevedo y Roxana Blanco.

El inicio del rodaje está previsto para el 12 de octubre en Tacuarembó, donde se recrearán las orillas del Ayuí, y tendrá una duración de seis semanas.

Ya te invitamos a opinar respecto a quién te parecía el actor más indicado para encarnar a Artigas; ahora te invitamos a comentar esta elección de casting.

Buscando a Artigas

2009-06-08T00:13:00.006-03:00

Se está preparando en Uruguay la realización de una película sobre José Artigas, bajo el título La Redota. No es exactamente una biografía del prócer, sino un relato de ficción enmarcado en un episodio histórico real –el éxodo del pueblo oriental de 1811- en el cual, como es lógico, la figura de Artigas tendrá un protagonismo esencial.

El director de La Redota, al frente de un equipo técnico de primer nivel, es nada menos que César Charlone, quien cobró notoriedad como excelente director de fotografía junto al brasileño Fernando Meirelles (Ciudad de Dios, El Jardinero Fiel, Ceguera) antes de debutar como co-director con la exitosa El Baño del Papa (2007). El guión es de Charlone y Pablo Vierci. El proyecto -recientemente premiado por el Instituto de Cine y Audiovisual del Uruguay (ICAU)- forma parte de una serie de ocho películas sobre los Libertadores Latinoamericanos, serie producida por Wanda Films, Lusa Films y TVE Española en coproducción en cada país con empresas locales. En el caso de Uruguay, La Redota está producida por Lavorágine Films & Cimarrón Films en coproducción con las mencionadas empresas productoras.

Cuando uno escucha sobre un proyecto como éste lo primero que se pregunta es: “¿y quién va a hacer de Artigas?” Lo cual es lógico, sobre todo tratándose de nuestro máximo héroe nacional cuya imagen –recreada por artistas como Juan Manuel Blanes o José Luis Zorrilla- hemos absorbido desde la infancia. El director y la productora están en proceso de casting, y obviamente ya tienen algunos nombres en consideración. Y les importa mucho que el actor que encarne a Artigas no defraude las expectativas del público uruguayo ni traicione ese imaginario colectivo que tan bien supo aprovechar El Galpón, por ejemplo, cuando propuso su Artigas, general del pueblo protagonizado por Rubén Yáñez por allá por la década del ‘80.

Pero cabe preguntarse: ¿importa más la semejanza física con la imagen pública que tenemos del prócer o el talento como actor? ¿Preferirías ver a una gran estrella en el desafío de representar a Artigas o a un intérprete anónimo que permita recrear sin distracciones al personaje? ¿Eh? Sí, sí, de hecho te lo estamos preguntando: la producción de la película está muy interesada en saber tu opinión y utilizará este medio para conocerla.

A la derecha de esta página, más arriba, hay una encuesta donde podés responder qué actor o actores te parecen más apropiados para el rol. Entre los candidatos hay actores uruguayos y extranjeros, más o menos conocidos. La idea es testear qué impresión te causaría, a priori, ver a alguno de ellos en el papel de Artigas. Después de todo la imagen de este Artigas cinematográfico va a recorrer el mundo...

Pero además podés enviarnos tu comentario opinando y/o proponiendo otros nombres que te parezcan adecuados. Siendo criteriosos, claro (si proponés a Vin Diesel lo vamos a tomar como broma). Esto es en serio; otra cosa es si después el director y la productora tienen en cuenta tu sugerencia o no, pero quién te dice que el año que viene, cuando te sientes a ver La Redota en el cine, no mires con orgullo la pantalla pensando: “yo te puse ahí, pichón”.

5 preguntas a: Horacio Camandulle & Leonor Svarcas

2009-05-30T20:27:00.008-03:00

El viernes 22 de mayo se estrenó, con importante repercusión de público, la película Gigante, co-producción uruguayo-argentina dirigida por Adrián Biniez (alias “Garza”) que ganó tres importantes premios en el último Festival de Cine de Berlín.

“Una historia de amor XXG”, reza el slogan, jugando con el tamaño de su personaje principal: Jara, guardia de seguridad nocturno en un supermercado, patovica en un boliche los fines de semana, fanático del heavy metal, tío inmaduro pero afectuoso, y no mucho más. La “historia de amor” comienza cuando, a través de los monitores de vigilancia del supermercado, Julia, una limpiadora del turno de la noche, llama su atención irremediablemente. A partir de ese momento la vida de Jara se convertirá en una serie de rituales y rutinas alrededor de ella y su deseo de conocerla, de aproximarse, tal vez de animarse a decirle algo… Pero Jara es tan grande como tímido, de manera que lo que la película cuenta es, en cierta forma, el preámbulo de una historia de amor posible entre dos seres anónimos, dos laburantes solitarios que recorren las calles de Montevideo… (en general ella va adelante y él atrás, sin llamar la atención…).

A esta altura casi todo el mundo conoce la historia detrás de la película: Biniez, músico argentino, cantante del grupo Reverb, se radicó hace unos seis años en Montevideo, tras enamorarse de una uruguaya (la actriz Leonor Svarcas) y probablemente de la ciudad. Con ganas de hacer cine, escribió el guión de Gigante mientras demostraba su habilidad como director en los premiados cortometrajes 8 Horas (ganador en el BAFICI) y Total Disponibilidad, que co-escribió con Svarcas, quien además lo protagonizaba. Ocasional actor (fue Dardo el del órgano en el karaoke de la película Whisky) y gran comediante (recordado por sus apariciones en el programa Los Informantes, en las que hacía un irreverente uso del inglés), Biniez se inspiró en un amigo personal, llamado precisamente Jara, para moldear al personaje protagónico de su primer largometraje. El resultado, producido junto a la barra de Control Z (25 Watts, Whisky, La Perrera, Acné), sacudió el Festival de Berlín 2009 ganando tres premios importantes: Oso de Plata (compartido con la alemana Alle Anderen), Premio Alfred Bauer (compartido con Tatarak, del polaco Andrzej Wajda) y mejor ópera prima.

Lo que quizás sea menos conocido es quiénes son los protagonistas de Gigante. Horacio Camandulle (Montevideo, 1973), maestro de primaria y actor de teatro (se lo puede ver en el espectáculo Los Fabulosos Hermanos Masilotti), se aseguró su primer protagónico de cine al asistir a un casting en el que conquistó al director Biniez. Svarcas (Montevideo, 1977), quien ya tenía asegurado su rol (Biniez escribió el guión pensando en ella), ya es una cara más conocida; además de breves apariciones en Whisky y Acné, se la recuerda junto al personaje de Alzira en el sketch cómico del programa La Culpa es Nuestra (Canal 10). Pronto se la verá en la nueva tele comedia de Canal 10, Hogar dulce hogar, y en el reparto de la película El Cuarto de Leo. Ambos se vistieron de gala y recorrieron la alfombra roja de Berlín, acompañando a Biniez y ayudándolo a cargar los tres premios de regreso a casa.

Para conocerlos un poco más, y descubrir otros aspectos detrás de Gigante, les hicimos las mismas cinco preguntas a cada uno. Y ambos respondieron gentilmente. O sea: cinco preguntas, diez respuestas:

1) ¿Qué tipo de preparación hiciste para tu personaje? ¿Investigaste por ejemplo el oficio, los hábitos, los ambientes en que se mueve? ¿Hubo mucho ensayo?

Horacio Camandulle (Jara): El secreto de la peli fueron los ensayos, los encuentros que tuvimos con Adrián y por ende la empatía que logramos. Hablamos mucho del personaje y de lo que quería de él. Nos encontramos tres o cuatro veces por semana, unas dos horas. Fue una instancia muy buena, porque se tornó en un intercambio de ideas, aprendí mucho. Los casting de algunos de los secundarios se hicieron conmigo, eso me dio la posibilidad de foguearme en cámara y de ir descubriendo cosas, detalles del personaje.

Leonor Svarcas (Julia): La preparación pasó más por estar muy familiarizada con el guión, en principio. No investigué el oficio, porque partí de la base de que mi personaje no se había dedicado siempre a realizar esa tarea. Una vez que nos pusimos de acuerdo con el director sobre el hecho de que ella recién llegaba del interior, consideramos que esta podría ser la primera vez que el personaje trabajaba como empleada de limpieza; por lo tanto me centré más en estar atenta al ritmo en los supermercados y en observar los instrumentos que se usan para limpiar, pero no creo que mi personaje sea una experta en limpieza ni mucho menos. No hubo demasiado ensayo. Hubo ensayo de algunos momentos como de las caminatas, eso si se ensayó bastante, probamos distintas formas de su andar y elegimos uno que diera un tono bastante personal. Es un personaje que es un misterio, y estaba bueno que tuviera cosas particulares y no generales que pudieran caer dentro de una especie de estereotipo. No creo que su trabajo la defina, y la película no pretende ser una especie de documental de la gente que trabaja en los supermercados. Esa idea simplemente fue un punto de partida, un disparador para inventar un mundo imaginario.

HC: Hice un mini scouting, fui a un super para ver a los guardias de seguridad, fui pasado el horario para ver a las limpiadoras. Pero mi memoria emotiva pudo más. Hace unos años trabajé como conserje del teatro AGADU; allí hacía de todo, hasta de portero, muchas noches, pasaba horas y horas cuidando la puerta. Era el tiempo en que no estaban tan institucionalizadas las empresas de seguridad, de ahí saqué los piques del embole.

2) ¿Cómo fue el vínculo entre ustedes dos durante el rodaje? ¿Se mantuvo de algún modo la distancia que hay entre ambos personajes durante toda la película? ¿O entre toma y toma eso era algo que podía quebrarse a voluntad?

HC: El vínculo con Leonor fue normal. Eso sí, durante el rodaje hubo momentos que no nos vimos, porque en las escenas que filmaron con ella para los monitores yo no participaba. Sí en las persecuciones. Con Leonor me divertí mucho, nos conocíamos de antes, me hace reír bastante. Obvio que bromeábamos mucho, pero en los momentos de rodar, nos concentrábamos y salían los personajes, es muy profesional.

LS: No hubo mucha cercanía durante el rodaje. Tenemos muy pocas escenas juntos. Cuando el rodaba yo no estaba y viceversa. De todas formas con Horacio tenemos un muy buen vínculo y fue muy lindo compartir esta experiencia con el. Tuvimos algunos ensayos de las persecuciones antes del rodaje. Pero el nexo pasaba por la dirección. Yo no me junté mucho con Horacio porque mi personaje ignora, al menos en principio, la existencia del de Horacio. Horacio si tuvo que trabajar más con mi imagen, pero la lejanía de esa imagen era más que suficiente, el trabajo realmente no nos pedía llegar a ningún acuerdo previo.

3) ¿Qué fue lo que más te sorprendió una vez que viste la película terminada, tanto sobre tu trabajo como en general? ¿O viste ni más ni menos la película que esperabas ver?

HC: La primera vez que la vi fue en Berlín, con mucha, mucha gente que se reía y aplaudía. Me sorprendió gratamente, en especial por el trabajo de tanta gente que lo ves plasmado. Yo puse la cara, mi trabajo, mi oficio, la actuación, pero hay mucha gente alrededor trabajando y eso es reconfortante, ver cómo se logró un producto de tanta calidad y calidez.

LS: Lo que más me sorprendió fue ver como realmente hay alguien detrás de todo que realmente tiene una visión global que los demás no tenemos en ese trabajo discontinuo que es un rodaje. Creo que hay una presencia muy fuerte del director, un sólido trabajo de dirección con un muy buen montaje. Me pareció una película profunda y con una gran coherencia en la forma en que está contada. También me sorprendió como plantea una sucesión de géneros. Cuando todo parece humorístico se vuelve romántico y cuando te estás acostumbrando a lo romántico se vuelve una especie de thriller y de ahí quién parecía casi un psicópata se vuelve un ser totalmente entrañable y torpe, etc.

HC: Me acordaba de los días que se había filmado, qué hicimos ese día, me sorprendió la magia de la edición, cómo se construyen las escenas, los tiempos, cómo se van armando las pequeñas escenas, cómo son los desenlaces. Y aparte la historia, que es una historia de amor, pero de amor como actitud. El tono del humor es por momentos sutil y sostenido, y el feedback con la gente es fascinante. Me emocioné mucho, cuando terminó lloré. Hacía mucho tiempo que no lo hacía. Fue mágico.

4) ¿En qué momento te diste cuenta que la experiencia de Berlín fue algo totalmente extraordinario?

LS: Me di cuenta desde que me comunicaron que habíamos sido seleccionados para la selección oficial, pero como todavía no era oficial y no podíamos propagar mucho la noticia, cada vez que se lo decía a alguien en secreto absoluto pensaba para mi: “y si entendí mal y no es exactamente así como lo cuento, esta persona debe pensar que me volví loca y tengo una especie de delirio fantástico”. Después ni bien pisamos Berlín con Horacio nos estaba esperando una especie de limo con un asistente que hablaba español, que tenía un cartel con nuestros nombres y un ramo de tulipanes rojos para mí. A continuación nos dio el protocolo para el día siguiente, que era el día de la conferencia de prensa, la alfombra roja y la proyección de la película. Creo que ahí me di cuenta de que iba a tener un par de anécdotas que contar para el resto de mi vida.

HC: Berlín es fascinante, y estar en esa ciudad de invitado era un sueño. Ya el hecho de estar ahí era extraordinario. A medida que los días pasaban (estuvimos 10 días), me bajaba la ficha que estábamos en competencia, eso que era algo anecdótico, con el correr de los días, y sabiendo que éramos una de la película favoritas, era de no creer. Viví la euforia, estaba como loco, y volvía locos a los que estaban a mi alrededor. Conocer a la gente que organizaba el festival, pasar por la alfombra roja, tener entrevistas con canales de todo el mundo, fue algo que en esos días lo tenías que tomar como natural, vivirlo, era así. Sabía que se terminaba al llegar a Uruguay. Pero vinieron los premios, los reconocimientos, la prensa aquí empezó a seguir nuestros pasos, eso sí que fue extraordinario.

5) La película acaba de estrenarse, pero mucho antes vos ya habías vuelto a tu rutina y a tu trabajo habitual. ¿Cómo se compagina esta súbita celebridad, quizás efímera, con la realidad de ser un actor en un país como Uruguay?

HC: Si es efímera como el arte, creo estar preparado para eso. Siempre lo digo: la fama es puro cuento. Sigo trabajando en la escuela, en Casa Joven, continúo haciendo teatro con Los Hermanos Masilotti, sigo en la cooperativa de vivienda, que está eternamente en trámite. El tema de la celebridad y la fama se te va a la hora de pagar las cuentas, y de hacer los fideos. Hay que seguir trabajando y mucho, más que antes, es mentira eso de "hazte fama y échate a dormir”, en realidad estoy con más trabajo que antes, con las mismas deudas. Eso si: es increíble la cantidad de notas y entrevistas que he tenido, los mensajes, poder vivir la alegría de la gente, cómo te transmite el cariño, la buena honda que hay, eso no se paga con nada.

LS: Increíblemente ya antes de filmar Gigante, yo había apostado a que mi trabajo habitual fuera el de una actriz en Uruguay. Por supuesto que tengo otros trabajos, pero por períodos bastante prolongados logro que esa sea mi actividad central. Sin duda hay mucha incertidumbre, creo que eso es lo más difícil, la incertidumbre de si habrá continuidad.

HC: Sé que esto se termina, hay un tiempo, hoy se habla de Gigante y mañana de "Pequeño", no sé, lo que sí sé, y espero tenerla clara llegado el momento, no entrar en un bajón existencial después que esto se termine. Para eso tengo la fortuna de tener una buena compañera de vida, mi familia, y mis amigos, hermanos incondicionales. Espero poder seguir actuando y que la gente pueda seguir disfrutando de trabajos como éste. Sé que como Gigante no va a haber otra, así que espero disfrutarlo.

Foto superior: El País

Paisajes críticos

2009-05-29T01:28:00.008-03:00

Envío uruguayo a la 53ª Bienal de Arte de Venecia, 2009

Bajo el título “Fare mondi” y con la curaduría general de Daniel Birnbaum, abre sus puertas al público el próximo 7 de junio la 53ª Bienal de Arte de Venecia, uno de los más prestigiosos eventos de arte del mundo. La exposición permanecerá abierta hasta el 22 de noviembre de 2009. Al igual que en cada Bienal desde el año 1954, Uruguay estará presente desde su pabellón permanente de los Giardini di Castello.

El envío uruguayo se denomina “Paisajes críticos” y presentará la obra de tres artistas: Raquel Bessio, Juan Burgos y Pablo Uribe. La muestra es organizada por el Ministerio de Educación y Cultura y el Ministerio de Relaciones Exteriores y cuenta con el comisariado de Patricia Bentancur y la curaduría de Alfredo Torres. El vernissage de la exposición uruguaya tendrá lugar el día 5 de junio a las 17 horas.

El guión curatorial busca reflejar las vertientes significativas en las artes visuales contemporáneas del Uruguay. Ofrecer de manera prismática su variedad inherente, fundando líneas que involucren desde el hacer manual al empleo de recursos tecnológicos, relatos que se ubiquen en territorios fronterizos entre lo identitario, lo local y lo global, De esa manera se prevé una utilización no sólo interna del Pabellón uruguayo sino también del espacio exterior, concretamente, la escalinata de acceso. Al mismo tiempo se tuvo especial cuidado en atender aquellas producciones visuales que apostasen a una estética de riesgo.

Paisaje 1 – “La Tierra Prometida (te quiero mucho, poquito y nada)”. La obra de Raquel Bessio (Montevideo, 1946) alude a valores míticos propios del país y de la región. En el Uruguay, se tiene la sensación de un apocado aislamiento. Esa sensación se proyecta en los comportamientos colectivos y en una actitud hacia lo exterior. La presunta “tierra prometida” termina siendo territorio compartimentado, gris, oscuramente metálico. El encajonado carcome certezas y voluntades, proceso que las piezas de la obra, al oxidarse, irán sufriendo. En el proceso logra autonomía, se vuelve inmanejable.

Paisaje 2 – “Ciudades (Nuestro amor & Déjeuner sur l’herbe)”. Juan Burgos (Durazno, 1963) amplifica los apocalipsis urbanos que proliferan en la cotidianidad. Parte de un libro infantil, y desde él va creciendo un collage delirante. En sus puestas en escena, todo es posible. Con asombrosa destreza, recorta, pega, fotocopia digitalmente, y vuelve a fotocopiar, logrando un alucinante encaje escenográfico. En ese imaginario, entre un nutrido elenco, aparecen elementos icónicos del imaginario nacional.

Paisaje 3 – “Atardecer”. Pablo Uribe (Uruguay, 1962) concreta un falso documental. De paso, delibera sobre el juego entre realidad y ficción, sobre representación en la representación. Un hombre de camisa blanca imita sonidos diurnos de animales autóctonos. En otra pantalla, con camisa celeste y en pose idéntica, emite sonidos nocturnos de otros animales. En esa polifonía visual y sonora, se gesta el conflicto binario de nítidos opuestos.

Por más información sobre la muestra, los tres artistas, y la historia de la participación de Uruguay en la Bienal de Venecia, recomendamos visitar el blog del Pabellón uruguayo en la 53ª edición.

Foto superior: Tali Kimelman
Fotos individuales: Luis Alonso

Carlos Aguilera (1945 – 2009)

2009-05-22T12:02:00.003-03:00

Parece ser que este año la cultura uruguaya no termina de reponerse de una pérdida cuando deviene otra. Tras la aún reciente muerte de los poetas Idea Vilariño y Mario Benedetti, esta semana se sumó la de Carlos Aguilera, uno de los directores teatrales más prolíficos y activos de la escena local. Aguilera, que había nacido en Montevideo el 1º de enero de 1945, falleció el martes 19 de mayo luego de una afección pulmonar por la que había sido internado. Sucedió mientras el Uruguay aún despedía a Benedetti, cuya desaparición física mereció una cobertura de prensa que los hechos culturales de nuestro país –incluyendo la muerte de Aguilera- no suelen tener.

“Hoy ha muerto el último director de actores”, dice la actriz y directora Estrella Laurta en un mail enviado tras la muerte de quien considera su “gran maestro”. “No tengo palabras para agradecerle todo lo que doy en un escenario, como actriz, como directora, como escritora... Estas palabras no dudo que son las mismas que están esbozando cualquiera de sus alumnos, de sus colegas, de sus actores, de la gente del espectáculo nacional, del teatro nacional, al que dedicó absolutamente toda su vida”, agrega Laurta. Y concluye diciendo: “Me toca dirigir donde dirigiste tu último espectáculo, El hombre que quería volar, desde ese lugar te siento conmigo en cada ensayo y te sentiré en la tercera fila mirando el espectáculo el día del estreno.”

Precisamente El hombre que quería volar, de Carlos Manuel Varela, es uno de los espectáculos dirigidos por Aguilera que siguen en cartel (en Espacio Teatro); el otro es El señor Galíndez, de Eduardo Pavlovsky, que va en Teatro del Museo Torres García. La base de datos de Cartelera registra 29 espectáculos dirigidos por Aguilera en los últimos ocho años, y aunque algunos de ellos corresponden a reposiciones la cifra habla claramente de la incansable actividad que este hombre desarrollaba dentro del teatro uruguayo.

Aguilera no sólo se destacó como respetado y querido director de actores sino también por su contribución decisiva en el conocimiento de autores nacionales, según explica una reseña escrita por Jorge Arias en el diario La República. Además era notoria su diversidad de estilos y propuestas, entre las que se pueden encontrar obras de autores rioplatenses como Florencio Sánchez, Roberto Cossa, Carlos Gorostiza, Eduardo Sarlós, Eduardo Rovner, Mauricio Rosencof, Ricardo Prieto y Carlos Manuel Varela, junto a dramaturgos más internacionales como William Shakespeare, Arthur Miller, Jean Genet, Bertolt Brech, Harold Pinter, Tennessee Williams y Federico García Lorca.

El autor y hoy Director del Departamento de Cultura de la Intendencia de Montevideo, Mauricio Rosencof, expresó su “dolor” ante la muerte de quien considera un “hermano en las lides del teatro, el maestro de tantas generaciones, el valiente que supo poner en escena textos que desafiaban a los dictadores en los oscuros tiempos, el tipo del buen humor, de la sapiencia escénica y la fraternidad.”

Aguilera cursó estudios en el teatro independiente “La Máscara” y en la Casa Municipal de la Cultura. Dirigió en varias oportunidades a la Comedia Nacional, El Galpón, Teatro Circular, Teatro La Gaviota, entre otros elencos e instituciones. Dirigió en La Paz, Bolivia, y desde el año 1982 dirigió el Teatro Arlequín en Asunción del Paraguay. En usufructo de una beca oficial viajó en 1992 a Estados Unidos de América. Recibió en varias oportunidades el premio “Florencio” de la crítica teatral uruguaya. Obtuvo por Sarita y Michele el premio del Instituto Internacional del Teatro (filial UNESCO) como mejor director de un texto de autor nacional en 1995.

Actualmente era director artístico de Casa de Comedias del Uruguay del Ministerio de Educación y Cultura, director de la Escuela Municipal de Arte Dramático de San José y de la Comedia Municipal de San José, y director itinerante del Departamento de Colonia desde el año 1986. Además dirigía el Grupo de Teatro Biguá desde hacía casi 20 años. Fue el maestro de cientos de actores nacionales del teatro independiente. El día de su internación, unas dos semanas antes de su muerte, había dado su última clase de teatro.

5 preguntas a: Vieja Historia

2009-05-19T16:25:00.003-03:00

Vieja Historia, procedente del Prado y autodefinidos como "rock melódico interdepartamental", han recorrido con gran éxito el circuito musical montevideano desde su formación en el año 2000. En 2006, con su primer disco "Álbum", ganaron el Premio Graffiti a la banda Revelación del Año. "Álbum" es un compendio de canciones folk-rock muy enérgico, lleno de una vitalidad y frescura que hablan de una banda con identidad propia y que sabe sonar muy bien. Y también de una banda difícil de encasillar en un género definido.

Ahora presentan su nuevo álbum, un EP de seis temas titulado “Doméstico”, donde confirman esa identidad, esa energía, y también un perfeccionamiento de su capacidad de instrumentación y composición que no atenta contra el sentido un poco lúdico de lo que hacen. Para decirlo sin rodeos: los Vieja Historia parecen pasarla muy bien haciendo música, contagian a quien los escucha, y suenan como el carajo (en el mejor sentido). En particular este segundo disco tiene una sonoridad folk muy particular que es imposible escuchar sin que lo invadan a uno imágenes mentales de caminos polvorientos. Como si fuera la banda sonora de una road movie criolla. Por qué no, música de carretera.

Tanto “Álbum” como “Doméstico” están disponibles para ser bajados gratuitamente desde el sitio oficial de la banda. El martes 19 de mayo estarán presentando sus temas nuevos –y los no tan nuevos- en la Sala Zitarrosa, a precios que son una ganga. Usted no puede, no debe perderse un show en vivo de Vieja Historia; si en escena son tan contagiosos como en CD o mp3, la diversión está asegurada. A apenas horas del recital, Martín Cáceres (voz y guitarra) se hizo tiempo para responder a nuestras 5 preguntas (y pico):

1) ¿Cómo se formó la banda? Y sobre todo, ¿cómo se llegó a la conformación de ese estilo que ustedes mismos llamaron en algún momento "rock melódico interdepartamental"?

Vieja Historia es un conjunto de casualidades, así nos gusta verlo a nosotros. Cada uno tiene su historia de cómo llegó a integrar este grupo de fracasados, pero creo que más importante que eso, está el hecho de que pese a muchas cosas que nos pasaron, conservamos intactas esas mismas ganas de tocar juntos.

Con respecto a nuestro estilo, más específicamente en “Álbum”, nuestro primer disco, nos resultaba muy difícil describirlo solo con un estilo que englobara todas las canciones. Por eso le decidimos darle uno nosotros, “rock melódico interdepartamental”, pero esto solo era un chiste interno nuestro, que usábamos para esquivar esa pregunta.

2) ¿Sigue aplicando esa definición? Se los pregunto porque en “Doméstico” parecen haberse definido por el rock-folk más declarado, al punto de que suena casi como un disco country. ¿Acaso les importa adherir a un estilo definido?

Cuando planificamos nuestro segundo disco y decidimos que lo hacíamos en nuestra casa, también tuvimos que decidir qué canciones podíamos grabar utilizando los pocos recursos que teníamos en nuestro estudio casero. Entonces optamos por las canciones más folk, aquellas que sonaran desde lo mínimo. De este modo armamos un disco más homogéneo con canciones que ya existían y otras que no, pero todas enfocando hacia el mismo lado.

No creo que Vieja Historia se adhiera en el futuro solo a este estilo, tenemos muchas canciones que van para otros lados distintos y que esperan ser grabadas.

3) ¿Qué les dejó la experiencia de “Álbum”, además de un Graffiti como banda revelación?

Nos dejó muchas deudas, pero también nos hizo dar cuenta de lo que implicaba grabar un disco y autogestionarlo.

4) Cada vez son más las bandas uruguayas que, como ustedes, editan su material en forma independiente y lo ofrecen gratuitamente en la web. ¿Creen que este es un camino irreversible? ¿Y qué estrategia, si es que alguna, tiene Vieja Historia en materia de difusión y/o contacto con su público?

Nosotros descubrimos esta forma de llegar al público con nuestra música a través de otro medio. Sentimos que el mercado discográfico acá en Uruguay no está funcionando para bandas como nosotros. Puede pasar mucho tiempo desde que sacás tu disco hasta que finalmente le llega a la gente.

Nosotros por medio de Internet ya logramos más de 2000 descargas desde el lanzamiento. No sé si este camino es irreversible, pero para que funcione el mercado discográfico acá, se tendrían que modificar varias cosas.

5) “Doméstico” abre y cierra –sobre todo cierra- con un tema que remite a las composiciones de Ennio Morricone para spaghetti westerns. ¿Le gustaría a Vieja Historia musicalizar un western? Y si pudieran reversionar la banda sonora de una película de vaqueros, ¿cuál elegirían?

Yo me conformaría simplemente con tocar las campanas en la orquesta para la peli “El bueno el malo y el feo”, Morricone tiene más rock que todos nosotros juntos.

Mario

2009-05-17T23:30:00.002-03:00

"... y aunque no siempre he entendido mis culpas y mis fracasos
en cambio sé que en tus brazos el mundo tiene sentido".
Todavía

Mario Benedetti falleció este domingo 17 de mayo de 2009, alrededor de las seis de la tarde, en su casa de Montevideo. Tenía 88 años. El velatorio se realiza el lunes 18 de mayo en el Salón de los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo, desde las 9:00 A.M.

Mario Orlando Hamlet Hardy Brenno Benedetti Farugia, más conocido como Mario Benedetti, nació el 14 de setiembre de 1920 en Paso de los Toros, Uruguay.

Fue hijo de Brenno Benedetti y Matilde Farugia, quienes lo bautizaron con cinco nombres, siguiendo costumbres familiares italianas.

Durante la niñez residió en Paso de los Toros, Tacuarembó, y posteriormente en Montevideo.

En 1928 inicia sus estudios primarios en el Colegio Alemán, de donde es retirado en 1933. En 1934 ingresa en la Escuela Raumsólica de Logosofía.

Sus estudios secundarios los realizó de manera incompleta en 1935 en el Liceo Miranda, para continuar de manera libre, por problemas económicos. Desde los catorce años trabajó en la empresa Will L. Smith, S.A. empresa dedicada a los repuestos para automóviles.

Entre 1938 y 1941 residió en Buenos Aires, República Argentina.

En 1945 publica el volumen de poesía "La víspera indeleble" y se integra al equipo de redacción del semanario Marcha.

El 23 de marzo de 1946 contrae nupcias con Luz López Alegre, su compañera de vida. Publica el volumen de ensayos Peripecia y novela.

En 1948 dirige la revista literaria Marginalia. En 1949 es miembro del consejo de redacción de Número, una de las revistas literarias más destacadas de la época.

Participa activamente en el movimiento contra el Tratado Militar con los Estados Unidos. Es su primera acción como militante político.

En 1949 Obtuvo el Premio del Ministerio de Instrucción Pública por su primera compilación de cuentos, "Esta mañana y otros cuentos".

En 1954 es nombrado Director Literario del semanario Marcha, donde permaneció hasta 1974, año en que fue clausurado por el gobierno de Juan María Bordaberry.

En 1964 trabaja como crítico de teatro y codirector la página literaria semanal «Al pie de las letras» del diario La Mañana. Colabora como humorista en la revista Peloduro. Escribe crítica de cine en la tribuna Popular. Viaja a Cuba para participar en el jurado del concurso Casa de las Américas. Participa en el encuentro sobre Rubén Darío . Viaja a México para participar en el II Congreso Latinoamericano de Escritores.

Participa en el Congreso Cultural de La Habana con la ponencia “Sobre las relaciones entre el hombre de acción y el intelectual" y se vuelve Miembro del Consejo de Dirección de Casa de las Américas.

En 1968 funda y dirige el Centro de Investigaciones literarias de Casa de las Américas, cargo en el cual se mantendría hasta 1971.

Junto a miembros del Movimiento de Liberación Nacional Tupamaros, fundó en 1971 el Movimiento de Independientes 26 de Marzo, una agrupación que pasó a formar parte de la coalición de izquierdas Frente Amplio desde sus orígenes. Benedetti fue representante del Movimiento 26 de Marzo en la Mesa Ejecutiva del Frente Amplio desde 1971 a 1973, sin embargo, esta alternativa se vio frustrada por el golpe de estado.

En el interín es nombrado director del Departamento de Literatura Hispanoamericana en la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Universidad de la República de Montevideo.

Publica "Crónica del 71", compuesto de editoriales políticos publicados en el semanario Marcha en su mayoría, un poema inédito y tres discursos pronunciados durante la campaña del Frente Amplio. También publica "Los poemas comunicantes", con entrevistas a diversos poetas latinoamericanos.

Tras el golpe de estado del 27 de junio de 1973 renuncia a su cargo en la Universidad, pese a ser elegido para integrar el claustro. Por sus posiciones políticas debe abandonar Uruguay, partiendo al exilio en Buenos Aires, Argentina. Posteriormente se exiliaría en Perú, donde fue detenido, deportado y amnistiado, para luego instalarse en Cuba en el año 1976, esta vez como exiliado, reincorporándose al Consejo de Dirección de Casa de las Américas.

Al año siguiente, Benedetti se residencia en Madrid, España. Fueron diez largos años los que vivió alejado de su patria y su esposa, quien tuvo que permanecer en Uruguay cuidando de las madres de ambos.

La versión cinematográfica de "La tregua", dirigida por Sergio Renán, fue nominada a la 47ª entrega de los Premios Oscar en 1974, como mejor película extranjera. Finalmente el premio, entregado en la ceremonia del 8 de abril de 1975, se lo adjudicó la película italiana Amarcord de Federico Fellini.

En 1980 se traslada a Palma de Mallorca. Dos años más tarde se residencia a Madrid e inicia su colaboración semanal en las páginas de Opinión del diario El País. El mismo año el Consejo de Estado de Cuba le concede la Orden Félix Varela.

Vuelve a Uruguay en marzo de 1983, iniciando el autodenominado período de desexilio, motivo de muchas de sus obras. Es nombrado Miembro del Consejo Editor de la nueva revista Brecha, que va a dar continuidad al proyecto de Marcha, interrumpido en 1974.

En 1985 el cantautor Joan Manuel Serrat graba el disco "El Sur también existe" sobre poemas de Benedetti, contando con su colaboración personal.

En 1986 recibe el Premio Jristo Botev de Bulgaria, por su obra poética y ensayística.

En 1987 es galardonado en Bruselas con el Premio Llama de Oro de Amnistía Internacional por su novela "Primavera con una esquina rota".

En 1989 es condecorado con la Medalla Haydeé Santamaría por el Consejo de Estado de Cuba.

Benedetti recibió, el 30 de noviembre de 1996, el Premio Morosoli de Plata de Literatura, entregado por la Fundación Lolita Rubial, de Minas, Uruguay. En la ocasión, Benedetti fue destacado por su obra narrativa. El mismo año, junto a otros cincuenta escritores, fue distinguido por el Estado de Chile con la Orden al Mérito Docente y Cultural Gabriela Mistral.

En mayo de 1997 fue investido con el título Doctor Honoris Causa por la Universidad de Alicante y unos días más tarde, el 11 de junio, fue también investido por la Universidad de Valladolid. El 30 de setiembre del mismo año fue galardonado con el Premio León Felipe, en mención a los valores cívicos del escritor. Además fue investido en diciembre como Doctor Honoris Causa en Ciencias Filológicas de la Universidad de la Habana, Cuba.

El 31 de mayo de 1999 fue galardonado con el VIII Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana dotado de 6.000.000 de pesetas. La Fundación Cultural y Científica Iberoamericana José Martí le concedió el 29 de marzo de 2001 el Premio iberoamericano José Martí.

El 19 de noviembre de 2002 fue nombrado Ciudadano ilustre de la Ciudad por la Intendencia Municipal de Montevideo, en una ceremonia encabezada por el Intendente Mariano Arana.

En 2004 se le concedió el Premio Etnosur. Se presentó por primera vez en Roma ,Italia, un documental sobre la vida y la poesía de Mario Benedetti, titulado "Mario Benedetti y otras sorpresas". El documental, que fue escrito y dirigido por Alessandra Mosca y protagonizado por Benedetti, fue patrocinado por la Embajada de Uruguay en Italia. El documental participó en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de la Habana, en el XIX Festival del Cinema Latinoamericano di Trieste y en el Festival Internacional de Cine de Santo Domingo.

En 2005, Mario Benedetti presentó el poemario "Adioses y bienvenidas". En la ocasión también se exhibió el documental "Palabras verdaderas", de Ricardo Casas, donde el poeta hizo aparición.

El 7 de junio de 2005 se adjudicó el XIX Premio Internacional Menéndez y Pelayo, consistente en 48.000 euros, y la Medalla de Honor de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo.

Mario Benedetti repartió su tiempo entre sus residencias de Madrid y Montevideo, atendiendo a sus múltiples obligaciones y compromisos.

Después del fallecimiento de su esposa Luz López, el 13 de abril de 2006, Benedetti se trasladó definitivamente a su residencia en Montevideo, Uruguay. Con motivo de su traslado, Benedetti donó parte de su biblioteca personal en Madrid al Centro de Estudios Iberoamericanos Mario Benedetti de la Universidad de Alicante.

La Fundación Lolita Rubial volvió a condecorar a Benedetti el 25 de noviembre de 2006, con el Premio Morosoli de Oro.

El 18 de diciembre de 2007, en la sede del Paraninfo de la Universidad de la República, en Montevideo, Mario Benedetti recibió de manos de Hugo Chávez la "Condecoración Francisco de Miranda", la más alta distinción que otorga el gobierno venezolano por el aporte a la ciencia, la educación y al progreso de los pueblos.

Ha publicado más de 40 libros y ha sido traducido a 20 idiomas.

Obras:

Poesía

La víspera indeleble (1945)
Sólo mientras tanto (1950)
Te quiero (1956)
Poemas de la oficina (1956)
Poemas del hoyporhoy (1961)
Inventario uno (1963)
Noción de patria (1963)
Cuando eramos niños (1964)
Próximo prójimo (1965)
Contra los puentes levadizos (1966)
A ras de sueño (1967)
Quemar las naves (1969)
Letras de emergencia (1973)
Poemas de otros (1974)
La casa y el ladrillo (1977)
Cotidianas (1979)
Viento del exilio (1981)
Preguntas al azar (1986)
Yesterday y mañana (1987)
Ex presos (1980)
Canciones del más acá (1988)
Las soledades de Babel (1991)
Inventario dos (1994)
El amor , las mujeres y la vida (1995)
El olvido está lleno de memoria (1995)
La vida, ese paréntesis (1998)
Rincón de Haikus (1999)
El mundo que respiro (2001)
Insomnios y duermevelas (2002)
Inventario tres (2003)
Existir todavía (2003)
Defensa propia (2004)
Memoria y esperanza (2004)
Adioses y bienvenidas (2005)
Canciones del que no canta (2006)
Testigo de uno mismo (2008)

Ensayo

Peripecia y novela (1946)
Marcel Proust y otros ensayos (1951)
El país de la cola de paja (1960)
Literatura uruguaya del siglo XX (1963)
Letras del continente mestizo (1967)
El escritor latinoamericano y la revolución posible (1974)
Notas sobre algunas formas subsidiarias de la penetración cultural (1979)
El desexilio y otras conjeturas (1984)
Cultura entre dos fuegos (1986)
Subdesarrollo y letras de osadía (1987)
La cultura, ese blanco móvil (1989)
La realidad y la palabra (1991)
Perplejidades de fin de siglo (1993)
El ejercicio del criterio (1995)
Vivir adrede (2007)
Daniel Viglietti, desalambrando (2007)

Novela

Quién de nosotros (1953)
La tregua (1960)
Gracias por el fuego (1965)
El cumpleaños de Juan Ángel (Novela escrita en verso. 1971)
Primavera con una esquina rota (1982)
Geografías (1984)
Las soledades de Babel (1991)
La borra del café (1992)
Andamios (1996)

Drama

El reportaje (1958)
Ida y vuelta (1963)
Pedro y el Capitán (1979)
El viaje de salida (2008)

Cuento

Esta mañana y otros cuentos (1949)
Montevideanos (1959)
Datos para el viudo (1967)
La muerte y otras sorpresas (1968)
Con y sin nostalgia (1977)
La Casa y El Ladrillo (Compilación de versos y cuentos. 1977)
Geografías (Compilación de cuentos y poemas. 1984)
Cuentos completos (1986)
Recuerdos olvidados (1988)
Despistes y franquezas (Compilación de cuentos y poemas. 1989)
La vecina orilla (1994)
Buzón de tiempo (1999)
El porvenir de mi pasado (2003)

Gracias a Ariel Mastandrea por compartir esta reseña biográfica.

Una Magnolia para todos

2009-05-08T13:13:00.003-03:00

Por Chuchú

No crean que viajé en la máquina del tiempo y que estoy convencida que esta película es un estreno. Si no me equivoco Magnolia es del año 1999. Pero vaya a saber por qué, siempre que pude verla, no la vi. Por un motivo u otro, pasaba algo y no la podía ver. La iba a alquilar, y alguien elegía otra y la dejaba para después, la pasaban en la tele y justo ese día no podía verla, en fin, siempre por algún motivo no pude verla. Pero si creyera en la magia tendría que decir que el día que tenía que mirarla era el domingo pasado.

Lo único que sabía de la película era que la gente la odia o la ama, y había visto alguna escena con Tom Cruise (genial el papel que hace…). Y lo que me pasó fue que pasaban los minutos y sentí algo raro, que no me suele pasar: miraba la hora y no quería que se terminara… ¡Y dura casi tres horas! Cuando terminó no podía dormirme. Sentía que había visto algo que me había conmovido mucho pero no sabía exactamente por qué.

Ves una película que en muchos aspectos parece negativa, y en cambio termina y ves hacia atrás y te das cuenta que es tremendamente positiva. Pasan cosas que no se sabe muy bien por qué pasan, pero las aceptás como parte de ese rompecabezas que va uniendo sus piezas de forma perfecta e inolvidable. No muchas películas me han impactado tanto. La última que me había impactado mucho fue La vida de los otros. Pero fue más bien por un clic ideológico que sufrí mirándola, y me pareció ver cosas más allá de la trama, que pienso que quiso decir el director, pero que no mostró deliberadamente, sino que dejó que el que quisiera, buscara o esperase ver, las viera o sintiera.

Pero Magnolia me impactó y sigo sin saber por qué. Y no piensen que la estoy recomendando. No quiero que alguien pueda entusiasmarse en ir a alquilarla, y luego quiera matarme por la recomendación. Lo que sí creo que a todos debe pasarnos, es tener al menos una Magnolia que nos llegue profundo al alma, y que nos haga ver que a pesar del mar de porquerías que vemos en la tele y el cine, siempre hay alguna joya escondida esperando ser vista por nosotros. Lo que hizo Paul Thomas Anderson con la película es maravilloso, y espero que tengamos de este director para rato.

Muchas películas posteriores (ahora que vi Magnolia) creo que intentaron infructuosamente apelar a esta idea (Crash, sin ir más lejos) sin lograr un producto tan “redondo”, como suele decirse. Por supuesto son más premiadas que las que verdaderamente lo merecen, pero… vivimos en un mundo con mucha injusticia, y sabemos que el señor Oscar a veces se equivoca y en grande! Probablemente todos tienen una película que los haya marcado. Y para los que no, ahí va mi deseo pues, si no han visto una “Magnolia” que los haya impactado, que pronto puedan verla.

Beatrice Arthur, "Dorothy" (1922–2009)

2009-05-04T01:21:00.003-03:00

En julio del año pasado falleció Estelle Getty, apenas días antes de cumplir los 85 años. El 25 de abril pasado le tocó a Beatrice Arthur, quien cumpliría 87 el 13 de mayo. Getty interpretaba a Sophia en la inolvidable serie The Golden Girls (Los años dorados), mientras que Arthur encarnaba a su hija Dorothy, a pesar de ser, en la vida real, un año más grande.

Su carrera la hizo más que nada en el teatro y la televisión, aunque también participó en algunas películas. Fue una eterna nominada –y eventualmente ganadora- al premio Emmy por las dos series cómicas por las cuales se convirtió en estrella siendo ya veterana: Maude (1972-1978) y, por supuesto, The Golden Girls (1985-1992), donde interpretaba a la altísima, irritable, cínica pero siempre cariñosa hija y amiga Dorothy Zbornak.

Vale la pena ver esta entrevista a fondo (sin subtítulos), en la que Arthur repasa toda su vida y carrera en el mundo del espectáculo.

O este momento en el que canta, con delicada gracia, “What’ll I do?”, de Irving Berlin:

Pero sobre todo en esta selección de algunos de los mejores momentos de Dorothy en las primeras dos temporadas de la serie, donde es fácil comprobar cómo Bea Arthur podía hacernos reír con sólo una mirada.

Idea Vilariño (1920 - 2009)

2009-05-01T15:59:00.001-03:00

Epitafio

No abusar de palabras
no prestarle
demasiada atención.
Fue simplemente que
la cosa se acabó.
¿Yo me acabé?
Una fuerza
una pasión honesta y unas ganas
unas vulgares ganas
de seguir.
Fue simplemente eso.

Del libro No (1964)

Más sobre Idea:

El mundo poético de Idea Vilariño: la nueva poesía uruguaya (1945-1955), de Emir Rodríguez Monegal

Idea Vilariño, poeta entre todos (El País de Madrid)

Reseña biográfica y selección de poemas

No saber – acerca de XXY

2009-04-29T17:06:00.006-03:00

Sobre la película XXY, de Lucía Puenzo (Argentina, 2007), se ha dicho y escrito bastante. Más allá de sus méritos cinematográficos, llamó particularmente la atención por su mirada hacia uno de los aspectos menos explorados de la diversidad sexual: la intersexualidad, como se denomina a los individuos que exhiben, en grados variables, caracteres sexuales de ambos sexos.

Esto hace que según la biomedicina, y más ampliamente la normalización social, se considere a estos individuos como “de género indefinido” o por lo menos “impreciso”, y por lo tanto “anormales” y cuya “condición” debe “corregirse” de alguna manera. Esto generalmente resulta en amputaciones quirúrgicas, a edad temprana, con el fin de “reasignar” un sexo específico, lo que resolvería el encasillamiento social del individuo en un género determinado pero está lejos de “resolver” la conflictiva emocional del individuo. Conflictiva emocional que se genera no por la intersexualidad en sí misma, sino por la reacción del entorno social y familiar a esa intersexualidad. El viejo y maldito rechazo al diferente, el eterno miedo a lo desconocido, o a lo que no podemos entender.

Sobre XXY se ha dicho y escrito mucho, dijimos, pero pocos han oído o leído la opinión de alguien que haya experimentado en carne propia (literalmente) una situación similar a la del personaje de Alex (Inés Efron). Ese alguien es Mauro Cabral*, escritor y activista intersex, argentino, de quien reproducimos el siguiente texto.

Hace mucho tiempo yo tenía 14 años y estaba sentado frente a un médico que lo sabía todo. El sabía, por supuesto, quién era un hombre y quién una mujer. Sabía también quién podía ser un hombre o una mujer, y bajo qué condiciones. Y no sólo sabía, además, a quiénes deseaban hombres y mujeres, sino también quiénes podían efectivamente ser deseados como hombres o mujeres. El se sabía un verdadero experto en el arte de distribuir personas en los órdenes de la identidad, el deseo y la felicidad; se sabía, sobre todas las cosas, un maestro en el arte de construir cuerpos capaces de hacerlos posible.

Sentado frente a ese médico yo no sabía nada. No sabía quién era, ni quién podía ser, ni cuáles eran mis posibilidades de ser deseado, ni cómo, ni por quién. Aquello que creía mi saber se deshacía ante el suyo. Los modos en los que la masculinidad se encarnaba en mi identidad, en mi cuerpo y en mi deseo –él los sabía, los declaraba, los sentenciaba imposibles. Que yo dijera “este soy yo, y este es mi cuerpo” era, para él, la expresión delirante de un cuerpo fallado que precisaba compostura urgente, paso primero y primordial para que el delirio encarnado también terminara por componerse. El estaba seguro, sabía, que una intervención quirúrgica instalaría inicialmente la femineidad entre mis piernas, para que años de dilataciones y algún señor (o varios señores) con ganas de penetrarme acabaran por fin de instalarla.

Ese médico que en ese tiempo era mi cirujano no era un hombre particularmente necio; su machismo, su homofobia y su misoginia no eran muy distintos del machismo, la homofobia y la misoginia de otros hombres de su edad, su profesión y su clase. Vivía rodeado de libros. No era un ermitaño. Viajaba, iba al cine, discutía sus ideas con colegas y estudiantes. Revisaba pacientes todos los días. En toda su experiencia del mundo no había nada, sin embargo, que desmintiera su saber sustantivo acerca de hombres y mujeres, sus cuerpos, deseos y felicidades –y transformado en hacer quirúrgico, ese su saber signó mi vida hasta el presente.

Aún desde antes de su estreno la película XXY ha recibido muchos elogios y una crítica sostenida. La película se equivoca. Su directora no investigó lo suficiente. La película distorsiona la realidad. La película miente. Su directora no entendió lo que debía. La película confunde. La película hace daño porque confunde. Esta crítica –este conjunto heterogéneo pero finalmente unitario de críticas– invoca incansablemente una doble realidad desconocida. Por un lado, dice la crítica, la película desconocería la realidad de la intersexualidad como cuestión biomédica. Por otro lado, la película desconocería la realidad de la intersexualidad como cuestión social. Al equivocarse, distorsionar, mentir y confundir la película traicionaría así un claro imperativo ético-político, que dice lo siguiente: es necesario informar –cuando no educar– a las sociedad sobre intersexualidad en los términos precisos en los que ha sido codificada por la biomedicina. Paradójicamente entonces, quienes afirman que la película es criticable por no cumplir con el mandato de informar adecuadamente acerca de eso de lo que nada se sabe afirman, al mismo tiempo, un saber por demás específico acerca de eso. Ese saber afirma que la intersexualidad es una cuestión de la que sólo puede y debe hablarse en los términos que le fija la biomedicina.

Cada vez que leo o escucho esa afirmación, pronunciada por endocrinólogos y genetistas, por cirujanos y bioeticistas, por periodistas, comunicadores y conductores de programas de radio y televisión, por padres y madres de niños y niñas intersex, por adultos intersex, por feministas, por activistas GLTBI, por académicos y, en general, por personas muy bien intencionadas que además van al cine, pienso lo mismo. Pienso que, más allá de lo atendibles que puedan ser sus razones para desear la existencia de una película que informe al detalle acerca de cada síndrome intersex, no hacen más que afirmar que nuestras existencias son y deben ser inevitablemente literales. No hay espacio para la intersexualidad en la metáfora. La intersexualidad no es algo sobre lo que se puede ni debe imaginar. No es algo sobre lo que se puede ni debe fantasear. No es, no puede ser, no debería ser algo con lo que alguien, uno, cualquiera, podría masturbarse. No es algo que pueda ni deba desearse, ni para uno mismo ni para otros, ni en la cama propia ni en la ajena. Sobre todo, la intersexualidad no puede ni debe ser, bajo ningún concepto, producida y puesta en circulación como una experiencia distinta a la narrada por la biomedicina. No puede haber una poética de la intersexualidad, a quién se le ocurre. No puede haber, menos que menos, una erótica.

(Mientras escribo esta nota recuerdo a una genetista argentina que llamó por teléfono a un programa de radio para explicarle a una audiencia ávida de síndromes literales que Lucía Puenzo se equivocó al llamar XXY a su película. Me pregunto si la misma genetista llamaría a un programa similar para explicar que no hay mujeres con tres pechos ni hombres con dos penes en el caso que criaturas así aparecieran en una película cualquiera. Uno podría pensar –yo lo pienso– que hasta las genetistas deberían aceptar de vez en cuando el pacto ficcional que se entabla cuando uno está sentado en el cine y se apagan las luces.)

III

XXY es una película con aciertos y errores. Hay demasiada agua, demasiado animal marino, demasiada melancolía argentina de esa que nadie sabe de dónde ni a cuento de qué viene y se instala. Hay un salame, hay una zanahoria, y hay hasta un juego de analogías y equivalencias que exasperaría al espectador más dado a la simetría. Pero cuenta una historia. No relata un diagnóstico, no pone un ejemplo, no ilustra un manual, no da una receta, no prescribe un tratamiento, no reparte volantes de un grupo de autoayuda, no pide solidaridad, no ofrece piedad, no hace que “valga la pena”, no dice qué pasa, no dice qué hacer. Cuenta una historia. Cuenta una historia. Cuenta una historia.

Entiendo, por supuesto, las aprehensiones de quienes sienten que la poética intersex que libera la película compromete la comprensión social del tema. Claro que los entiendo: su problema es también el mío. A mí también me atormenta pensar en cómo dar cuenta de quiénes somos, qué nos han hecho y qué nos pasa. La respuesta, me parece, no puede ser sin embargo la reducción total de nuestra experiencia al recitado de un texto médico. No puede ser, tampoco, la de otra reducción –esta vez, a la de la lógica del testimonio. El cambio que anhelamos no puede consistir en meramente convertirnos en ejemplos perfectos ni de la anatomía ni de la biografía intersex tal y como el saber de nuestra cultura las consagran. No necesitamos solamente que quienes están a nuestro alrededor comprendan los términos verdaderos en los que se dirime nuestra existencia, sino que experimenten, de una vez por todas, que somos tan de verdad y tan de ficción como todas las demás.

Muchas personas a mi alrededor hacen esfuerzos desesperados para hablar de la película con la mayor corrección política posible. Y esa corrección política les funciona hasta que llegan al punto de tener que nombrar al personaje de Alex de alguna manera. No quieren faltarle el respeto deslizando pronombres femeninos o masculinos en el momento indebido, no quieren formar parte de esa sociedad hostil que le niega a las personas intersex su derecho a ser quienes son.

Debo confesar que esa preocupación me resulta tan conmovedora como ridícula. Después de todo Alex es el personaje de una película, no una persona a la que pudiera afectar de un modo u otro el uso de los pronombres equivocados. Es cierto, sin embargo, que cada opción pronominal habla de los modos en los que nos reconocemos y nos nombramos, por lo que tratar a Alex de una u otra manera no dice nada acerca del personaje y todo acerca de quienes somos. Es por eso que más importante, mucho más importante que la corrección política a la hora de nombrar, es el ejercicio de la capacidad para reflexionar en torno a esos modos del nombrar. ¿Tratamos a Alex en femenino porque hay quienes la consideran una chica? ¿Porque sospechamos de sus cromosomas? ¿Porque supuestamente lo diría su partida de nacimiento? ¿Tratamos a Alex en masculino porque hay quienes así lo hacen? ¿Tendrán las escenas eróticas de la película algo que ver con ese tratamiento? ¿Creemos que no es ni una cosa ni la otra por esos genitales que más o menos inconfesadamente también querríamos luchar por ver?

¿Atribuimos pronombres a las personas por lo que hacen al tener sexo con otras, por los pronombres que usan esas otras, por las partes del cuerpo que una y otras usan para tener sexo? ¿Y si no hubiera más remedio que arriesgarnos a no saber cuál es el pronombre correcto, y ni siquiera a saber si hay uno? ¿Si no hubiera uno, si fueran los dos, si fueran todos, si no fuera ninguno? ¿Si nos viéramos obligados a aceptar que tal vez somos siempre demasiado arriesgados y muy poco políticamente correctos a la hora de asignarle un género pronominal no solo a Alex, sino a cualquiera, si no hubiera pronombre correcto, en realidad, para nadie? ¿Y si la corrección política no fuera más que una excusa pobre para no arriesgarnos al error y a esa dolorosa y magnífica experiencia de darnos cuenta no sólo de que no sabíamos sino, además, de que no tenemos forma alguna, a priori, de saber? Creo que lo mejor que podría pasarle al personaje de Alex es que su trabajo poético entre nosotros no sea el que produce un conjunto de reglas nominativas, sino ese otro, profundamente desquiciante, capaz de disolver una y otra vez la seguridad con la que usamos nuestras reglas –una, cualquiera, todas nuestras reglas del nombrar, y del desear, y del coger.

Cuando yo era adolescente, hace veinte años atrás, hablaba y escribía. Las cosas no han cambiado mucho. Aquello que tenía para decir acerca de mi mismo lo dije, y fue oído, y también leído. Pero quienes oían y leían no tenían la menor idea acerca de lo que decía. Ese nunca fue, sin embargo, el problema. El problema fue otro –esa necesidad imperiosa, urgente, irresistible de cerrar lo que no cierra con un saber que lo clausura.

La verdad es que no sé si mi propia historia intersex hubiera sido distinta si mi cirujano hubiera visto XXY hace veinte años, si hubiera salido del cine enojado, confundido, excitado o esperanzado. ¿Cómo saberlo? Lo que sí se es que el mundo en el que él y yo vivimos es distinto ahora que la película está ahí, y que mucha gente puede ir y verla, verla más de una vez y no lograr, sin embargo, articular un saber que valga ni para todas las personas ni para todas las veces. Ese mundo no es distinto porque, de un modo u otro, a partir de XXY se sepa más. Es distinto, más bien, porque a partir de XXY, y por suerte, comienza a saberse menos.

Nota publicada en el sitio web del CLAM - Centro Latinoamericano de Sexualidad y Derechos Humanos el 1º de abril de 2008.

* Acerca del autor: Mauro Cabral es escritor. Cursó la licenciatura en historia por la Universidad Nacional de Córdoba y es doctorando en filosofía por la misma universidad. Su trabajo de investigación está centrado en las economías jurídicas de las biotecnologías de modificación corporal. Coordina el Área de Observatorios de Mulabi y, junto a Paula Machado, el Consorcio Latinoamericano de Trabajo sobre Intersexualidad. Es miembro, además, del Grupo del Jueves (espacio que trabaja en pos del acceso de las personas trans a los sistemas públicos de salud y educación), del colectivo Hombres Trans en el Activismo y del espacio sadomasoquista Pero voy a misa. Nació y vive en Córdoba, Argentina.